martes, 9 de julio de 2019

Reseña: The Boneshakers - Shake Baby Shake 7" (Topsy Turvy Records, 2019)




El rockabilly es uno de los géneros más añejos que existen; sin embargo, eso no impide que en la actualidad aparezcan nuevas agrupaciones y aficionados que tienen una fascinación por el estilo de vida de los cincuentas. Pueden pasar los años pero es un estilo que jamás pasará de moda.

Dentro de los representantes de más reciente creación se encuentra The Boneshakers, trío alemán que se adentra en los orígenes acústicos del rockabilly y además gusta de impregnar ciertos elementos del country para obtener un sonido que los distinga de otros conjuntos actuales.

El tridente está conformado por Boney Shaker (batería de pie y voz), Schorni Walker (guitarra acústica) y Puck Lensing (contrabajo). Después de presentarse por diversos foros de su país local por fin se encuentra disponible la primera referencia del grupo, la cual incluye una pieza original y un cover.

En este caso, la cara A muestra "Shake Baby Shake", una pieza rítmica que busca transportar al pasado, cuando la juventud lo único que buscaba era divertirse a través del baile y los helados. El trabajo de Puck en el contrabajo, quien también ha tocado con los Frantic Flinstones, destaca por la profundidad que le brinda al sonido.

A su vez, al darle la vuelta al vinilo se encuentra una versión de "These Boots Are Made For Walking" de Nancy Sinatra, pieza que ha sido interpretada en múltiples estilos a lo largo de la historia pero en este caso es trasladada al campo del rockabilly por el trinomio alemán.

Además se debe destacar que el 7" es el primer lanzamiento de Topsy Turvy Records, filial del sello alemán Soundflat Records pero que en esta división se especializará en bandas de rockabilly y punk. Por lo pronto, el sencillo es apenas el inicio de un prometedor proyecto.


lunes, 1 de julio de 2019

Reseña: Emilio Revólver - Revlover (Independiente, 2019)




Canciones de atmósferas sombrías como una noche de verano que son acompañadas del sentimiento humano

Uno de los beneficios de reunirte con otras personas y crear una banda es que la unión permite una lluvia de ideas en búsqueda de nuevos sonidos. La desventaja es que en ocasiones no se hace lo que uno quiere sino lo que desea la mayoría. La democracia ofrece tanto aspectos positivos como negativos.

Por eso, en el aspecto musical, siempre se cuenta con la opción de iniciar un proyecto alterno para explorar lo que no se puede en una agrupación. Fue precisamente lo que decidió Emilio Revólver, integrante de la banda nacional de post punk Fan Club.

En su aventura en solitario, el músico se arriesgó dentro de una amplia variedad de sonidos con la intensión de obtener resultados diferentes y no repetir lo que lleva haciendo desde hace más de una década con su banda.

El resultado se concretó en su primer EP que lleva por nombre Revlover. Las seis canciones incluidas en realidad podrían ser poemas musicalizados con cajas de ritmo, teclados y oscuras capas robóticas que recuerdan la atmósfera de la legendaria película Metrópolis del alemán Fritz Lang.

El material se ubica en un punto intermedio entre la humanidad que ofrecen las letras de las canciones y la parte musical, marcada por los sonidos gélidos del estilo de Gary Numan, Kraftwerk y unos reflexivos Devo.

A su vez, un aspecto llamativo del trabajo es que se trata de un álbum-objeto que se esfuerza por ofrecer algo mucho más que sólo canciones. Como acompañante se encuentra un cancionero/fanzine que incluye las letras de las piezas y una serie de ilustraciones realizadas por diversos artistas nacionales.

Sumado a lo anterior radica el hecho de que se incluye un falso CD. En realidad el material se editó de forma digital, pero para quienes gozan de los objetos tangibles, la obra consta de la réplica de un disco compacto con el que se busca estimular los sentidos de la vista y el tacto.

El resultado es bastante llamativo y deriva en un arriesgado experimento con el que se lleva a la música un paso más adelante. Por lo pronto, quienes deseen adquirir el álbum-objeto lo pueden hacer directamente en el sitio oficial del proyecto y a cambio obtendrán una verdadera pieza de colección.


lunes, 24 de junio de 2019

Reseña: Satan's Pilgrims - The Way In To Way Out? 7" (SP Records, 2019)




Tuvo que transcurrir una década para que los Satan's Pilgrims regresaran al camino de la psicodelia

Buscar innovar dentro de la música en la actualidad parece una misión compleja y difícil de alcanzar. Muchos lo saben y por eso se conforman con reciclar sonidos carentes de un sello propio. Por otra parte, aunque en menor medida, todavía existen quienes buscan salirse de su zona de confort y se arriesgan en búsqueda de nuevos límites.

Fue precisamente lo que ocurrió hace una década con el quinteto de música surf Satan's Pilgrims. Hasta ese entonces la agrupación contaba con cinco LP's en los que había confeccionado un sonido instrumental fresco pero a la vez potente. Se trataba de una banda que después de tener un acelerado estilo de vida se había alejado de los estudios de grabación a causa de que sus integrantes se habían mudado y ahora vivían en diferentes ciudades de Estados Unidos.

Mientras que algunos consideraban que los Satan's Pilgrims ya se habían separado, en el 2009 el combo sorprendió al presentar Psychsploitation, un álbum completamente distinto a lo que habían hecho en el pasado. Como lo han explicado los integrantes en varias ocasiones (recomendamos leer la entrevista que les realizamos), el material nació gracias a que se cumplieron factores como el tener un estudio de grabación lleno de instrumentos a su disposición.

El conjunto experimentó con teclados y guitarras psicodélicas como nunca lo había hecho y así obtuvo un delirante sonido. El resultado se tradujo en lo que algunos han considerado es uno de los mejores álbumes de música surf de la historia. 

A una década de distancia, el LP se encuentra descatalogado y ahora es una preciada pieza de colección. Como solución, el quinteto estadounidense, a través de su propia disquera, SP Records, prepara una reedición del disco.

Aunque lo normal sería simplemente poner a la venta la nueva versión y realizar un par de conciertos, el combo decidió ofrecer algo más. De esta manera, los cinco integrantes regresaron al estudio junto con Eric Hedford, productor de Psychsploitation, para grabar tres nuevas canciones que tienen el mismo espíritu que la obra de 2009 y reunirlas en un 7" que se puede comprar directamente con la banda.

La primera muestra es "The Way In To Way Out?", pieza hipnótica en la que suenan unos teclados que derriten los oídos y recuerdan a su ya clásico "Dilation", aunque a su vez también pareciera salida de la banda sonora de cualquiera de las sexploitations de Russ Meyer.

Inmediatamente después llega "Solar Flare" que arranca con unos riffs de guitarra que recuerdan a los Rolling Stones de Brian Jones para posteriormente adentrarse en los terrenos de la música surf que dominan bastante bien los Satan's Pilgrims.

Finalmente, el 7" presenta "Journey To Eden" que le hace honor a su título por ofrecer un viaje lisérgico que inicia con unos psicodélicos sonidos que asemejan a la atmósfera que se vivía a finales de los sesenta en San Francisco. 

Para dejar todavía más en claro que la idea era recrear la atmósfera psicodélica de hace una década, el quinteto contrató de nuevo a Aaron Mahony, quien estuvo detrás del arte de Psychsploitation, para que se encargara de la portada del sencillo.

Con más de 25 años de trayectoria, los Satan's Pilgrims continúan siendo una de las mejores agrupaciones de música surf de su generación. El pequeño gran secreto se encuentra en siempre buscar un sonido diferente a los demás.


jueves, 20 de junio de 2019

Reseña: Superser - Radiaciones En La Noche (Sweet Grooves Records / Pafff Bum! Discos / Ulomania Coop / Pelgar / Discos Positrónicos, 2019)




Rock & roll oscuro y pantanoso que puede llegar a provocar alucinaciones auditivas

En tiempos recientes la psicodelia ha ganado popularidad dentro de la música. Su apogeo es tan grande que inclusive existen festivales especializados en la cara más delirante del rock y eso ha derivado en la formación de diversos proyectos musicales que parten del mismo origen pero obtienen diferentes resultados.

En el caso de España, un trío con varios años de formación que se ha distinguido del resto es Superser. Detrás de su formación se encuentran ex integrantes de los Rock-A-Hulas y Black Jujus, aunque la realidad es que existe poca relación con respecto al sonido de sus proyectos previos.

En el caso de Superser se aprecian claras reminiscencias a lo practicado por agrupaciones ahora legendarias como Velvet Underground, My Bloody Valentine y Jesus & Mary Chain. Con esto, lo que se puede esperar son guitarras oscuras como la noche, baterías que se extienden durante lapsos infinitos de tiempo y un ambiente psicotrópico que inunda los oídos. 

La primera referencia del trío fue un sencillo lanzado el año pasado (recomendamos leer nuestra reseña) y ahora llega su primer LP. El resultado se traduce en ocho canciones de ritmo semi lento que tienen como objetivo el provocar alucinaciones y delirios en los escuchas.

Dentro del material aparece "Huele A Huesos", canción que no teme en extenderse durante más de seis minutos en los que se repite un sencillo riff de guitarra que se queda tatuado en el inconsciente. A su vez, "Serpiente" se acerca más al rock & roll en su formato tradicional gracias a su feroz batería que jamás pierde el ritmo y acompaña una corta frase que se repite de forma infinita. Por otra parte, "Mujer Mutante" es un blues de ultratumba que muestra una filosa guitarra que le canta al desamor. 

Con un estilo que varía de forma ligera con respecto a su 7" debut, ahora los integrantes del trío se encuentran en búsqueda de un sonido propio que no se confunda con cualquiera de las bandas que los influenciaron. Su primer LP es un homenaje a la psicodelia de principio a fin.


domingo, 16 de junio de 2019

Reseña: Black Overdrive - All Evil (Independiente, 2019)




Stoner metal de guitarras furiosas y gritos enérgicos de México para el mundo

Lo que empezó como una pequeña banda que sólo quería tocar en fiestas de amigos se ha transformado en uno de los conjuntos más estables y de mayor actividad dentro del rock nacional que no le teme al volumen. Se trata de Black Overdrive que después de una espera de cuatro años (recomendamos leer nuestra reseña de su disco debut) por fin tiene listo su segundo material.

Los predicadores del rock de altos decibeles ahora presentan All Evil, álbum que contiene una decena de temas propios que siguen al pie de la letra los mandamientos dictados por agrupaciones como Fu Manchu, Kyuss y Corrosion of Conformity.

Como lo han declarado los propios integrantes de Black Overdrive, se sienten cómodos en ambos lados de la frontera entre el stoner rock y el metal. Es por eso que toman elementos de cada parte para integrarla en su sonido. Eso incluye desde los riffs gruesos de las guitarras, los alaridos endemoniados y la acelerada batería hasta las letras de denuncia social.

En este caso, las diez canciones que fueron grabadas en los estudios Vesubio 34 por Miguel Fraino (guitarrista de Cardiel) no muestran grandes diferencias con respecto al primer LP del combo mexicano. Ellos dejan en claro que cuando realmente tienes claro a lo que quieres sonar y te sientes cómodo con el resultado, no es necesario experimentar ni cambiar.

La ceremonia pagana inicia con "No Salvation" que acompaña su discurso de desesperación y decepción con un par de guitarras que se convierten en los relámpagos que iluminan la noche. Más adelante suena "Reign Of Emptiness" con unos poderosos riffs que imitan las pisadas de un elefante para provocar el headbanging en sus escuchas.

La explosión de sonidos alcanza su punto medular en "Your Mistake", canción de muy corta duración y un estilo trepidante y agresivo que inclusive coquetea con los linderos del hardcore-punk. En cambio, en las antípodas se encuentra "Devoid Of Life", composición con la que concluye el material y que se extiende por más de seis minutos para ofrecer un rock duro pero con altos niveles lisérgicos.

Mención aparte merece la demoníaca ilustración de portada a cargo de Black Ram que logra plasmar en una imagen el sonido oscuro y siniestro que proyecta el combo, aunque también se siente un homenaje demasiado obvio al inconfundible Snaggletooth, la mascota oficial de Motörhead.

Mientras que infinidad de agrupaciones musicales presumen de "evolucionar" o "madurar" con cada uno de sus lanzamientos, con Black Overdrive eso no ocurre. Su nuevo trabajo suena bastante similar al anterior y muy probablemente también a lo que realicen a futuro. Es rock furioso y enérgico que retrata el ambiente decadente que se vive en gran parte del mundo en la actualidad.


miércoles, 12 de junio de 2019

Reseña: Mutagénicos - 3 (Sweet Grooves Records / Dirty Water Records / Hurrah! Música, 2019)




Rock & roll energético que llega desde España para hacer sacudir esqueletos

Renovarse o morir parece ser la mentalidad de los integrantes de Mutagénicos. Todo se puede apreciar al escuchar su nuevo material que además presenta una nueva formación de la agrupación. Ahora como trío, el conjunto expande el safari musical que emana de cada una de sus composiciones.

Fundado en el 2008, el trinomio español ahora está constituido por Afredo "Roto" (guitarra, voz y percusión), Santi "El Pequeño" (bajo, samplers y coros) y Pablo "Magariños" (batería y voz). Aunque todos ellos son adoradores del rock & roll, para su tercer LP se abrieron a otros estilos y eso se traduce en una mayor diversidad.

El primer sencillo que se lanzó fue "Actualice Su Fe", una corta pieza de poco más de un minuto de duración que coquetea con el punk, aunque su mayor acierto es el contenido de su lírica que cuestiona todas las religiones autoritarias del mundo.

A su vez, en "Idiota" existe una clara inclinación hacia el R&B con su batería rítmica y una armónica que embellece el panorama. Mientras que "Autocontrol" se adentra de lleno en el fratrock gracias a la colaboración de Dani Niño (The Limboos) en el saxofón.

Finalmente, en "Lo Que Digan De Mí" existen ciertos rezagos de su álbum anterior (recomendamos leer nuestra reseña) debido a que se escucha un theremin perdido que le ofrece una atmósfera espacial y futurística a la canción. Para reafirmar lo anterior, en "Muerte Marte" se realiza una reinterpretación del guion radiofónico de la famosa novela The War of the Worlds, con el que Orson Wells provocó miedo y temor en 1938 y se anticipó al poder de las fake news.

Con una llamativa ilustración de portada a cargo de Mikel Echandi y publicado por los sellos Sweet Grooves Records, Dirty Water Records y Hurrah! Música, el trabajo presenta a un conjunto en crecimiento constante que evita quedarse estancado en su zona de confort. El resultado es más que satisfactorio.


martes, 11 de junio de 2019

Reseña: The Let's Go's - Heibon Cherry (Soundflat Records / Label 222, 2019)




Versión nipona y con estrógenos de los Ramones que además lleva en su sangre el legado de los legendarios Guitar Wolf

A nivel popular Japón es considerada como una de las naciones más avanzadas del mundo. A pesar de las diversas dificultades y derrotas que ha sufrido, se ha logrado reponer hasta ser considerado en la actualidad como un país que vive en el futuro.

Si bien, en el aspecto musical existen múltiples ejemplos de novedosos proyectos japones que se apoyan en la tecnología para crear éxitos instantáneos, también existe un llamativo movimiento subterráneo que ha logrado llamar la atención del mundo.

El documental Garage Rockin' Craze (Dir. Mario Cuzic, 2017) muestra de forma general la existencia de una creciente escena de rock & roll a lo largo y ancho del pequeño territorio japonés. Dentro de la oferta actual, uno de los grupos más contantes y de mayor crecimiento es The Let's Go.

El trío surgió en el 2006 y de inmediato ha sido considerado como una versión con estrógenos de los Ramones. El motivo es debido a sus canciones cortas, creadas con el mínimo de elementos pero llenas de energía. A pesar de estar cantadas en japonés, todas hablan de temas cotidianos, aunque al final el idioma no es barrera para disfrutar su trabajo.

Después de más de una década de darse a conocer en su país natal con la publicación de tres álbumes, este 2019 el trinomio conformado por Coco (guitarra y voz), Sakura (bajo y voz) y Mariko (batería y voz) planea traspasar fronteras y llegar todavía más lejos. Prueba de ello es la realización de su primera gira por Estados Unidos para presentar su cuarto material de estudio que es editado en vinilo por el afamado sello alemán Soundflat Records.

Detrás de Heibon Cherry se encuentran 12 temas de puro rock & roll energético y gritón que suenan a la porra de cualquier equipo de fútbol. Aunque para el mundo occidental resulta imposible de entender lo que cantan, el sentimiento que le imprimen a su trabajo es lo que lo vuelve disfrutable.

El primer sencillo que se desprende del material es "Kaiju Let's Go's", una explosiva pieza de poco más de un minuto de duración que toma como influencia a los monstruos de grandes dimensiones que forman parte de la cultura popular japonesa e inclusive cuenta con un divertido video.

A su vez, "Highball" suena al rock & roll clásico que Chuck Berry y Bo Diddley masificaron hace más de 60 años. Por su parte, "Lovesong Nightmare" y "Teenage Monster" son furiosos ejemplos de punk & roll más cercano al trabajo de sus compatriotas The 5,6,7,8's.

Y como dato final es necesario agregar que la bajista Sakura es hija de Seiji, el guitarrista y fundador de los dioses del rock & roll japonés Guitar Wolf. Con esto se puede afirmar que, de forma literal, en The Let's Go's el rock se encuentra en sus venas y eso queda demostrado en cada canción.


domingo, 9 de junio de 2019

ENTREVISTA: The Jackets, garage-punk aguerrido de Suiza para el mundo



En Música Inclasificable presentamos la conversación a distancia que tuvimos con el trío suizo de garage-punk The Jackets

Con poco más de ocho millones de habitantes, Suiza es considerado uno de los países más prósperos y de mayor poder adquisitivo del mundo. A su vez, también se trata del punto de nacimiento de una de las bandas de garage-punk más importantes de la actualidad.

En este caso se trata de The Jackets, trío surgido hace poco más de una década en la ciudad de Berna, de la cual también es originario el estrafalario Reverend Beat-Man.

Detrás del trinomio suizo se encuentran Jack Torera (guitarra y voz) Chris Rosales (batería) y Samuel Schmidiger (bajo). A la fecha el conjunto cuenta con tres LP's y está a punto de ser lanzada a la venta su nueva producción titulada Queen Of The Pill (recomendamos leer nuestra reseña) a través del sello Voodoo Rhythm Records.

Con diversas giras a lo largo de Europa y una por Estados Unidos, lo que es claro es que The Jackets es una de las bandas más constantes de la actualidad. Para conocer más acerca de su historia, su nuevo video, cómo es trabajar con King Khan y el movimiento actual de rock & roll en Suiza en Música Inclasificable tuvimos la oportunidad de entrevistar a su baterista, Chris Rosales.

Desde Suiza llega The Jackets. Fotografía tomada de Facebook

¿Recuerdas cómo fue que Jack Torera y tú se conocieron y decidieron crear una banda de rock & roll?

Conocí a Jack a finales de los noventa en Zúrich cuando yo formaba parte de la banda del Reverend Beat-Man en su proyecto de rock & roll y lucha libre Lightning Beat-Man. La amistad se dio de forma natural por los gustos musicales de ambos y posteriormente nos hicimos novios. Después de pensarlo mucho, en el 2005 decidimos crear formalmente una nueva banda y el resultado fue The Jackets. Aunque en la actualidad Jack y yo ya no somos pareja, seguimos siendo buenos amigos y por eso el grupo se ha mantenido. 

Cuando la banda empezó, ¿realmente ustedes se imaginaron que más de una década después seguirían haciendo música y realizarían giras por todo el mundo?

Lo más curioso es que sí, cuando empezó la banda fue algo que pensamos que nos gustaría que sucediera. Desde un inicio nos hemos enfocado en trabajar y dedicarle tiempo y esfuerzo al proyecto para alcanzar nuestros objetivos. Tal vez la diferencia es que nos proponemos metas cortas cada año. Gracias a eso es que el tiempo ha transcurrido demasiado rápido. Hasta la fecha ha sido un viaje salvaje que cada uno de nosotros hemos disfrutado demasiado y espero que así siga durante mucho tiempo.


¿Cuáles son las dificultades a las que se enfrenta una banda de rock & roll en Suiza?

Probablemente la mayor sea salir de Suiza. Vivimos en un país demasiado pequeño que tiene una fuerte cultura en otros rubros pero no precisamente en el rock & roll. Creo que el secreto es enfocarnos en ser más una banda europea que suiza. Gracias a eso es que hemos podido hacer giras constantes por todo el continente. La realidad es que somos más “conocidos” en países como España, Francia y hasta Estados Unidos que en Suiza.

Su nuevo material está a punto de salir a la venta, ¿creen que existen diferencias con respecto a sus álbumes previos?

Yo considero que nuestras composiciones han mejorado con el tiempo. Nuestro objetivo siempre ha sido el lograr trasladar nuestro sonido en vivo a nuestros álbumes de estudio y creo que cada vez estamos más cerca, especialmente con nuestro trabajo más reciente.


¿Ustedes tienen un proceso definido al momento de crear una canción? ¿Acostumbran componer primero la letra o la parte musical de sus canciones?

En realidad no tenemos un estricto proceso como tal y nos gusta intentarlo de distintas maneras. La mayoría de las ocasiones la música llega primero y a partir de ahí componemos las letras aunque en nuestro nuevo material trabajamos de distintas formas. En esta ocasión pasamos mucho tiempo en proponer palabras, historias e ideas para componer las nuevas canciones, pero en realidad no tenemos una forma definida de trabajo.

El productor de su nuevo álbum es King Khan con quien ya habían trabajado en un 7” (recomendamos leer nuestra reseña del sencillo), ¿por qué decidieron escogerlo de nuevo?

Yo conozco a King Khan desde hace más de 20 años y en todo este tiempo hemos formado una amistad. En el 2017 él nos preguntó si nos interesaba ir a Berlín, donde él vive, para grabar un par de canciones y nosotros aceptamos. A nosotros nos gustó la experiencia y el resultado final, por lo que decidimos repetir pero ahora se encargó de la producción de todo un álbum. Trabajar con él es algo muy divertido, además de que siempre tiene ideas y está pensando en la manera de aprovechar una canción o el solo de una guitarra en formas únicas.


Su nuevo álbum es editado por Voodoo Rhythm Records, ¿cómo es trabajar con una persona como el Reverend Beat-Man?

En lo personal, lo conozco desde hace muchos años y he tocado con él en varios de los proyectos que ha tenido como Lightning Beat-Man, Reverend Beat-Man, The Get Lost y The Super Supers así que lo considero uno de mis amigos más cercanos. Además, otro punto en el que coincidimos es que ambos vivimos en la misma ciudad [Berna] así que es muy sencillo poder platicar cara a cara en cualquier momento. Beat-Man nos ha dado mucha libertad en cuanto a las cosas que queremos plasmar en el álbum así que nos sentimos complacidos de que lo haya publicado con Voodoo Rhythm Records.

¿Qué proyectos alternos tienen los integrantes de The Jackets?

Jackie toca en The Sex Organs con su novio Bone de The Anomalys. Sam tiene una banda llamada The Budget Boozers pero tocan de forma esporádica. Por mi parte, en la música yo sólo me dedico a tocar la batería con The Jackets.

Algo que caracteriza a The Jackets es que la banda se ha esforzado por realizar varios videos musicales, ¿consideras que se trata de una buena opción en la actualidad?

Sí claro. Yo pienso que a través de los videos puedes contar historias que ayuden a generar un “misticismo” alrededor de la banda. La escena del rock & roll es muy pequeña y los videos son una forma de comunicarte con las personas que tal vez no tienen la oportunidad de ir a verte a los conciertos. Además considero que somos una banda bastante visual y por eso nos gusta utilizar esta herramienta que tenemos a nuestra disposición.


Para dar a conocer el nuevo álbum estrenaron el video de la canción “Losers Lullaby”, ¿puedes explicar cuál es el concepto del trabajo?

La idea es la de jugar alrededor de los roles de género y el cliché acerca de las mujeres que forman parte de bandas de rock & roll. Además la canción trata sobre una persona perdedora que está en una relación, pero nunca se especifica si es un hombre o una mujer.


A lo largo de su discografía se han enfocado en componer temas propios y sólo han grabado un par de covers, ¿a qué se debe esto? 

Nos encantan las canciones antiguas porque de alguna forma nos inspiraron para crear la banda pero también nos interesa tener una voz propia y transmitir nuestros propios mensajes. En nuestro primer LP grabamos los covers de “I Cannot Stop You” de The Cherry Slush y “Demolition Girl” de The Saints y en el segundo viene nuestra versión de “Hang Up” de The Wailers y son todos los que hemos grabado. En algunos de nuestros conciertos también tocamos un cover de “How To Do Now” de The Monks pero en realidad nos interesa más componer nuestro propio material.

El año pasado su canción "Queen Of The Pill" fue catalogada como "Coolest Song in the World" por el programa de radio de Estados Unidos Little Steven's Underground Garage, ¿ustedes qué opinan de esta distinción?

Yo soy originario de Los Angeles y antes de nuestra gira por Estados Unidos en el 2017 le mandé las dos canciones del 7” que nos produjo King Khan a varios amigos y periodistas estadounidenses. Lo curioso es que llegaron hasta Steven Van Zandt y a él realmente le gustó la banda y en particular la canción de “Queen Of The Pill”. Lo que nos comentó es que primero escuchó el lado A del sencillo que contiene “By Myself” y dijo algo como: ‘está bien pero no tiene nada sorprendente’. Pero gracias a que uno de sus asistentes le dijo que también escuchara el lado B que realmente se sorprendió y la comenzó a programar con regularidad. Otra anécdota es que en una de las ocasiones que puso nuestra canción en su programa fue cuando tuvo de invitado a Alice Cooper y él también dijo al aire que le gustó mucho. Yo considero que todo tipo de promoción es benéfica pero recibir este tipo de distinciones realmente nos ayudó para que más personas nos conocieran en Estados Unidos.


¿Cómo consideras que se encuentra el rock & roll en la actualidad en Suiza? ¿Existen algunas bandas que puedas recomendar?

Como lo comenté antes, Suiza es un país muy pequeño y la escena de rock & roll es todavía más chica. Lo cierto es que en la mayoría de las ciudades importantes puedes encontrar al menos un bar o foro enfocado en el rock. Tampoco se puede negar que actualmente el trabajo del Reverend Beat-Man al frente de Voodoo Rhythm Records ha ayudado mucho y es una gran influencia dentro del movimiento subterráneo en el país. Dentro de las bandas locales actuales que más me gustan y recomiendo son The Monsters, Roy & The Devils Motorcycle, The Dead Brothers, The Revox, Shady & The Vamp, Nasty Rumours, Bad Mojos y Brain Tilt.


Finalmente, ustedes tienen una creciente base de fanáticos en México, ¿piensas que es probable que en un futuro The Jackets se presente en nuestro país?

¡A nosotros nos encantaría! Estamos planeando hacer una nueva gira por Estados Unidos el próximo año para presentar nuestro álbum y estamos buscando la forma de aprovechar el viaje para también tocar en México. Yo espero que podamos hacerlo.


Recomendamos visitar la página oficial de The Jackets y recordamos que su nuevo álbum se titula Queen of the Pill y se puede comprar a través del sello Voodoo Rhythm Records.


miércoles, 5 de junio de 2019

“El rock & roll es tan simple que por eso lo puede disfrutar cualquiera”: Doctor Explosión



Con motivo de la primera visita a México de Doctor Explosión, en Música Inclasificable tuvimos la oportunidad de platicar con el trío 

El rock & roll surgió hace más de medio siglo como un estilo musical de rebeldía en el que la juventud de la época mostraba su inconformidad ante las personas mayores. También sirvió como una manera de unión entre distintas culturas y demostrar que el color de la piel es algo completamente irrelevante.

Mientras que para algunos el rock & roll sigue siendo tan sólo un sonido más, para otros se ha convertido en un estilo de vida. Entre ellos se encuentra Jorge Muñoz, líder y fundador de Doctor Explosión. El trío nació en 1989 en su natal Gijón, España, siendo una de las bandas responsables del resurgimiento del garage en su país.

Desde entonces han transcurrido tres décadas de trabajo sin interrupción. A pesar de los cambios de integrantes, Jorge se ha mantenido como el pilar de la agrupación. Además también fundó su propio estudio de grabación, Circo Perrotti, conocido a nivel mundial por tener sólo equipo analógico para buscar replicar el sonido de los álbumes de antaño. 

La lista de bandas que han grabado en el estudio de Jorge es inmensa, dentro de las cuales se encuentran Wau Y Los Arrrghs!!!, The Masonics, Nu Niles, Hollywood Sinners, The Moonstones, Los Altragos, Come Animal! y Los Cretinos, entre muchas más.

Después de años de espera, Doctor Explosión aterrizó por primera vez en México para presentarse en el festival Wild O Fest 2019. Con motivo de su visita a nuestro país, en Música Inclasificable tuvimos la oportunidad de platicar con Jorge, quien vino acompañado de Facundo (batería) y Juan (bajo), también integrantes del combo argentino de horror punk The Abstinence, quienes durante esta gira se convirtieron en integrantes de la banda.

Juan, Facundo y Jorge en los Estudios Primitiv. Fotografía por Música Inclasificable 

Jorge, ¿por qué te tardaste tantos años en venir con Doctor Explosión a México? ¿De verdad ningún promotor te había invitado antes?

Jorge: Nadie me había invitado antes. Yo percibía que aquí había algo porque en Facebook me escribían muchas personas de México. Yo sabía que tenía que venir, tarde o temprano, pero de haber sabido la reacción hubiera hecho más por venir antes.


En tu caso, llevas más de 30 años dentro del rock & roll, ¿qué es lo que te sigue atrayendo de este género musical que ahora ya has convertido en tu estilo de vida?

Jorge: Lo mismo que me atrajo la primera vez. La energía que transmite la música y la sencillez que tiene porque en realidad es una música bastante simple y por eso cualquiera la puede disfrutar.

En el caso de Juan y Facundo, ambos tocan en The Abstinence, ¿cómo surgió la invitación de Jorge para que formaran parte de Doctor Explosión durante esta gira por Latinoamérica?

Facundo: Todo empezó con Mariano, nuestro guitarrista, quien fue al estudio de Jorge [Circo Perrotti] para mezclar unas canciones que teníamos con The Abstinence. A Jorge le gustó la banda y así surgió una amistad. Al poco tiempo lo invitamos a Argentina y él aceptó ir. Fue así que en el 2018 organizamos una pequeña gira de Doctor Explosión en donde también tocó en Uruguay y Brasil. Como no tenía bajista ni baterista disponibles nosotros nos unimos con Jorge y un año después repetimos la gira pero ahora logramos llegar por primera vez a México.


Lo que me sorprendió de su presentación en el Wild O Fest es que sonaron como si fueran una banda con integrantes fijos que llevaran años tocando juntos, cuando realmente no es así.

Jorge: Aunque nuestra música parezca sencilla también es necesario ensayar. A nosotros nos ayudó mucho la gira que hicimos el año pasado por Sudamérica. En esta ocasión yo me fui unos días antes a Argentina para poder ensayar y preparar las canciones. Al final esto es un trabajo... pero es un trabajo placentero.

Otra cosa que me llamó la atención de su presentación en el Wild O Fest es que inmediatamente después de tocar, ustedes se bajaron y estuvieron conviviendo con el público.

Juan: Es que es más lindo ver los conciertos desde abajo que quedarte atrás del escenario. Además está bueno apoyar a todas las bandas que tocan después que tú.

Jorge: Al final nosotros también somos público y a mí me emociona mucho poder ver otras bandas y estar en contacto directo con las personas. Creo nunca en mi vida me había pasado que me pidieran tantas fotografías y eso estuvo increíble.



Algo que percibieron muchas personas es que al final del concierto Facundo tuvo un problema, ¿qué fue lo que realmente pasó?

Facundo: Lo que sucedió es que yo tengo un problema de reflujo porque yo no tengo desarrollada una parte de la válvula que conecta el estómago con el esófago. Lo que me pasa es que cuando me agito demasiado tiendo a vomitar, pero se trata de un problema de salud que tengo de nacimiento. No fue nada grave ni mucho menos.

¿Cómo es percibido el rock & roll mexicano en España y Argentina? ¿Se conoce algo de lo que se hace aquí?

Juan: Sí claro, dentro de la música surf en Argentina se habla mucho de Lost Acapulco. También se conoce mucho de otros estilos, como la música ranchera y sonidos antiguos.

Facundo: En Argentina también se conoce mucho del rock & roll mexicano de los sesenta como Los Teen Tops.

Jorge: También Los Yaki y Los Johnny Jets. Como anécdota, recuerdo que hace varios años produje un álbum de The Fleshtones [Quatro x Quatro, 2012] y la idea era que todas las canciones estuvieran cantadas en castellano. De un lado aparecen dos covers de Los Johnny Jets que ellos eligieron. En la otra cara vienen dos canciones para las que yo escribí la letra en español y de hecho en una canto yo porque Peter Zaremba se quedó afónico y tuvimos que llamar a un médico para que lo inyectara porque realmente no podría hablar.


Después de su primera presentación en México y ver la reacción del público, ¿realmente es cierto que las personas aquí son distintas a las de Europa o Sudamérica?

Facundo: Sí, aquí el público es muy expresivo.

Jorge: Sí, a mí me sorprendió mucho el público mexicano pero ahora yo tengo ganas de ver la reacción en un foro pequeño. Los festivales son buenos pero se tiende a sobredimensionar todo y suele existir una barrera entre el público y los músicos. Ahora quiero ver cómo será el recibimiento en las demás fechas que tenemos en México y donde no existirá esa clase de barrera.

Para ustedes, Facundo y Juan, ¿qué lecciones le ha dejado el tocar con Jorge dentro de Doctor Explosión ya en dos giras internacionales?

Facundo: Aprendimos mucho de Jorge porque es una persona con mucha experiencia.

Juan: Además es un gran guitarrista y compositor. Desde el primer momento en que estuvimos frente a él fue como estar frente a una persona que tuvieras años de conocer.

Doctor Explosión en su primera gira por México. Fotografía por Música Inclasificable

En el caso de Doctor Explosión, ya han pasado nueve años desde el último álbum de la banda, ¿a qué se ha debido esta tardanza?

Jorge: Han sido muchos motivos. Alrededor de 2012/2013 intentamos grabar algo. Yo compuse una canción que se llama "Mi Lista de Cosas Que Hacer" y grabamos varias tomas pero ninguna me terminó de convencer y por eso nos rendimos. Después, en el 2015, me hice amigo de Sean Lennon gracias a que él es muy fanático de los equipos de sonido. Él fue a Gijón a conocer mi estudio y quedó encantado con todo lo que tengo. A su vez, también invité a Jake Garcia de The Black Angels con quien tengo otra banda llamada The Ripe. Entre los tres nos pusimos a experimentar y componer. A ellos les enseñé la canción de "Mi Lista de Cosas Que Hacer" y ellos me guiaron por un nuevo camino. Entonces le cambiamos la letra al inglés y la grabamos, aunque nunca se ha editado esa versión.

Y en el 2016 hubo otro intento por grabar un nuevo álbum de Doctor Explosión. Nos reunimos y grabamos alrededor de ocho canciones, entre ellas una titulada "Vestirme de Mujer" y "El Día que David Bowie Murió" que precisamente la escribí el mismo día en que el cantante falleció y me enteré de la noticia.

Y otro factor que ha influido es que durante los últimos años me he enfocado en construir un nuevo estudio de grabación en Estados Unidos. Se trata de un proceso bastante complicado porque he requerido de mucha inversión y solicitar préstamos a los bancos, lo que al final me ha dejado agotado. Así que en realidad el problema es que no tengo tiempo o simplemente no le he dado prioridad al nuevo álbum de Doctor Explosión.


¿Me puedes platicar más acerca del nuevo estudio que estás planeando? ¿Será similar a Circo Perrotti?

Jorge: Sí, estará en Austin, Texas, y de hecho la obra ya casi está terminada. En realidad sólo es cuestión de equiparlo así que espero que antes de que termine el 2019 lo pueda inaugurar. Mi idea es que sea exactamente igual que Circo Perrotti en cuanto a sólo equipo análogo, pero ahora en otro país.

Respecto al nuevo álbum de Doctor Explosión, ¿existen algunos detalles que puedas adelantar?

Jorge: El álbum prácticamente ya está terminado y antes de que concluya este año ya estará listo. Todas las canciones están cantadas en español y el título del material será Canciones Como Churros porque todas se hicieron muy rápido, una tras otra. En esta ocasión escribí primero las letras antes que la parte musical y eso me ayudó para hacer todo más rápido. Por lo pronto ya tengo cinco canciones mezcladas que son "El Día Que David Bowie Murió", "Acidez", "El Paleto", "La Gente No Sabe Gastar" y "Grises". Así que el nuevo álbum de Doctor Explosión realmente está cerca.
Doctor Explosión en México. Fotografía por Música Inclasificable

Tu estudio Circo Perrotti es uno de los más famosos en todo el mundo por todo el equipo que tienes e inclinarte por equipos analógicos, ¿por qué reniegas de la tecnología?

Jorge: Yo no reniego de la tecnología actual pero lo que me atraía de las bandas de rock & roll de los cincuenta y sesenta era su sonido. Imagina que un álbum de The Kinks se grabara ahora con Pro Tools; simplemente no sonaría igual. ¿Por qué hace medio siglo, con equipos supuestamente más precarios, sonaban mejor las cosas que ahora cuando se cuenta con equipo moderno? Por ese tipo de preguntas que siempre me hago es que opté por construir mi propio estudio e intentar sonar como los discos viejos que me gustan.

Además de los proyectos que has mencionado, hace poco también te reuniste con  los integrantes originales de Doctor Explosión (Sr. Varo y Félix) para formar a Las Munjitas del Fuzz, ¿como surgió esa idea y por qué decidiste crear una nueva banda?

Jorge: Es gracioso y se trata de esas cosas absurdas que al final funcionan por lo absurdas que son. Lo normal es que las bandas se reúnan con el mismo nombre y toquen las mismas canciones igual que en el pasado, pero en nuestro caso optamos por usar otro nombre y a nuestras canciones les cambiamos las letras. El nombre original era Las Monjitas del Fuzz y el proyecto nació en 1993 con Álvaro Coalla y Félix Domínguez pero sólo hicimos un par de conciertos. La idea la retomamos en 1996 cuando hicimos una gira junto al Reverend Beat-Man que en esa época se llamaba Lightning Beat-Man. Y en el 2001 nos invitaron a tocar en el Wild Weekend pero por error del organizador le cambió el nombre a la banda y escribió Munjitas. A mí me pareció gracioso y desde entonces así se llama el proyecto.

Varios años después nos invitaron a tocar en el Funtastic que organiza Álvaro y coincidió con el hecho de que yo me puse a componer canciones divertidas de temática religiosa y le cambié la letra a algunas canciones de Doctor Explosión para que coincidieran con este proyecto.



Hasta el momento Las Munjitas del Fuzz sólo han publicado sencillos en 7", ¿existen planes de lanzar un álbum completo?

Jorge: Sí claro. En realidad hemos grabado muchas canciones pero la mayoría nunca se han publicado, precisamente por lo que ya comenté de mi falta de tiempo o enfocarme a otras cosas. En este caso, Pete de Slovenly Recordings me comentó que está interesado en editar el primer LP de Las Munjitas del Fuzz y también le interesa publicar el nuevo álbum de Doctor Explosión así que si todo sale bien, ambos materiales estarán listos muy pronto.

Después de que concluya esta gira por Latinoamérica, ¿qué viene para ustedes?

Juan: Nosotros tenemos planeada una gira con The Abstinence por Argentina. Por desgracia no podemos hacer muchos conciertos porque nuestro guitarrista ahora vive en España así que cuando viaja con nosotros tratamos de aprovechar el tiempo. Además también tenemos otras dos bandas llamadas 4 CometasGuido Manchini & Los Pelagatos.

Jorge: Después de esta gira me regreso a mi estudio y mi prioridad es terminar el álbum de Doctor Explosión. También voy a seguir grabando bandas y entre las que ya tengo agendadas está un cuarteto español de garage-punk llamado Thee Braindrops que tiene un cantante japonés. También tengo que masterizar un álbum de un guitarrista de blues que se llama César Crespo.


Siendo Circo Perrotti un estudio de fama mundial debes de recibir muchas propuestas de bandas, ¿tienes algún filtro o requisitos que deben de cumplir los grupos para que los aceptes?

Jorge: La realidad es que no. Yo creo que las personas que me contactan es porque ya saben el sonido que suelo manejar en el estudio y eso les atrae. Hasta el momento nunca me ha pasado que me busque una banda y yo no vea similitudes o intereses musicales en común y los tenga que rechazar. Dentro de la amplitud de gustos que tengo, siempre me han buscado bandas que me gusta lo que hacen.


Recordamos que la gira de Doctor Explosión por México incluye tres fechas más en el Estado de México, Puebla y la Ciudad de México, respectivamente.

Para mayor información se puede consultar la página oficial de la banda: