jueves, 20 de febrero de 2020

Reseña: Destination Lonely - Nervous Breakdown (Voodoo Rhythm Records, 2020)




A lo largo de los últimos años Lo'Spider se ha convertido en el máximo referente del rock & roll sucio y de alcantarilla en Francia. En parte es debido a su trabajo como productor en su propio estudio, Swampland, pero además también por su trabajo como músico al frente de Destination Lonely.

A pesar de la intensa actividad de los integrantes del trío, su ritmo de trabajo y creatividad se encuentran en uno de los momentos de mayor esplendor. Gracias a eso grabaron 17 canciones en apenas un par de semanas para incluir en la continuación de Death Of An Angel (del cual ya escribimos una reseña).

Si bien, lo natural hubiera sido hacer una selección de los temas para escoger los que aparecerán en el disco, el trío ha dicho que ninguna de sus canciones se escucha floja o de relleno, por lo que simplemente eligieron todas y las encapsularon en un álbum doble.

Ahora bien, con respecto al sonido no existen muchos cambios con respecto al pasado. El tridente continúa con su combinación de garage-punk carroñero con trash rock & roll lleno de fuzz.

En este caso, dentro del material editado por el sello suizo Voodoo Rhythm Records llaman la atención los dos covers que aparecen. El primero es "I Want You" de The Troggs pero ahora con un sonido oscuro y decadente al estilo del viejo Velvet Underground. La segunda versión es "Ann" de The Stogges, que inicia con un ritmo lento e hipnótico para después transformarse en una cascada sónica de alto impacto.

Por la parte de las composiciones propias, en "Out of Your Head" y "Lovin'" se muestra la cara más tradicional del rock & roll pero ejecutado de forma cruda, con guitarras rasposas y a baja fidelidad pero bien ecualizado.

A su vez, al contener tantas canciones también existe un amplio rango de estilos. En "Nervous Breakdown" destacan las afiladas guitarras y un ambiente lleno de enojo, mientras que en "Day by Day" se aprecia un rock & roll desenfadado y cantado a coro como los Black Lips.

El trío galo ofrece con un par de guitarras y una batería una dosis musical que reniega de los sonidos elaborados y la experimentación innecesaria. Lo de ellos es puro rock & roll y mientras más simple y ruidoso, mejor.


martes, 18 de febrero de 2020

Reseña: WolfWolf - Metamorphosis (Lux Noise Records, 2020)




Durante una noche de Luna llena y en medio de un ambiente oscuro y tenebroso, un par de músicos originarios de Suiza se propusieron crear una nueva banda de rock & roll. El objetivo siempre fue incorporar referencias y elementos de la cultura del horror a su sonido.

Detrás de WolfWolf se encuentra la pareja de nombre idéntico Mr. Wolf (guitarra y voz) y Mr. Wolf (batería de pie). Después de un par de álbumes en los que se dieron por su estilo definido por ellos mismos como garage-punk freak show trash'n'roll from the woods, ahora están de regreso.

El tercer LP del combo, editado por Lux Noise, mantiene el mismo estilo que los anteriores, aunque ahora se escucha una incorporación de más sonidos. La encargada de abrir el material es "Lucifer", la cual se caracteriza por su podredumbre y desesperanza junto a una deprimente voz que recuerda a Nick Cave.

A su vez, en "I Was Wrong" se aprecian los primeros destellos de rock & roll rabioso gracias a una sencilla y taladrante batería. No hay virtuosismo pero sí la intensión de provocar movimientos incesantes en los escuchas. De forma inmediata inicia "Klaus" que combina un energético punk rock junto con un teclado con reminiscencias a la música techno de los ochenta. 

Por otra parte, un cambio radical se puede escuchar en "She's A Threat", una pieza que combina el spoken word con una trompeta invitada que le imprime un ambiente circense. De igual forma, tampoco se puede ignorar "Fat Fly", una composición protagonizada por la fantasmal voz de Dieter Meier, quien en 1979 fundó el dueto suizo de new wave Yello. El resultado funciona para visitar de noche cualquier panteón o simplemente dejarse hipnotizar por el sonido de WolfWolf.

Como se puede intuir al leer los títulos de las canciones, las referencias al cine de horror o personajes de la cultura popular se mantienen a lo largo de las 12 canciones que contiene la placa.

A pesar de tener una formación con el mínimo de elementos, la experiencia ha permitido que el dueto suizo obtenga un sonido mejor cohesionado y en el que hay lugar para experimentar y así incorporar más instrumentos, aunque al final todo se trata de simplemente rock & roll peludo.


jueves, 30 de enero de 2020

Reseña: The Monsters - I'm A Stranger To Me / Carpool Lane 7" (Slovenly Recordings, 2020)




Se suele decir que dentro de géneros como el garage-punk lo que más importa es la actitud. Aunque es cierto, tampoco se puede pasar por alto que un error que cometen muchos es la falta de identidad. A la fecha son pocas las bandas del estilo que tienen un sonido que los distingue del resto.

Al respecto, una agrupación que cuenta con una larga trayectoria y ha conseguido obtener un sello propio es el quinteto suizo The Monsters. Lo cierto es que buena parte ha sido gracias a su líder y fundador, el Reverend Beat-Man, quien cuenta con un carisma único y una rasposa voz imposible de imitar.

La agrupación también se destaca por su frenético estilo de trabajo. Sus constantes giras han servido para llevar la música del combo a los rincones más lejanos del mundo. Pero ahora ha logrado un nuevo logro porque por primera ocasión uno de sus lanzamientos es editado por el afamado sello Slovenly Recordings, especializado en el rock ruidoso que genera dolores de cabeza.

El nuevo 7" contiene dos temas inéditos, pero si algo se debe dejar en claro es que ambos contienen el mismo sonido de lija que ha distinguido al conjunto europeo. No hay experimentaciones ni evoluciones porque cuando algo está bien hecho no hay necesidad de modificarlo.

En la cara A se escucha "I'm A Stranger To Me", un tema feroz y agresivo de apenas un par de minutos pero que explota desde el primer segundo. No existe una tediosa introducción ni una elaborada letra porque todo es directo. Es un derechazo directo a la quijada con una batería roñosa difícil de sacar de los oídos.

Pero una vez que se supera el primer golpe llega "Carpool Lane", una pieza con un sonido oscuro que podría confundirse con cualquier trabajo de Black Sabbath, aunque sólo se trata de un disfraz. A lo largo de más de cuatro minutos se escuchan los berridos del estrafalario cantante quien repite una y otra vez el título de la canción.

Aunque la edición convencional es editada en un 7" de pequeño tiraje, también existe otra versión de colección. Se trata de un cassette que incluye las dos composiciones mencionadas junto a una selección de temas de los álbumes Pop Up Yours (2011), M (2016) y Birds Eat Martians (1998).

Guitarras tan rabiosas que escupen espuma y gritos ensordecedores que provocan zumbidos en los oídos. Así es la forma más sencilla en que se puede describir el sonido de una de las agrupaciones más importantes del garage-punk contemporáneo.


miércoles, 29 de enero de 2020

Reseña: Perro Mojado - Prohibida La Blasfemia (Sweet Grooves Records / La Sociedad Fonográfica Subterránea / H-Records, 2020)




Hacer las cosas de la manera más simple pero con el máximo de energía es la premisa del sonido del trío español Perro Mojado. Además también destaca la furia que emana en cada una de sus composiciones.

A su vez, el conjunto destaca por su formación de dos guitarras y una batería. Con esto, se obtiene como resultado un estilo todavía más primitivo que toma los mejores elementos del garage-punk, el rock & roll y el punk rock.

Con algunos años de experiencia, el tridente formado en Granada ahora presenta su nuevo trabajo conformado por seis rabiosas canciones. La primera en sonar en "Caprichos del Director" que de inmediato capta la atención por sus rápidos rasgueos de guitarra que se combinan con una hiperactiva percusión. El resultado reafirma el por qué algunos llaman a los integrantes de Perro Mojado como "los Oblivians de Andalucía”.

Por su parte, "Los Gritos del Jueves Santo" es otro demoledor tema en el que nunca hay descanso y desde el primer segundo inicia la descarga de furia directa a los oídos. Y de manera inmediata llega "Fantomas", tal vez la pieza más acelerada gracias a su feroz batería que recuerda al estilo destripado de The Cramps y The Stooges.

Aunque no se trata de una reinvención de la música, el trío granadino se embarca en una aventura por el lado salvaje y peligroso del rock & roll. No hay más pero tampoco hay menos que eso.


martes, 28 de enero de 2020

Reseña: Le Chiffre Organ-ization - The Harlem Incident 7" & Ritual In Soho 7" (Soundflat Records, 2019)





Existen interesantes sorpresas musicales que aparecen de manera imprevista y una de las más recientes responde al nombre de Le Chiffre Organ-ization. Aunque a primera instancia se trata de una nueva banda, en realidad es el proyecto alterno de los integrantes de The Gentlemen's Agreements (de quienes ya hemos escrito con anterioridad).

En esta nueva etapa la mayor diferencia es que sólo se presenta música instrumental, aunque la fuente de la que emanan los sonidos es la misma. Con esto, lo que se puede esperar es puro y absoluto freakbeat con altas dosis de psicodelia y siempre encabezado por un delirante órgano hammond.

Para hacer su debut ante la sociedad, el combo francés compuso cuatro canciones que están divididas en dos 7" que han sido publicados de forma simultánea por el sello alemán Soundflat Records.

El primero de ellos es The Harlem Incident que en su cara A contiene una canción homónima que es una garantía de delirio sonoro y embrujo de oídos. Una guitarra a ritmo funky se fusiona con los demás instrumentos hasta generar un feroz licuado lisérgico. A su vez, la cara B presenta "Pork Belly Burnt Ends", una pieza más relajada aunque con fuertes reminiscencias al trabajo de The JB's cuando funcionaban como la banda de acompañamiento de James Brown.

Por otra parte, el segundo 7" es Ritual In Soho que abre con una composición del mismo nombre. Su inicio lento y misterioso asemeja a la banda sonora de un filme de James Bond, aunque de forma paulatina se integran los demás elementos hasta alcanzar una erupción musical. Mientras que del otro lado del sencillo se encuentra "Funky Miracle", con un estilo elegante y sensual que hace recordar el trabajo de Henry Mancini.

Con claras referencias al trabajo de conjuntos actuales como The Link Quartet, Stereoscope Jerk Explosion, Men From S.P.E.C.T.R.E. y Stereophonic Space Sound Unlimited, además de alimentarse de compositores ahora legendarios como Les Baxter, Martin Denny y el mexicano Juan García Esquivel, los primeros lanzamientos de esta faceta alterna del grupo galo son alimento puro para los oídos.




miércoles, 22 de enero de 2020

Reseña: The Ghost Wolves - Let's Go To Mars / Last Man 7" (Dirty Water Records, 2020)




En muchas ocasiones el pertenecer a una agrupación musical es similar a formar parte de un matrimonio porque se debe estar e inclusive vivir junto al resto de los integrantes. Pero también existen los compañeros de banda que deciden firmar un contrato para enlazar sus vidas.

Como el caso anterior se encuentra el dueto texano The Ghost Wolves en el que Jonathan Konya (batería y guitarra) y Carley Wolf (guitarra y voz) son marido y mujer pero además ambos forman parte de un feroz grupo de rock & roll.

A propósito del décimo aniversario de la banda, el sello inglés Dirty Water Records publica un 7" con dos temas inéditos en los que continúa la mezcla del sonido divertido de los Ramones y The Cramps junto a la oscuridad de Joy Division y la demencia de Hasil Adkins.

En la cara A se encuentra "Let's Go To Mars", un blues-punk con tintes espaciales gracias a su divertida letra que parece salida de las viejas películas de Mystery Science Theater 3000. Prevalece un sonido cuadrado y rocoso que invita a practicar el pogo mientras se escucha la canción.

Por otra parte, del otro lado del vinilo está "Last Man", una pieza mucho más relajada que muestra la faceta psicodélica del dúo. El ritmo robótico que se repite a lo largo de los dos minutos de duración es ideal para la introspección.

Con un acelerado ritmo de trabajo que incluye giras por todo el mundo y el lanzamiento constante de música, el nuevo sencillo de The Ghost Wolves reafirma la pasión de una pareja adicta al rock & roll en su vertiente más cruda y directa.


martes, 14 de enero de 2020

Reseña: Biznaga - Gran Pantalla (Slovenly Recordings, 2020)




Con una trayectoria que ha mostrado un crecimiento constante gracias a la perseverancia, el cuarteto español Biznaga (al cual ya entrevistamos) tiene listo su tercer LP. El trabajo repite el energético sonido acompañado de elaboradas letras que combinan la crítica social con metáforas filosóficas.

A pesar de que han transcurrido tres largos años desde su álbum anterior, en realidad el conjunto siempre se ha mantenido en activo. Sus presentaciones a lo largo de Europa y un par de giras por México (aunque pronto serán tres gracias a su participación en el Vive Latino 2020) así lo demuestran.

Pero ahora, el combo conformado por integrantes de Málaga y Madrid muestra su disco más ambicioso y elaborado a la fecha. Los propios miembros han dejado en claro que se trata de un álbum conceptual. En esta ocasión todo gira en torno al poder que tienen los medios de comunicación sobre la población. Antes era a través de la televisión pero hoy lo ejercen por medio de cualquier dispositivo móvil.

Como primer sencillo se lanzó el tema "2K20" y es precisamente el que mejor resume la idea del trabajo. La letra furiosa es bastante directa al comparar a la Gran Pantalla con Dios gracias a que es omnipresente. 

A su vez, un aspecto que se repite en las 12 canciones es la rabiosa voz de Álvaro. Su estilo de escupir sus pensamientos ya es una de las máximas cualidades del cuarteto. 

Por otra parte, otra de las características del combo es la forma en que reducen complejas ideas en frases cortas pero contundentes. En el caso de "Atentado" el coro afirma: "decir la verdad no es un atentado" y hace una invitación a siempre ser franco y honesto.

En cambio, en "Libertad Obligada" se aborda la feliz esclavitud en la que viven todos los que no pueden despegarse de sus teléfonos. Aunque en esta ocasión el tema muestra un sonido oscuro similar al de bandas de los ochenta como Parálisis Permanente y The Cure.

Pese a todos los cambios, también hay elementos que se repiten con respecto a su disco anterior. De nueva cuenta el álbum fue masterizado por Tim Warren (fundador de Crypt Records) y es editado por Slovenly Recordings.

Si bien, existen distintas formas de entender el punk en la actualidad, los integrantes de Biznaga destacan por evitar el camino fácil. Las canciones tienen la misma energía que las hechas por otras agrupaciones del género, pero la mayor diferencia radica en la construcción de las letras. No es simplemente verso-coro-verso sino que existe una preocupación real por transmitir mensajes que inviten al pensamiento y la crítica.


miércoles, 8 de enero de 2020

Reseña: Joao Tomba y Las Culebras de Plutón - Joao Tomba y Las Culebras de Plutón (Sweet Grooves Records, 2019)




Después de recorrer los nada sencillos senderos del rock & roll, una gran cantidad de músicos se aburren, buscan complacer al público al cambiar de sonido o simplemente se dan por vencidos para tener una vida sin complicaciones. Son pocos los necios que se aferran a continuar por el mismo camino durante tantos años.

En ese sentido, un caso a destacar es el del hiperactivo Israel Ruiz, mejor conocido como Indy Tumbita. Su larga trayectoria incluye múltiples agrupaciones españolas como Pedrito Diablo & Los Cadáveras, Los Profesionales, Los Villanos de Boraville y Thee Tumbitas. Pero debido a que no piensa detenerse, ahora presenta el primer material de su nuevo proyecto que lleva por nombre Joao Tomba y Las Culebras de Plutón.

Al escuchar las nueve canciones que componen el trabajo publicado por el sello Sweet Grooves Records, lo primero que se aprecia es un amor total por los primeros años del rock & roll. Como si el tiempo no hubiera transcurrido, las piezas suenan como si hubieran sido grabadas por The Rolling Stones en 1965.

La abridora "Al Este del Edén" relata un viaje en automóvil a través de su ciudad natal Vigo e inclusive se escucha una referencia en la letra al clásico "In a gadda da vida" de Iron Butterfly.

A su vez, la parte más psicodélica del material se encuentra en "Heil Budah" gracias a la incorporación de un cítara que recuerda al período de experimentación de The Beatles cuando George Harrison conoció a Ravi Shankar. 

Por otra parte, a pesar de que la mayor influencia del álbum proviene de la época dorada del rock & roll, en "Adiós Julais" se muestra un peculiar experimento al tomar como base el piano de "Dont Look Back in Anger" de Oasis y transformar por completo la letra.

Fuera de toda moda pasajera, el rock & roll se ha convertido en un sonido atemporal que ha perdurado a lo largo de las décadas. A pesar del relevo generacional, siempre existen músicos interesados en investigar sobre lo que se hizo en el pasado y el resultado lo plasman en su trabajo.


Reseña: Thee Cha Cha Chas - Running Out Of Time 7" (Soundflat Records, 2019)




En todos los rincones del mundo existen músicos que se inclinan hacia los sonidos más cavernícolas y primitivos posibles. En el caso de Australia, una de los ejemplos de más reciente creación que existe es la pareja que responde al nombre de Thee Cha Cha Chas.

El combo suele ser descrito como la fusión de un one-man-band y una one-girl-band. Con esto, lo que es claro es que se trata de una pareja aficionada al destartalado blues y al rock & roll es su faceta más simple.

Detrás de la dupla se encuentran Sonny Sanchez (guitarra, batería y voz) y Cher Kook (bajo y voz), quienes presentan su tercer lanzamiento que al igual que los anteriores está confeccionado en un 7" de pequeño tiraje.

El trabajo publicado por Soundflat Records contiene cuatro composiciones, todas originales del binomio australiano. En ellas se escucha el clásico ritmo de 4/4 que ha estado presente en el rock & roll desde su nacimiento. Aunque lo cierto es que las piezas transpiran el sudor y la energía de los integrantes. 

Con una instrumentación básica y siempre cantando a dueto, la pareja combina la energía de los Ramones, los ritmos simples de Bo Diddley y el espíritu omnipresente de Hasil Adkins.

Sin grandes complicaciones ni preocupaciones por ofrecer una solución a los problemas mundiales, la propuesta de Thee Cha Cha Chas es capaz de provocar gritos de aborígenes australianos en todos los que se aventuren a escuchar su trabajo.

https://www.facebook.com/TheeChaChaChas

lunes, 6 de enero de 2020

Reseña: Satánico Pandemonium - Culto Suicida (LSDR Records, 2020)




En 1975 fue estrenado en los cines de México el filme Satánico Pandemonium (La Sexorcista) de Gilberto Martínez Solares. El trabajo se convirtió en una película de culto al instante por su fuerte temática que nada tiene que ver con las comedias que le dieron fama cineasta. A la fecha es uno de los mayores ejemplos de nunsploitation dentro de la filmografía nacional.

Mientras que en nuestro país el trabajo ha pasado desapercibido, en el extranjero es donde ha recibido mayores halagos. En un principio le sirvió de inspiración a Rob Zombie para bautizar un álbum de White Zombie y posteriormente fue restaurada y distribuida a nivel mundial por Mondo Macabro.

Décadas después, gracias a las bondades de internet, la película ha llegado a una nueva generación de músicos mexicanos aficionados al cine psicotrópico y demencial. Su devoción derivó en nombrar a su proyecto igual que el filme y precisamente este 2020 ve la luz su primer álbum.

El cuarteto capitalino también se confiesa aficionado a otros filmes nacionales malditos como Alucarda (1977) de Juan López Moctezuma y Olor a Muerte: Pandilleros (1987) de Ismael Rodríguez Jr. Pero la influencia no llega sólo por los ojos sino también a través de los oídos, lo que se traduce en una adoración por el rock fuerte y estridente pero ejecutado a un ritmo semilento.

De esta manera, el combo nacional se ha convertido en una de las caras más frescas del doom metal y sludge mexicano. Así lo deja ver su material debut de apenas cuatro canciones pero con una duración total cercana a los 40 minutos.

Con similitudes y diferencias con respecto al sonido de otros proyectos mexicanos como Chivo Negro, Vinnum Sabbathi y Owain, funciona como un reflejo de lo que ocurre en la parte más oscura y pantanosa del subsuelo de nuestro país.

El sonido instrumental del disco es duro y sin contemplaciones para los oídos. No hay miedo de reventar los amplificadores pero tampoco se trata de una carrera de velocidad. Además se complementa por algunos gritos en los que se profanan consignas de adoración hacia las artes oscuras.

El material es editado en CD por el sello mexiquense LSDR Records que continúa en su apuesta por la difusión de los sonidos lentos ejecutados a máximo volumen. Mientras tanto, el álbum apunta a convertirse en uno de los primeros lanzamientos indispensables de este naciente 2020.