miércoles, 20 de junio de 2018

Kill Pill Klvb y la importancia de disfrutar del rock en directo



Rumbo a las #NochesDeHalloween, realizamos un recuento sobre el trabajo que ha realizado la productora mexicana Kill Pill Klvb

Existen sensaciones que resultan imposibles de imitar y estar en medio de un concierto frente a una de tus bandas favoritas es una de ellas. Puedes escuchar un álbum en la comodidad de tu casa infinidad de veces, pero el tener que trasladarte hasta un determinado foro, estar rodeado de otras personas que tienen la misma pasión que tú y tener a unos metros de distancia a unos héroes que con tan sólo ejecutar una nota con sus instrumentos provocarán el asombro de toda la audiencia es algo que jamás se podrá igualar.

Dentro de la pirámide del rock, los organizadores de conciertos representan un lugar preponderante porque de ellos depende el poder coordinar todo lo necesario para un recital y contar con las condiciones óptimas para disfrutar de la música en su máximo esplendor.

Pero mientras algunos se toman con ligereza la actividad de la organización, otros se han propuesto hacer bien las cosas y de una manera autónoma, aunque lo más sorprendente es que se han arriesgado por un tipo de rock que no es el que llena estadios ni es el que suena en horario estelar en las estaciones de radio. El nombre de la productora es Kill Pill Klvb y se especializa en el rock & roll, el garage, el stoner rock y la psicodelia.


A un par de años de su fundación, los integrantes de esta promotora han dejado en claro que les interesa traer agrupaciones de talla internacional a nuestro país y por las que otros difícilmente se atreverían, pero de igual forma se han preocupado por brindarle un espacio a los conjuntos mexicanos emergentes y permitirles la oportunidad de alternar con las bandas de otros puntos geográficos con las que comparten gustos e intereses.

Por lo anterior, junto a grupos de renombre como Radio Moscow, Earthless, Alpine Fuzz Society, James Leg, Left Lane Cruiser, L.A. Witch y 1000Mods ha sido posible ver a representantes nacionales como Black Overdrive, Johnny Nasty Boots, Motor y San Pedro El Cortez.


De manera adicional, el preocuparse por contar con foros de buen audio y ofrecer precios accesibles para que el público pueda asistir y dejarse envolver por el rock & roll psicodélico ha sido una parte indispensable para los que conforman a Kill Pill Klvb.

Por último y aunque parezca un aspecto menor, también se debe hacer mención de la parte gráfica, un elemento que muchos olvidan pero que es tan importante como el graffiti dentro del hip hop. Para cada una de las ceremonias organizadas por este pequeño colectivo siempre se cuenta con delirantes pósters promocionales marcados por el negro misterioso y el rojo seductor.


Después de analizado el trabajo previo, ahora se debe ver hacia adelante, así que la próxima fecha a marcar en nuestros calendarios es el sábado 27 de octubre porque Sala Puebla de la Ciudad de México será la sede de la próxima celebración pagana en la que se tomará como pretexto a Halloween para llevar a cabo un aquelarre a ritmo de rock & roll psicodélico.

Mientras las manecillas del reloj avanzan y llega la fecha señalada, lo mejor es mantenerse al tanto de las redes oficiales de Kill Pill Klvb para conocer la revelación del cartel de la próxima cita obligada porque la mejor forma de disfrutar de la música siempre será en directo.


lunes, 18 de junio de 2018

Reseña: The Darts - Subsonic Dream / Bullet 7" (Dirty Water Records USA / Alternative Tentacles Records, 2018)




El mundo del garage-punk, al igual que cualquier otro movimiento musical, se renueva con frecuencia y de la misma forma en que nuevos conjuntos se dan a conocer, existen otros que deciden separarse y enfocarse a otros ámbitos, pero si se debe mencionar a uno de los grupos actuales con mayor proyección es necesario hacer énfasis en The Darts.

La historia de la banda no difiere de otras tantas y todo se resume al 2016 cuando cuatro amigas provenientes de Arizona y California con un largo camino recorrido en el mundo del rock & roll en conjuntos como The Love Me Nots, Motobunny, Zero Zero, The Two Tens, The Dollyrots, Thee Outta Sites, The Love Me Nots, Casual Encounters, The Madcaps y Brainspoon decidieron unirse para formar un nuevo proyecto.

Una vez conformada la alineación con Nicole (teclado y voz), Christina Nunez (bajo), Michelle Balderrama (guitarra) y Rikki Styxx (batería), su secreto ha sido dedicarse de lleno a la música y tomarse en serio su trabajo, lo cual se traduce en la publicación de un par de LP's (recomendamos leer nuestras reseñas de The Darts y Me.Ow), diversas giras a lo largo de Estados Unidos y Europa e inclusive fueron invitadas al concierto de celebración de los 60 años de Jello Biafra, cantante de los Dead Kennedys y emblema del punk combativo.

Ahora, como preámbulo para lo que será el nuevo álbum del cuarteto estadounidense, presentan su primer 7" que incluye un par de temas inéditos y en los cuales se mantiene intacto el sonido fuerte, rocoso y lleno de distorsión con el que se dieron a conocer desde un inicio.

Por una parte, la cara A contiene a "Subsonic Dream", una pieza inclinada hacia el sonido clásico del rock & roll, con una batería taladrante que se repite a lo largo del tema y una guitarra que suelta un riff sencillo pero implacable que cumple con su función que incitar al headbanging.

En cambio, la cara B muestra a "Bullet", trabajo protagonizado por el hipnótico teclado y la voz desgarradora de Nicole, quien no teme en escupirle al micrófono y terminar en el suelo con su vestido rasgado pero con la actitud en todo lo máximo, por lo que se trata de una fiel seguidora de las enseñanzas de The Mummies.

Aunque de corta duración, ambas composiciones sirven para estar seguros que dentro de las intensiones de The Darts no se encuentra el "evolucionar" ni "madurar" porque el combo ya tiene un sonido bien definido que y no planean cambiarlo.

De esta forma, el 7" color amarillo editado en conjunto por Dirty Water Records USAAlternative Tentacles Records, representa un pequeño adelanto de cuatro mujeres adictas al rock & roll y en especial al trabajo, por lo que tomarse unas vacaciones no se encuentra dentro de sus planes a futuro.


miércoles, 13 de junio de 2018

Reseña: Flamingo Tours - Lucha Libre (Soundflat Records, 2018)




Se suele afirmar con demasiada frecuencia que quienes más valoran la cultura mexicana son los extranjeros y no los propios habitantes de nuestro país, situación que se puede reafirmar al observar el nulo interés de la población hacia espacios como museos, aunque ahora eso también es palpable al escuchar el nuevo material del conjunto barcelonés Flamingo Tours.

En este caso, el origen de esta agrupación que transita entre estilos como R&B, soul, rock & roll y exótica se remite a las sesiones Taboo Burlesque Nights realizadas por Los Mambo Jambo en el 2010 y para las cuales se contó con la colaboración de Myriam Swanson como vocalista invitada.

Después del primer paso dado, la propia Myriam decidió fundador Flamingo Tours y en una primera etapa estuvieron dentro de sus filas Mario CoboAnton Jarl del combo mambofónico, para posteriormente abandonar la agrupación y enfocarse en otros proyectos.

Ahora, en este 2018, el conjunto está de regreso con su segundo LP titulado Lucha Libre y en el que la mayoría de las composiciones están inspiradas en la cultura mexicana, como lo delata el nombre y la portada.

En primera instancia, lo que resalta del sonido de la banda es la potente voz de Swanson, la cual cuenta con un timbre que la emparenta con leyendas del calibre de Etta James y Ella Fitzgerald. Como pocas ocasiones en la actualidad, su estilo impone desde el primer segundo y enamora a los oídos como si fuera una sirena al acecho de navegantes.

Por otra parte, dentro del material que presenta temas tanto en español como en inglés, destacan canciones como "Día de Muertos", "Guerrero", "Sangrita" y "Agárrame" por las obvias referencias a México, las cuales se funden con el soul y el R&B para retroceder el tiempo hasta mediados del Siglo XX, previo a la explosión del rock & roll.

A su vez, una composición que resalta por presentar un sonido diferente al resto es "Rosita Went To Jail", la cual se encuentra más cercana al tex-mex y el estilo que dominan los grupos fronterizos como Los Lobos, con un alegre ritmo y un acordeón en primer plano.

Publicado por el sello alemán Soundflat Records y con la producción del eterno Mike Mariconda, el segundo álbum de Flamingo Tours es un viaje de regreso a las sucias y negroides raíces del rock & roll, las cuales pocas agrupaciones en la actualidad se atreven a revisitar por la comodidad que significa el mirar hacia adelante y no hacia atrás.


lunes, 11 de junio de 2018

Reseña: The Electric Mess - The Beast Is You (Soundflat Records, 2018)




Uno de los principales problemas del rock & roll es la continuidad, por lo que de la misma manera en que de forma constante nacen promisorios nuevos proyectos, suelen desaparecer con la misma frecuencia o sus integrantes simplemente pierden el interés en desarrollar su trabajo y se enfocan en otras actividades.

Pero siempre existen excepciones y dentro del terreno del garage-punk, uno de los conjuntos más regulares de los últimos tiempos y con actividad constante por todo el planeta es el quinteto neoyorquino The Electric Mess.

El grupo surgió hace poco más de una década en los barrios bajos y pluriculturales de una de las ciudades más importantes de Estados Unidos, pero desde su nacimiento sus integrantes se han enfocado de lleno en el proyecto y no han parado, por lo que ya cuentan con una abundante discografía y giras internacionales.

Mientras que en el 2014 se publicó su álbum House On Fire (recomendamos leer nuestra reseña), ahora el combo está de regreso con su cuarto LP, titulado The Beast Is You, que al igual que el anterior fue editado por el afamado sello alemán Soundflat Records.

En primer lugar, lo que se agradece es que Esther Crow (voz), Dan Crow (guitarra), Oweinama Biu (teclados, guitarras, voz), Derek Davidson (bajo) y Alan J. Camlet (batería) son unos aferrados que no tienen la más mínima intensión de cambiar, por lo que su nuevo trabajo suena exactamente a los anteriores y presenta una combinación de garage-punk flamable con mucho fuzz y unos pegajosos coros que hacen recordar a los Ramones.

De igual forma, se debe destacar el trabajo vocal de Esther, quien cuenta con un estilo que hace recordar a una Nico sin los Velvet Underground pero enojada, aunque en cuanto a imagen está más cercana a una Debbie Harry en su etapa del CBGB.

En cuanto al material, presenta 13 composiciones feroces en las que no hay espacio para descansar los oídos porque todas son potentes golpes que prometen noquear de forma instantánea gracias a su combinación de sencillos pero efectivos riffs de guitarra junto a una frenética guitarra y un hipnótico teclado que se encarga de unir todos los elementos.

Desde el primer instante con la abridora "Disconnected", la fiesta está garantizada, la cual continúa con "We're Gonna to Crash" que en poco más de dos minutos promete reanimar muertos gracias a las inyecciones de energía que muestra. Más adelante hace su aparición "You're My Overdrive" en la que ahora Oweinama se encarga de llevar el papel protagónico en la voz, para finalmente llegar a "Yes Future", un sereno tema con el que concluye la travesía sonora.

Después de 40 minutos la fiesta concluye, aunque si se tiene en consideración el ritmo de trabajo de los integrantes de The Electric Mess, no será necesario esperar demasiado para su siguiente lanzamiento porque la constancia y regularidad siempre han estado presentes en la banda.


jueves, 7 de junio de 2018

Descarga: GoGo Loco - The GoGo Loco Twist (Independiente, 2018)




El mundo de la música es tan inmenso como un océano y no existen reglas ni parámetros a seguir, por lo que mientras existen representantes que buscan crear complicadas composiciones como si se trataran de ecuaciones matemáticas, otros prefieren inclinarse hacia el sentido contrario y mientras más sencillo sea el camino, mejor.

De esta manera, uno de los conjuntos de rock & roll de más reciente creación que ha comenzado a causar furor entre los adeptos a las cosas sencillas y ruidosas es GoGo Loco, un dueto inglés que apenas fue formado a finales del año pasado y recién acaba de ser publicado su primer EP.

La razón del tiempo récord en que grabaron su carta de presentación es porque no se trata de músicos novatos debido a que Cheadle (batería) y Joe Loco (guitarra y voz) son conocidos por haber sido integrantes de The Mobbs (recomendamos leer nuestras reseñas de sus álbumes Piffle! y Garage Punk For Boys), un trío de rock & roll que por desgracia optó por separarse.

De esta manera, la ahora dupla originaria de Northampton apela a continuar por el camino de la diversión y la máxima sencillez posible, por lo que no fue necesario pensar ni ensayar en demasía y todo fluyó de forma inmediata.

Para empezar, el grupo describe su estilo como Maraca Driven Trash Rock 'N' Roll!!!, lo cual se entiende al observarlos y notar que Cheadle utiliza un par de maracas en lugar de baquetas, además de que Brendan es un eterno admirador de Bo Diddley, por lo que busca emular su estilo simple pero contundente en la guitarra.

Así, sin ningún tipo de compromiso y tan sólo con la búsqueda de dejar constancia de su trabajo y divertirse un poco, el dueto publicó de forma independiente The GoGo Loco Twist, material que se encuentra disponible en descarga gratuita en su Bandcamp y con el que ya han empezado a obtener reconocimiento por toda Europa, siendo inclusive una de las bandas invitadas a la próxima edición del festival español Funtastic Drácula Carnival.



martes, 5 de junio de 2018

Reseña: Pogüey Romero Y Los Malasangre - Ladrillo, Aspirina Y Matarratas (Sweet Grooves Records / Devil Records, 2018)




El 18 de mayo de 2017 en el festival Surf-O-Rama se realizó el último concierto de Wau Y Los Arrrghs!!!, una de las agrupaciones más importantes del garage-punk contemporáneo, pero dentro de lo negativo se debe rescatar lo positivo y eso es que sus ahora exintegrantes cuentan con más tiempo libre para dedicarse a otros proyectos.

Con lo anterior como consideración, un caso a destacar es el del guitarrista Molongui, quien continúa en el campo musical ahora como parte de Pogüey Romero Y Los Malasangre, sexteto complementado por Pogüey Romero (voz), Javi (guitarra), Vis (bajo), Sergio Subterráneo (batería) y Leandro (armónica).

Ahora en esta nueva aventura sonora, el combo originario de Valencia se adentra en los terrenos del rock & roll, el punk inglés y muestra ligeros guiños de blues explosivo propinados por la armónica de Leandro.

Después de presentar un 7" el año pasado, ahora el grupo tiene listo su primer LP de la mano de los sellos Sweet Grooves Records y Devil Records, el cual contiene una docena de temas cantados en castellano y los cuales pueden ser el soundtrack de una intempestiva noche llena de fiesta y destrucción, como lo muestra la portada diseñada por el también valenciano César Sebastián, artista que ha realizado ilustraciones para Los Coronas, Daddy Long Legs, Mujeres y varias bandas más.

En primera instancia, el trabajo del sexteto recuerda a una imaginaria combinación de Radio Birdman, MC5 y The Stooges por mostrar un sonido crudo y podrido que huele a cerveza, vómito y sangre, el cual es acompañado por feroces riffs de guitarra que sin ser espectaculares, cumplen con su cometido de provocar el pogo entre los escuchas. Finalmente, Pogüey Romero resulta el complemento perfecto porque su gangosa voz es imposible de olvidar.

Parte del sonido obtenido por el conjunto se debe a que se trata de músicos experimentados que dentro de sus proyectos previos han formado parte de Los Zzumbidos, Los Infraseres, Los Espantos, The Fingersmiths y Los Subterráneos, lo que se traduce en que conocen de sobra los senderos del rock & roll porque llevan más de la mitad de sus vidas sobre este camino.

Cuando se escucha el material, el primer golpe a los oídos es "Ladrillo, Aspirina y Matarratas", un tema semi instrumental de poco menos de dos minutos con un sonido fuerte y directo que sirve de introducción a "La Senda Torcida", una composición que le canta al desamor y lo vuelve más disfrutable. En las antípodas, la pieza con la que concluye el trabajo es "Satarratam y Aniripsa, Ollirdal", un ejercicio lúdico que incluye un grito cavernícola que recuerda a Juanito Wau.

De igual forma, dentro del contenido del álbum se deben resaltar los dos covers que presenta: "Basura" de Los Espantos y "Zapatos de Piel" de Cerebros Exprimidos, ambos con la distorsión a tope y una frenética batería que taladra hasta la consciencia.

Pese a contar con integrantes experimentados con un largo camino recorrido en el camino musical, el debut de Pogüey Romero Y Los Malasangre suena como si estuvieran ante nosotros unos veinteañeros llenos de hambre por comerse al mundo, todo a ritmo de sucio y maloliente rock & roll.


jueves, 31 de mayo de 2018

Reseña: Ukelele Zombies - El Mito (Sweet Grooves Records / Hurrah! Música / Devil Records, 2018)




El mundo del rock & roll se encuentra en constante renovación y a diario nacen y desaparecen agrupaciones en la mayoría de las ciudades del mundo, aunque si existe un punto geográfico que históricamente ha sido un semillero para los sonidos ruidosos y salitrosos es Valencia.

Fue precisamente en esta ciudad española que en el 2011 nació Ukelele Zombies, trío que en el 2014 dejó la primera constancia de su trabajo con el 7" Guou Lleah!!!, gracias al cual lograron notoriedad a nivel nacional y del cual se desprendió el sencillo "El Feo", que contó con un video que incluyó el cameo de integrantes de Wau Y Los Arrrghs!!!

Ahora, en este 2018, ha sido publicado el primer LP de Ukelele Zombies y lo primero que se debe mencionar es que por fortuna no existen cambios radicales con respecto a sus primeras composiciones. No hay evoluciones musicales, los integrantes no maduraron, no hay buenos modales y no hay intentos por ser los nuevos King Crimson, pero lo que sí hay es rock & roll ruidoso, gritón y que sólo requiere de un par de riffs de guitarra y una frase que se repita a lo largo de cada canción.

En primera instancia, se debe mencionar que el trabajo del trío conformado por Luis Armand Villalba (guitarra), Andrés Palmero (batería y voz) y Daniel Peinado (bajo) muestra fuertes reminiscencias a los primeros años de los Hollywood Sinners, hace recordar a Los Explosivos cuando eran unos adolescentes y contiene el espíritu de los mencionados Wau Y Los Arrrghs!!!, así que cualquiera que se encuentre emparentado con cualquiera de las tres referencias mencionadas encontrará en Ukelele Zombies a su nueva banda favorita.

En este caso, el material presenta una decena de composiciones propias que salpican sudor en todo momento, además de ejemplificar que para que un mensaje sea realmente escuchado no se requiere de susurrarlo sino de gritarlo y dejas los pulmones embarrados en el micrófono.

En cada una de las piezas se puede escuchar garage-punk creado con el mínimo de elementos pero que tiene como único objetivo el estremecer oídos, como lo muestra "Everything Is So Fine" que es el único tema cantado en inglés, aunque sólo contiene un par de frases que son muy fáciles de memorizar. Por su parte, en "Veneno Vudú" presentan una acelerada batería que podría revivir a un muerto como se creía en la antigua tradición haitiana. Por último, en "El Fugitivo" se adentran en los terrenos de la música instrumental con ligeros guiños a las antiguas películas de bajo presupuesto de ciencia ficción.

Por su parte, el trabajo publicado de manera conjunta por los sellos Sweet Grooves Records, Hurrah! Música y Devil Records en un tiraje limitado de 300 copias en vinilo cuenta con una ilustración de portada a cargo de Mik Baro, la cual termina por complementar de forma idónea el LP debut del trío valenciano que tiene como único objetivo el predicar la palabra del rock & roll.


miércoles, 30 de mayo de 2018

Rumbo a la Semana Indie Rocks! 2018: Deerhoof



En su regreso a la Ciudad de México, los integrantes de Deerhoof materializarán los sueños de los asistentes a su concierto

Dentro del panorama musical en nuestro país, un ejemplo claro de los frutos que deja el trabajo constante y la perseverancia por lo que crees es lo alcanzado por la revista Indie Rocks!, la cual inició hace 12 años como un medio impreso y con el transcurrir de los años se transformó en una plataforma digital, la creación de su propio inmueble y la realización de conciertos.

Como parte de las iniciativas de la revista surgió la Semana Indie Rocks!, la cual se realizará por tercera ocasión del 4 al 10 de junio de este año y consiste en un concierto diario protagonizado por una agrupación internacional y un grupo nacional emergente.

Dentro del cartel de este año destaca la presencia de Deerhoof, cuarteto estadounidense que se presentará el miércoles 6 de junio en el Foro Indie Rocks! (Zacatecas #39, Col. Roma Norte) a las 9 PM y además se contará con Entre Desiertos como banda abridora.

Los boletos para el concierto se pueden conseguir en preventa a través de Boletia por $450 o directamente el día del evento en $500.

Para mayor información, revisa el evento oficial en Facebook.


Con un espíritu inquieto por la experimentación y partidarios de hacer las cosas a su manera y sin la necesidad seguir convencionalismos establecidos, los integrantes de Deerhoof se han encargado de convertir a su proyecto en uno de los principales referentes del rock independiente de las últimas décadas.

Todo nació en 1994, año en que muchos auguraban la muerte del rock por el suicidio de Kurt Cobain, máximo emblema de la generación X, lo cual no ocurrió sino que permitió que distintas agrupaciones fuera de los límites de Seattle se dieran a conocer de forma paulatina.

En el caso de Deerhoof, las calles de San Francisco fueron las primeras en presenciar las improvisaciones creadas por la dupla conformada por Rob Fisk y Greg Saunier, quienes entonces eran unos jóvenes universitarios sin experiencia musical pero llenos de energía y con ánimos de exponer su trabajo.


Al poco tiempo, el trabajo del binomio llegó a los oídos de Kill Rock Stars, sello que siempre se ha caracterizado por brindarle oportunidades a las pequeñas agrupaciones emergentes que no tienen lugar en otros espacios y en este caso no se equivocaron porque la pareja comenzó a crecer y obtener el reconocimiento tanto de público como de la crítica especializada.

De igual forma, uno de los cambios de mayor importancia en la historia de Deerhoof fue la incorporación de Satomi Matsuzaki, una japonesa recién llegada a Estados Unidos, como su nueva cantante. La buena relación con sus compañeros fue inmediata y gracias a su estilo tanto vocal como visual, terminó por redondear el trabajo del conjunto que terminaría por convertirse en cuarteto unos años después.


Por otra parte, intentar definir el sonido de Deerhoof resulta una de las tareas más complicadas porque son una agrupación que se encuentra en constante movimiento y se alimenta de diversas fuentes de inspiración, por lo que pueden pasar de las ruidosas guitarras que recuerdan a Sonic Youth a las dulces melodías que suenan a una hada encantada, todo en cuestión de segundos. A todo lo anterior se debe sumar la presencia escénica de Satomi, quien al igual que la mayoría de las japonesas, cuenta con una dulce aura angelical.

Mientras muchas agrupaciones se suelen estancar por la falta de creatividad, en el caso del cuarteto estadounidense eso no ocurre y se puede apreciar en su extensa discografía que incluye la publicación de álbumes de forma constante, siendo su LP más reciente Mountain Moves, editado a finales del año pasado por Joyful Noise Recordings y dentro del cual destacan dos exuberantes covers: "Small Axe" de Bob Marley y "Gracias a la Vida" de Violeta Parra.


El sonido del combo americano es como un misterioso sueño porque nunca sabes qué esperar y en cualquier momento se puede transformar en algo completamente diferente a lo que inició, por lo que su regreso a la Ciudad de México resulta una oportunidad única para dejarse enamorar por su trabajo.

lunes, 28 de mayo de 2018

Reseña: Los Javelin - Cocktail Caracas (Green Cookie Records, 2018)




No es ningún secreto el actual momento por el que atraviesa Venezuela y tan sólo basta con realizar un par de búsquedas en internet para darse cuenta de la complicada situación que viven todos sus habitantes, pero sin importar todo el caos imperante, la música siempre fluye.

Surgido en la capital, Los Javelin es el conjunto más representativo de música surf del país sudamericano y además uno de los más persistentes del continente porque desde el 2001 se mantiene en activo, además de que ha participado en compilaciones mexicanas como Exotic Erotic Reverb (2003) y Melodías Intoxicadas Vol. 3 (2008), pero ahora el conjunto tiene listo su segundo material que inclusive logró llamar la atención del sello griego Green Cookie Records, especializado en los sonidos instrumentales.

El trío conformado por Barracuda (bajo), Veneno (batería) y Dr. Staccato (guitarra) realizó una interesante combinación en los 8 temas que conformar su nuevo álbum porque pese a que la materia prima es la música surf, dentro de los elementos secundarios destacan los sonidos exóticos, el spaghetti western, el spy sound y una diversa gama de texturas que le brindan una mayor riqueza a su trabajo.

El disco inicia con "La Maraquita", un fino y corto tema que muestra una alegre trompeta que sirve para dar paso a "Punkabilly Surfer", canción que recuerda a las guitarras con twang de Los Straitjackets y que gracias a un elegante teclado invitado podría formar parte de la banda sonora de cualquier película protagonizada por James Bond.

Por su parte, en "El Toro" regresa la trompeta invitada y ahora se sienten ligeras referencias al quinteto español Los Coronas junto con algunos guiños a los sonidos árabes, mientras que "Luna de Margarita" es un homenaje a las viejas películas de ciencia ficción.

Más adelante aparece "Camino A Tijuana", la cual se convierte en la composición más relajada del material al intentar recrear las atmósferas áridas que concibió Ennio Morricone para los filmes de Sergio Leone, mientras que para finalizar resalta la reinvención realizada a "Caramelo E Chocolate", una pieza de salsa original del Sexteto Juventud y que se trata de una de las composiciones venezolanas más importantes de la década de los sesenta, pero ahora con un sonido completamente diferente.

De esta manera, pese a las adversidades políticas y sociales que enfrentan en su país natal, el trabajo de Los Javelin es un importante aliciente que demuestra que aunque la música no puede solucionar todos los problemas del mundo, sí es una importante medicina que alegra la vida y de la que todos necesitamos.


domingo, 27 de mayo de 2018

Reseña: La BIG Rabia - Boda Negra (Happy Place Records, 2018)




La música, al igual que cualquier profesión, requiere de sacrificios de todo tipo que son pequeñas pruebas que pone la vida, pero al final, cuando se logran superar, las satisfacciones son mayores y es cuando se disfrutan más los éxitos.

De esta manera, si existe un conjunto que ha tenido que enfrentarse a todo tipo de sacrificios es La BIG Rabia, el dueto chileno que a lo largo de poco más de un lustro se ha dedico en tiempo completo a refinar su estilo en el que amalgaman el rock & roll con el bolero y le inyectan dosis de blues hasta obtener un estilo que cada vez se siente más personal.

Con el objetivo de lograr llegar a una mayor audiencia, Sebastián Orellana (voz y guitarra) e Iván Molina (batería) tomaron la difícil decisión de separarse de sus familias, amigos y seres queridos para trasladarse a España, país en el que residen desde hace cerca de un año.

A partir de lo anterior y de tener que hacer fuertes sacrificios para poder luchar pos sus sueños, la dupla chilena tomó inspiración para la creación de su quinto LP, titulado Boda Negra, por lo que no es de extrañar que se trate de su material más nostálgico y reflexivo dentro de su discografía.

Con el pasar de los años el binomio se ha preocupado por alcanzar un estilo que los identifique y les brinde una personalidad propia, lo cual desde su anterior trabajo que fue producido por Pedro de Dios de Guadalupe Plata y Pelo Mono (recomendamos leer nuestra reseña) fue bastante notorio, pero ahora logran un avance más y eso fue posible, en parte, porque su nuevo material contó con la producción de Paco Lamato (Pájaro) y del propio Sebastián Orellana.

A través de nueve piezas, el dueto confeccionó pequeñas historias de vida que presentan sonoridades serenas y calmadas pero con letras llenas de furia porque cada una representa un pedazo de vida. Mientras que en "Capitán" parecen relatar los verdaderos motivos que los orillaron a abandonar su patria, en "Mujer Sin Alma" le cantan a un dulce amor del pasado y "Olvídate de Mí" es una gozosa carta al desamor y a no confundir el pasado con el presente.

Si bien, en el álbum se aprecian algunas reminiscencias al trabajo de músicos como Tom Waits y Nick Cave & The Bad Seeds, las experiencias del binomio chileno les han ayudado a encontrar un sonido propio que los identifica del resto y ahora, con todos los sacrificios que han tenido que emprender, parecen haber alcanzado una nueva cúspide dentro de su carrera.