jueves, 17 de julio de 2014

Descarga: V. A. - Surf En La Azotea Vol. 4 [2014]

@ Descarga oficial

Hace un par de días fue lanzado el cuarto volumen de la saga Surf En La Azotea, idea y concepto original de El Sótano, programa radiofónico español que desde hace poco más de una década es transmitido a través de Radio 3. El locutor y guía de cada expedición es Diego RJ, una enciclopedia musical que acompaña cada emisión con información veraz y realmente valiosa. Enfocado en el rock & roll y a las distintas ramificaciones que ha generado (y también todos los sonidos que lo antecedieron), por su espacio es habitual escuchar temas de blues, punk, gospel, soul, rockabilly, psychobilly, country, R&B y demás géneros musicales.

Desde el 2011, reciben el verano europeo con un programa especial en el que, durante una hora, sólo se escuchan temas de surf instrumental en su faceta más calmada y relajada, inclusive se evitan los comentarios entre canción y canción. Dicho programa se sube a la propia página del programa y se le crea una portada especial de acompañamiento para que cualquier persona de cualquier parte del planeta, pueda descargarlo. Si alguien todavía no sabe qué es la música surf, al escuchar cualquiera de estas compilaciones seguro le quedará claro.

Link para descargarlo:


Para descargar los volúmenes pasados:



lunes, 14 de julio de 2014

ENTREVISTA CON ERNESTO MENDOZA

La historia del único thereminista mexicano profesional


La perseverancia es la mayor característica de Ernesto Mendoza, el único thereminista profesional que existe en México. A diferencia de otros músicos nacionales que ven al theremin como un "juguete creador de sonidos raritos", el único que ha sido capaz de dominarlo con el fin de reinterpretar piezas famosas y crear sus propias composiciones, ha sido Ernesto.
En la siguiente entrevista, realizada con motivo del lanzamiento de su primer álbum, Ernesto habla acerca de cómo conoció al theremin, su trabajo dentro del cine y la primera presentación que realizará fuera de territorio mexicano, entre otros temas.

Ernesto Mendoza y su theremin Etherwave Pro de Moog. Fotografía por Música Inclasificable

Recuento histórico

Inventado alrededor de 1919 por el científico ruso Lev Sergeyevich Termen –después se nacionalizaría estadounidense y cambiaría su nombre por Léon Theremin–, el instrumento musical nombrado igual que su apellido es uno de los más fascinantes de la historia debido a que es el único en el mundo en el que no existe ningún contacto físico y demuestra que realmente la música está en el aire. Su sonido asemeja a un violonchelo y una voz humana. La versión primitiva, llamada eterófono (debido al principio físico heterodino con el que funciona), sólo consistía en una antena, pero con los años fue su propio inventor el que se encargó de mejorarlo y sentó las bases del theremin actual, que funciona con dos antenas: la vertical se ejecuta con la mano derecha y controla los tonos (a medida que se acerca la mano a dicha antena, se producen sonidos agudos; si se aleja se generan sonidos graves); en cambio, la antena curva horizontal se ejecuta con la mano izquierda y sirve para controlar el volumen (mientras se aleja la mano de la antena, el volumen va aumentando; si en algún momento se toca la antena, desaparece el sonido).

Su época de mayor reconocimiento la vivió durante las décadas de los cuarentas y cincuentas del siglo pasado gracias a que se utilizó para musicalizar un gran número de películas hollywoodenses de ciencia ficción debido, entre otras causas, a que se consideraba que su distintivo sonido era el complemento idóneo para las historias espaciales. A lo largo de la historia, diversos thereministas han destacado y revolucionado en todo sentido, desde la soviética Clara Rockmore, quien inventó la técnica de la digitación táctil, que consiste en ejecutar el instrumento con los dedos extendidos (y no con el puño cerrado como hacían los demás), hasta músicos como Coco, integrante del grupo de surf espacial Man Or Astro-Man?, que simplemente le prende fuego para obtener sonidos delirantes.



Theremin: An Electronic Odyssey
Si se desea ahondar más en el tema, se pueden consultar los documentales Theremin: An Electronic Odyssey (1993), que cuenta la historia del profesor Léon Theremin; Moog (2004), que relata la vida de Robert Moog, músico inventor del sintetizador y quien perfeccionó el theremin en la década de los sesenta; y Elektro Moskva (2013), que retrata el desarrollo de la música electrónica rusa, haciendo especial énfasis en el theremin.


El inicio del sueño

En México, la primera persona que se propuso dominar este aparato que “se toca sin tocarse” fue Ernesto Mendoza, quien proviene de una familia de músicos, por lo que no fue extraño que, desde joven, decidiera adentrarse de manera profesional en esta carrera. Su primer paso fue inscribirse en la Escuela Nacional de Música, en donde se especializó en contrabajo. Corría el año de 1998 y Ernesto decidió alistarse en unos cursos de ingeniería de audio para complementar su formación; fue en una de sus clases donde el profesor alemán Nikolas Klau (exintegrante de Nine Rain) le contó la historia del theremin y le mostró algunos videos de sus ejecutantes. De todos los alumnos del curso, el único que se enamoró al instante del instrumento de origen soviético fue Ernesto.

“El profesor (Nikolas) nos habló de la historia del sintetizador e hizo referencia al theremin; nos mostró algunos videos y a mí me encantó su sonido. Recuerdo que en esos años internet todavía no estaba tan desarrollado como ahora, por lo que, por mi propia cuenta, tuve que hacer una investigación exhaustiva para tratar de conseguir un theremin, hasta que encontré uno de la marca PAiA Electronics, que vendían uno para que lo ensamblaras manualmente tú mismo, y lo tuve que mandar a pedir a Estados Unidos”.

En una época en la que no existían los manuales de Youtube y las computadoras no eran accesibles para la mayoría de la población, armar un theremin no fue nada fácil. Ernesto recuerda que entre el momento en que por correo recibió las partes del theremin y cuando finalmente pudo hacerlo funcionar correctamente, trascurrió cerca de un año. “Entre Nikolas y yo nos encargamos de ensamblar los circuitos y colocar los botones, pero fracasamos en nuestros primeros intentos; sin embargo, conforme pasaban los días, mi intriga fue creciendo hasta que por fin pudimos hacerlo funcionar correctamente y pude materializar mi sueño”, relata Ernesto en un ejercicio de memoria.

Al igual que la mayoría –por no decir todos– de los thereministas del mundo, Mendoza tuvo que aprender de forma empírica y autodidacta. No existe un manual para este instrumento ni una escuela en la que te enseñen a dominarlo, por lo que prácticamente todo se basa en prueba y error. Afortunadamente ahora ya es mucho más fácil conseguir un theremin en México y existen ciertas tiendas musicales que lo venden o simplemente es cuestión de comprarlo a través de internet.



En la actualidad, Ernesto cuenta con cinco theremins: el mencionado de la marca PAiA Electronics, uno pequeño modelo V3 (que algunos consideran de juguete), dos modelo Etherwave de Moog y uno Etherwave Pro de Moog. Es éste último el predilecto de Ernesto para sus conciertos porque se trata de un modelo profesional y es el que ofrece mayor versatilidad y un mejor sonido de todos los que han salido al mercado a la fecha; además, es el que mejor asemeja los sonidos del antiguo theremin RCA.

El primer concierto

Después de años de practicar, finalmente el 6 de mayo del 2005 se convirtió en una fecha histórica porque fue la primera vez que Ernesto ofreció una plática pública acerca de la historia y funcionamiento del theremin y la culminó con un recital en el que interpretó varias piezas clásicas como “Ave María” y “Gymnopedie”; el escenario fue el Museo Tecnológico de la Comisión Federal de Electricidad. Si bien, años antes agrupaciones musicales como Los Esquizitos o Lost Acapulco incorporaron este instrumento dentro de sus temas, nunca antes alguien se había aventurado a explicar el principio del funcionamiento de un theremin a una audiencia y mucho menos a reinterpretar temas de otros compositores.



Retroalimentación

Carolina Eyck en México
Además de su carrera como ejecutante, Ernesto se ha convertido en el principal divulgador del theremin en México. Su labor es reconocida en otros países y fue una pieza fundamental para lograr que thereministas extranjeras como la alemana Carolina Eyck y la austriaca Dorit Chrysler se presentaran en México en 2008 y 2011, respectivamente; además, participó como invitado en las dos fechas (8 y 9 de abril del 2014) que ofreció el compositor estadounidense Danny Elfman en el Auditorio Nacional, en donde interpretó temas de las películas de Tim Burton. “Presentarme con mi theremin ante un Auditorio Nacional abarrotado es algo que jamás me hubiera imaginado”, confiesa con una sonrisa en el rostro Ernesto.

El primer álbum

El siguiente paso lógico para Mendoza fue la realización de su primer álbum titulado Syntheremin, que acaba de ser lanzado de manera independiente.


“Después de años de presentarme en lugares públicos interpretando composiciones que iban de la música clásica y boleros hasta piezas de The Beatles, Donna Summer o Kraftwerk, llegué a un punto en el que me sentía frustrado por no poder presentar mis propias ideas, fue por eso que decidí hacer este disco (Syntheremin) que está conformado por diez composiciones mías que no buscan ser catalogadas dentro de ningún género musical, pero espero que sirvan para acercar a más personas a este bello instrumento musical ”. 



Portada del disco Syntheremin
Como el nombre del álbum lo indica, la idea original de este proyecto era la de crear un dueto conformado por César Mario Garduño en el sintetizador análogo y Ernesto en el theremin, pero al poco tiempo César desistió; sin embargo, Ernesto decidió continuar y se ayudó de un secuenciador para crear loops y de un sintetizador de pedales Taurus para simular los sonidos del bajo. Todo esto es lo que se puede escuchar en el disco y todo fue ejecutado solamente por Ernesto.

Colaboraciones

La idea de organizar conciertos y demostraciones de este instrumento que está a punto de cumplir su primer centenario de vida ha rendido frutos de distintas maneras, una de ellas es que personas ligadas a otras ramas del arte se han interesado en el trabajo del thereminista mexicano. Derivado de esto fue que en el 2010, el dramaturgo y cineasta Iyari Wertta invitó a Ernesto a que musicalizara ciertas partes de su ópera prima: La Pantera Negra. Desgraciadamente este filme sólo se exhibió en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y en certámenes extranjeros como el Festival Montevideo Fantástico 2010 y el Festival Internacional de Cine de Terror de Liege 2010.

“En ciertas partes de la película aparece un platillo volador porque se intenta homenajear al viejo cine de ciencia ficción, así que al director se le ocurrió que yo podía musicalizar esas partes con mi theremin; además, también me invitó a componer algunas piezas para la banda sonora, entre ellas el tema principal, ‘Platos Que Vuelan’, que canta Ely Guerra (quien además actúa en la película). Hasta donde tengo entendido, continúan las pláticas para poder estrenar el filme de manera comercial en México”.


La relación con Wertta fue tan buena que un año más tarde convocó a Ernesto para que musicalizara en vivo las representaciones que se hicieron de la obra La Señorita (adaptación de la obra La Señorita Julia de Johan A. Strindberg) en el teatro Foro de la Fundación Sebastián. Con esto, fue la primera vez que se incorporó un theremin a una puesta en escena en la historia del teatro mexicano. “La composición de las partituras musicales fue del director (Iyari) y él me invitó a sumarme para una parte en específico de la obra. Mi parte consistía en colocarme a un lado del escenario y ejecutar mi theremin mientras en la tarima, la actriz Laura de Ita cantaba un tema”, recuerda entre risas Ernesto.

Cartel promocional de la obra 'La Señorita'
De forma más reciente, Ernesto colaboró como músico invitado en el tema “Carta Jurásica” que viene incluido en el primer álbum (Cuentos Y Fábulas, 2011) de Luz De Riada, cuarteto mexicano de rock progresivo.



Futuro inmediato

Con más de una década de trayectoria como thereminista profesional, parece que los reconocimientos poco a poco empiezan a llegar a Ernesto. El más reciente es que fue invitado a presentarse en la segunda edición del Electromagnética - Festival Internacional del Theremin, que se llevará a cabo los días 7, 8 y 9 de noviembre de este año en Santiago de Chile. El año pasado, este festival tuvo a invitados de la talla de la rusa Lydia Kavina (sobrina-nieta del inventor de este instrumento) y el japonés Nori Ubukata, además de diverso talento local. A la espera de que se confirme al resto del elenco de este año, Ernesto se siente halagado de que lo hayan tomado en cuenta y confiesa que será la primera vez que se presentará fuera de fronteras mexicanas.

1º festival de Theremin en Chile - El instrumento que no se toca from Electromagnetica on Vimeo.

Para redondear su amor por el theremin, Ernesto también se desempeña como instructor particular del instrumento. Cualquier persona que cuente con el instrumento, puede solicitar clases particulares con él. 

“Cuando alguien me pide que le enseñe a ‘tocar’ el theremin, lo primero que hago es darle teoría y explicarle la historia y la forma en que funciona este instrumento; posteriormente, comienzan las clases. He tenido buenas y malas experiencias como profesor; dentro de las malas, veo que muchos alumnos no tienen paciencia y, al no ver resultados inmediatos, desisten de su entrenamiento. A diferencia de los demás instrumentos, con el theremin no percibes mejoras instantáneas… no es como la guitarra, que desde el primer día te puedes aprender una canción. Aquí los ejercicios son muy minuciosos y comienzan desde pararte de una forma adecuada, porque cualquier movimiento de tu cuerpo afecta en el sonido. Aprender a ejecutar una sola nota en el theremin, puede llegar a tardar meses”.


Con el lanzamiento de su primer álbum (disponible a la venta en la Galería Vértigo o directamente con él), Ernesto planea continuar promoviendo el theremin. No tiene prisa ni se queja de nada porque, como ya ha quedado demostrado, la paciencia es su virtud más grande.

Para mayor información o solicitar clases particulares de theremin, pueden consultar la página oficial de Ernesto Mendoza:

domingo, 13 de julio de 2014

Reseña: Goggle-A - Sayonara Summer Hootenanny (Sazanami Records / Green Cookie Records, 2013)


Fundada en 1999 en la ciudad de Tokyo, Goggle-A es una banda que combina, como pocas, la música surf con rock & roll, garage, pop y sonidos exóticos. A lo largo de su historia han recorrido prácticamente todo Japón, pero también han estado de gira por diversos países europeos, China, Estados Unidos y hasta México.

Con una discografía que incluye una extensa participación en compilaciones, su más reciente material es el EP Sayonara Summer Hootenanny, lanzado a finales del año pasado. El álbum inicia con "Steerrin' Fun Fun", en el cual muestran su faceta hot rod gracias al sonido de potentes coches que resuenan a lo largo de sus poco más de dos minutos. Inmediatamente después hace su aparición "Karen", tema que originalmente grabaron The Beach Boys en 1964 para la serie de televisión del mismo nombre que la canción, pero que ahora, cantado en nipón, adquiere un sonido fresco.

Si algo caracteriza al sonido del conjunto actualmente integrado por Gaku Kamachi (guitarra y voces), U-1 (guitarra y coros), Naoto T.B. (bajo y coros) y Emmy Lee (batería y coros) es la felicidad que le impregnan a sus composiciones, lo cual queda de manifiesto de forma bastante clara en "Bump And Go!", tema instrumental que de la tranquilidad inicial, se convierte en un frenético carnaval circense. Lo mismo se puede decir de "Tokio Duck Dive", canción instrumental de surf playero que recuerda a los primeros años de Dick Dale.

En la parte extra musical, destaca la ilustración de portada, realizada por el artista gráfico Joko The 10th.

El álbum fue editado en CD por el sello japonés Sazanami Records (propiedad de los integrantes del grupo), y en una versión especial limitada de 300 copias numeradas en vinilo de 10" por la disquera griega Green Cookie Records.



viernes, 11 de julio de 2014

Reseña: Melt-Banana - Fetch (A-ZAP Records, 2013)


Entre Bambi's Dilemma, el anterior álbum en estudio de Melt-Banana, y Fetch, transcurrieron seis años, un periodo de tiempo muy extenso en el que la banda perdió a la mitad de sus integrantes; sin embargo, un cambio tan drástico no afectó en lo más mínimo el sonido del conjunto japonés.

Ahora convertidos en dueto, tanto la vocalista Yasuko, como el guitarrista Agata, se encargaron de grabar y programar las partes de batería y bajo, de tal forma que en sus conciertos -como se pudo apreciar en la fecha que tuvieron en México a inicios de este año- sólo ellos dos se encargan de crear todos los sonidos. En ningún momento pasó por su mente el buscar reemplazos o nuevos integrantes.

Acerca de Fetch lo primero que se tiene que mencionar es que suena exactamente igual a cualquiera de sus discos pasados, pero en caso de que alguien nunca haya escuchado previamente a este binomio nipón, la mejor forma de describirlos es como una versión hiperacelerada del punk con toques de futurismo, gracias a la afición del guitarrista por los pedales de distorsión, que convierten a su instrumento en una afilada espada.

El primer sencillo que se desprendió del disco fue "The Hive", un violento tema que muestra a Agata, con su eterno cubrebocas, masacrando su guitarra, y a la pequeña  y delgada Yasuko destrozando tímpanos con su aguda voz. Las otras once canciones del disco no desmerecen en lo absoluto, y aunque todas siguen una misma tónica, la única que se sale del molde es "Zero +", gracias a su carácter instrumental y en la cual los protagonistas son unas ranas, insectos y aves que se desempeñan como "vocalistas invitados". Después de una sequía tan prolongada, con su séptimo álbum en estudio, Melt-Banana reafirma que, pese al cambio de formación, su estilo se mantiene intacto.




jueves, 10 de julio de 2014

Reseña: Apolo - Tercer Solar EP (Independiente, 2014)


Nacidos en el 2007 en el estado de Chihuahua, la historia de Apolo es la de cuatro personas seguras de sí mismas y que confían tanto en su trabajo, que decidieron dejarlo todo a cambio de cumplir sus sueños como músicos.

Uno de los retos más difíciles que tuvieron que enfrentar fue el de dejarlo todo y mudarse a la capital del país, donde indudablemente existen más posibilidades para que una banda de rock crezca. Ya instalados aquí, lanzaron su primer EP homónimo, con el que recibieron buenas críticas y poco a poco fueron construyendo su propio camino como una de las bandas nacionales más prometedoras.

Para recibir este 2014, el cuarteto lanzó su segundo EP, con el que reafirman lo mostrado con anterioridad y demuestran que no son una promesa sino una realidad. Su sonido es el resultado de muchas horas de escuchar a bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple; sin embargo, otra parte fundamental de su sonido es el hecho de cantar en español. Albar, quien se desempeña como cantante, es el creador de las letras oníricas y fantasiosas; mientras tanto, sus compañeros se encargaron de crear la parte musical, en la que destaca la guitarra de Ivan Sotelo. 

En esta ocasión contaron con un invitado demasiado especial, se trata del puertoriqueño Omar Rodriguez (The Mars Volta, At The Drive-In), quien estampó su guitarra en "Siddartha", un psicodélico y adictivo tema que sirve como resumen del sonido dominante en este material de corta duración. Además, se debe hacer énfasis en la presentación del álbum, que incluye como regalo un segundo CD con su primer EP y un DVD con todos sus videos oficiales y algunos grabados en vivo. Lo más sorprendente de todo es el económico precio de todo este paquete. Después de todos los sacrificios que han tenido que realizar, parece que los integrantes de Apolo poco a poco comienzan a recibir el reconocimiento que se merecen.


martes, 8 de julio de 2014

Reseña: The Lords Of Altamont - Lords Take Altamont (Gearhead Records / Fargo Records, 2014)


Con 14 años de trayectoria, los angelinos de The Lords Of Altamont son uno de los máximos representantes del garage-punk y el biker rock en la actualidad. Encabezados por Jake Cavaliere, fundador y miembro inamovible del grupo, son el más claro ejemplo de lo que significa dejarlo todo sobre el escenario.

Este año lanzaron su quinto LP, Lords Take Altamont, en el que realizaron su propia versión del fatídico Festival de Altamont, ocurrido en su natal California el 6 de diciembre de 1969, y que fue del que tomaron la inspiración para nombrar a la banda. Resultado de eso es que en este álbum incluyeron 14 temas de agrupaciones que se presentaron en el concierto ahora legendario.

Para este experimento musical recrearon temas como "Gimme Shelter", "Sympathy For The Devil" y "Stray Cat Blues" de The Rolling Stones, "Jingo" de Santana, "3/5 Of A Mile In Ten Seconds" de Jefferson Airplane y "Cody Cody" de Flying Burrito Brothers; sin embargo, la principal diferencia es la energía que le inyectaron a cada canción, trasladándolas al terreno del punk más salvaje e incendiario... justo como son todos los conciertos de este cuarteto.


Reseña: V. A. - BCore Sampler 2014

@ Descarga oficial

Fundado en la ciudad de Barcelona en 1990, BCore es uno de los sellos independientes de mayor tradición en España. A lo largo de su historia, la disquera se ha caracterizado por impulsar y difundir las diferentes caras que presenta el rock & roll local.

Como una muestra del trabajo reciente de BCore, lanzaron un sampler gratuito en el que aparecen 22 temas de igual número de agrupaciones, dentro de las que destacan nombres como Tokyo Sex Destruction, Los Retrovisores, Penny Cocks, Jupiter Lion y Betunizer, por mencionar algunas.



miércoles, 2 de julio de 2014

ENTREVISTA CON LORELLE MEETS THE OBSOLETE

Psicodelia nebulosa hecha en México


Con menos de un lustro de vida, Lorelle Meets The Obsolete es un ejemplo viviente de lo que significa dejarlo todo por la música. Para ellos, la actitud no sólo se demuestra cuando están arriba del escenario, sino en todo momento.

Detrás de este dueto tapatío se encuentran Lorena Quintanilla y Alberto González, quienes han tenido que cambiar de residencia en varias ocasiones y de su natal Guadalajara se mudaron a la ciudad de México, para posteriormente aterrizar en Ensenada, que es donde actualmente viven. Todo sacrificio ha valido la pena con tal de ver realizados sus sueños.

Musicalmente se trata de un conjunto que practica un rock fantasmagórico lleno de psicodelia. La distorsión de la guitarra es omnipresente y en último lugar dejan los susurros y murmullos; la influencia de My Bloody Valentine, The Jesus & Mary Chain y Velvet Underground resulta más que obvia.

Con ellos se comprueba la frase "nadie es profeta en su tierra", lo cual se puede apreciar al leer todo lo que se ha escrito acerca de LMTO en el extranjero y compararlo con la nula información de medios nacionales que existe acerca de este binomio; sin embargo, eso nunca ha sido un obstáculo y gracias a su perseverancia, han concretado varias giras por Estados Unidos y recién terminaron su segundo tour europeo, que sirvió para que formalmente presentaran Chambers (Captcha Records / Sonic Cathedral, 2014), el tercer LP de la banda. 

En un momento de descanso, ambos integrantes le concedieron a Música Inclasificable la siguiente entrevista en la que se tocan tópicos como su sentir de trabajar con Sonic Boom, lo que extrañan de México durante las giras y el mejor halago que han leído acerca de su música.

Alberto y Lorena son Lorelle Meets The Obsolete. Fotografía cortesía de la banda

¿Qué se encuentran haciendo en estos momentos?

Lorena: Regresamos a Ensenada hace unos días y hemos estado recuperándonos un poco de los tours que dimos por Europa y Estados Unidos.



Fechas ofrecidas por LMTO en Europa y Estados Unidos
¿Dónde o cómo fue que ustedes (Lorena y Beto) se conocieron?

Lorena: Nos conocimos en Guadalajara por ahí del 2004; un amigo de la universidad me invitó a ver a su banda y ahí tocaba la guitarra Beto. Nos presentaron, nos gustamos y nos hicimos novios. Después lo invité a tocar la batería en la primera banda en la que estuve y desde entonces hemos seguimos tocando juntos.

Ustedes son unos trotamundos que han cambiado de residencia en diversas ocasiones. ¿Cuál ha sido el mayor sacrificio que han hecho con tal de dedicarse por completo a la música?

Lorena: Para mí ha sido difícil separarme de mis seres queridos, tanto amigos como familia. Estar en la incertidumbre por completo sin nuestros amigos cerca de nosotros es difícil, pero hemos encontrado la manera de seguir en contacto con ellos. 

¿Cómo es la vida durante las giras en el extranjero? ¿Se disfruta más de lo que se sufre?

Lorena: Ha sido mucho más fácil de disfrutar en Europa. Todo alrededor del tour está de alguna forma más estructurado y existe mayor certidumbre. Lo malo es que no tuvimos mucho tiempo para ser turistear.

Acaban de lanzar su tercer álbum, Chambers, ¿pueden platicar un poco acerca de él?

Lorena: Contiene diez canciones que grabamos en julio del 2012. Benjamin de Captcha Records, nuestra disquera, nos habló de una beca con la que podíamos obtener una residencia de arte en Steuben, Wisconsin. Llenamos la forma y nos aceptaron. Grabamos una parte en ACRE (la residencia) con Mikale de Graff y Alex Narinskiy; el resto, aprovechando que estábamos cerca de Chicago, lo grabamos con Cooper Crain en Minbal, él también mezcló todas las canciones durante esas sesiones. Todo esto sucedió en una semana y estuvo muy cansado. Recuerdo que el último día de grabación me quedé dormida en una silla mientras Beto grababa capas de guitarra de la última canción a las 3 de la mañana y prácticamente al terminar todo, Cooper nos llevó al aeropuerto para tomar nuestro vuelo de regreso. 
En marzo de este año fue editado Chambers por Captcha Records en Estados Unidos y Sonic Cathedral en Reino Unido. 



De su nuevo material llama la atención que fue masterizado por Sonic Boom, miembro fundador de Spacemen 3. ¿Cómo fue que se concretó esto y ustedes qué sintieron al trabajar con una persona como él?

Alberto: “Medicine To Cure Medicine Sickness” es una canción que no incluimos en Chambers pero que grabamos en esas mismas sesiones; al final apareció en la compilación Psych for Sore Eyes de Sonic Cathedral. Sonic Boom masterizó esta compilación y nos encantó la combinación entre su trabajo y la mezcla de Cooper, por lo que pensamos que lo que se logró en esa canción podría ir muy bien con el resto del álbum, así que lo platicamos con Ben y Nat y ellos lo hicieron posible.



Hace unas semanas estrenaron el video del tema “Sealed Scene”, ¿quién lo realizó y de quién fue la idea?

Alberto: Todo corrió a cargo de nuestro amigo Remi de Has A Shadow. 



¿Por qué eligieron a “Sealed Scene” como primer sencillo del LP? (aunque ciertamente “What’s Holding You?” fue un adelanto del álbum).

Alberto: Junto con “What’s Holding You?” creímos que podía ser una buena representación del álbum completo porque son canciones que contrastan con el sonido nebuloso de nuestros discos anteriores.


De LMTO se suele decir que son una banda más valorada en el extranjero que en México, ¿ustedes qué opinan de eso? ¿Están de acuerdo o no lo creen así?

Lorena: Para nosotros, no termina nuestro trabajo con la composición de un disco. Una vez completo, debemos darle cierto movimiento: editarlo nosotros mismos o con alguna disquera, distribuirlo y tocarlo en vivo. En México se nos ha complicado hacer estas tres cosas. Hemos tocado poco porque no trabajamos con ninguna disquera y por lo tanto, nuestros discos no tienen distribución aquí. Tampoco hemos creado ni encontrado redes realmente independientes con las que nos sintamos afines en México; quizás ésas sean las razones por las que se piensa eso.

¿Cuál es el mejor halago que han leído/escuchado acerca de LMTO?

Lorena: Recuerdo que alguna vez leí o escuché que éramos una banda que hacía canciones largas de hueva y que no podíamos ni cantar por tanta heroína que nos metíamos (risas). Beto y yo nos reímos mucho y nos sentimos halagados por dar esa impresión, especialmente porque nunca hemos consumido drogas de ese calibre.

Para ustedes, ¿qué es el éxito?

Alberto: Para mí es tener la posibilidad de seguir llevando nuestra vida a cabo como hasta ahora; sólo restaría un poco de incertidumbre. 

¿Existe algún lugar del mundo o festival en el que les gustaría tocar?

Alberto: Europa del Este, Australia y Japón.

Durante sus giras por otros países, ¿hay algo que extrañen de México?

Alberto: ¡Sí! A Marla y Lemmy, nuestros gatitos.

Y por último, para las personas que viven en México, ¿dónde pueden comprar tanto su nuevo álbum como los anteriores?

Lorena: En DF y Guadalajara los pueden encontrar en La Roma Records. Pronto se podrán comprar también en nuestro Bandcamp.


Para más información del dueto mexicano pueden revisar su Facebook:

domingo, 8 de junio de 2014

ENTREVISTA CON KIKOL GRAU (DIRECTOR DEL DOCUMENTAL DE ESKORBUTO)

"El punk no es algo que me hayan contado sino que desde niño lo he vivido"


Dentro de las sorpresas de la quinta edición del festival Distrital, el cine y otros mundos, se trajo a México el documental Las Más Macabras De Las Vidas, dirigido por Kikol Grau. El trabajo -que en una de las proyecciones fue descrito como una ópera rock Youtubera- se centra en la historia de Eskorbuto, legendaria banda bilbaína de punk contestatario formada a mediados de los ochenta. 

El trabajo muestra la historia del grupo ochentero, contado por los propios integrantes de la agrupación. Mediante fragmentos de canciones, entrevistas e imágenes de algunos de los acontecimientos políticos españoles más importantes de los últimos años, Kikol hizo este documental porque Eskorbuto es una de sus bandas favoritas y porque era increíble que nadie hubiera hecho nada de ellos antes.

La siguiente es un entrevista que el director, Kikol Grau, le concedió a Música Inclasificable.

Kikol Grau, uno de los invitados al festival Distrital. Fotografía por Música Inclasificable

¿Cómo fue que te adentraste en el mundo del cine y qué otras cosas has realizado?

Soy una persona que viene más de una formación televisiva que de cine, por eso creo que las películas que hago suelen parecer más unos “experimentos audiovisuales” que películas en el estricto sentido del término. Dentro de mi trabajo previo tengo, por ejemplo, un experimento que hice que se titula Jason Total Massacre en el cual junté todas las muertes que aparecen en todas las películas que conforman la saga de Viernes 13, y borré todo lo demás; otro de mis trabajos es el cortometraje Docutrola: cómo convertirse en un pirata de la televisión, en el que explico cómo piratear la televisión para ver los canales de paga de forma gratuita.

Corto-JASON TOTAL MASSACRE from Kikol Grau on Vimeo.

¿Tú cómo descubriste el punk?

Fue algo que me tocó vivir por mi edad y por un hecho histórico que es la transición española que fue cuando murió (Francisco) Franco y España se abrió a la democracia. Como yo vivía en Cataluña, de pronto hubo una explosión de punk de Inglaterra y de Francia, lo que fomentó la escena local. Sumado a todo esto, yo tengo la fortuna de tener dos hermanos mayores y ellos fueron los que me introdujeron a los conciertos. El punk no es algo que me hayan contado sino que desde niño lo he vivido.

Acerca de tu documental Las más macabras de las vidas, centrado en la historia de Eskorbuto, ¿cuánto tiempo te tardaste en realizarlo y cuántas personas participaron en su elaboración?

Aproximadamente un año, que es el promedio que me tardo en cada una de las películas que he realizado. En cuanto a las personas que me ayudaron para hacerlo, fueron muy pocas en realidad y la mayor parte se hizo a través de favores, desde el que me ayudó en la parte histórica para investigar cosas acerca de fechas, hasta una persona que me está ayudando a subtitularlo en inglés. Por lo regular trabajo solo aunque no me gusta mucho, porque lo ideal sería tener un equipo fijo de trabajo.


¿En dónde se ha exhibido tu documental?

Sólo en Madrid, en enero de este año, y ahora aquí en México.

¿Cómo surgió la invitación de parte de Distrital para traer el documental a México?

Fue algo muy sorpresivo porque las personas de Distrital me llamaron y me invitaron a presentar el documental en México y yo de inmediato dije que sí. Fue algo muy extraño porque ni siquiera he recibido interés de otros festivales de cine de España y de pronto vi que había personas interesadas en el documental en México.

Tu documental es bastante corto, dura poco más de 40 minutos, ¿esto lo hiciste en alusión a las canciones de Eskorbuto, que por lo regular eran también bastante cortas?

Totalmente. No quería hacer un documental “pesado” y de hecho, al principio tenía pensado que durara una hora, pero ya al momento de la edición me di cuenta que era demasiado.

¿Por qué razón no existe un trailer oficial o fragmentos del documental en internet?

Lo que pasa es que las personas de Distrital me han tomado por sorpresa con esta invitación a México. Mi idea original fue la de hacer un documental bastante pequeño y sólo mostrarlo a mis amigos más cercanos y ya después compartirlo en internet de forma íntegra de la misma forma en que he hecho con mis anteriores trabajos. Yo ni de broma hubiera imagina que el documental le interesaría a alguien de México.

¿Y ahora qué planeas hacer con el documental?

De momento tengo dos invitaciones: primero iré a Perú a presentarla a un festival y después me invitaron a proyectarla en el País Vasco, lo cual me llena de ilusión porque creo que es el público natural para un documental de Eskorbuto y me interesa mucho conocer la opinión de las personas de allá. En cuanto termine esto, mi intensión es subirla a mi canal de Vimeo.

Tu documental inicia con imágenes de la muerte de Francisco Franco y la transición política que se vivió en España a mediados de los setenta: por un lado llegó la democracia pero también marcó el inicio de Juan Carlos como Rey de España. Ante los recientes acontecimientos en que el propio Rey abdicó a favor de su hijo, el Príncipe Felipe, ¿cuál es tu opinión acerca de este hecho y de la familia real española en general?

Estoy totalmente en contra porque la transición es una continuación de la dictadura; mantener una monarquía, en pleno siglo XXI, me parece una vergüenza. Y el problema con España es que ahora nos van a “enchufar” a otro rey. Con la crisis económica por la que atraviesa mi país, es vergonzoso que quieran que sigamos manteniendo a toda una familia que vive de no trabajar.


Para conocer más acerca del trabajo, pueden ver su canal de Vimeo:

miércoles, 4 de junio de 2014

#DocumentalesMusicales JUAN GARCÍA ESQUIVEL

La segunda entrega de #DocumentalesMusicales es para Juan García Esquivel, pianista, compositor y director de orquesta mexicano que revolucionó el mundo de la música al inventar el sonido estereofónico -aunque él prefirió el término sonorámico- y con eso, cambió la forma en que actualmente se escucha cualquier canción. Sus complejas composiciones orquestales, mostraron el potencial que puede llegar a tener un estudio de grabación. Importantes figuras de la cultura popular como Walt Disney, Matt Groening y Henry Mancini se declararon fans sel hombre de las enormes gafas.

En este trabajo documental realizado por el Canal Once, se profundiza en la vida y obra del llamado padre del lounge, a través de entrevistas con familiares, amigos y personas contemporáneas a Esquivel, como Armando Manzanero y Silvia Pinal.
Sin haber estudiado música en una escuela profesional, su talento se mostró desde joven, logrando despuntar con su programa de radio en la XEW durante la década de los cuarenta, para posteriormente triunfar en Estados Unidos, y más en específico en Las Vegas, donde inclusive entabló amistad con Frank Sinatra. Después de permanecer un poco en el olvido, a finales de los setenta regresó a México para crear el tema principal del programa televisivo Odisea Burbujas y hacia finales del siglo XX volvió a tener éxito gracias a las reediciones en CD que se hicieron de sus álbumes.