lunes, 5 de diciembre de 2016

Una noche llena de magia audiovisual: Festival Aural / BESTIA Festival 2016



El pasado 4 de diciembre fue el evento de clausura del Festival Aural y BESTIA Festival, que por primera vez unieron esfuerzos. A continuación compartimos nuestra reseña de lo acontecido.

Todas las fotografías cortesía de BESTIA Festival


Con la idea de que es mejor aliarse con personas que tienen intereses y objetivos afines a ti, en lugar de buscar una competencia insulsa, este año la quinta edición de Aural, festival más ligado a la música experimental y los sonidos indescriptibles; y la cuarta de BESTIA, inclinado hacia el metal estridente y las artes visuales, le pusieron fin a sus respectivas actividades con el cine concierto Georges Méliès, que consistió en proyectar ocho cortometrajes silentes del cineasta francés pionero de los efectos visuales, y al mismo tiempo un ensamble conformado por John Medeski (Medeski, Martin and Wood), Lee Ranaldo (Sonic Youth), Kenny Grohowsky (Abraxas) y Mike Rivard, quienes hicieron su debut como banda para ponerle sonido a la noche.

Desde temprana hora los fanáticos más ansiosos se dieron cita en el Auditorio Blackberry, sitio elegido para el ritual audiovisual, con la finalidad de estar lo más cerca posible de los experimentados músicos. Una vez en el interior del lugar, llamó la atención que a diferencia de la mayoría de los conciertos, aquí no hubo música para amenizar los minutos previos al inicio del espectáculo. Como pocas veces, era posible comunicarse sin dificultad o escuchar claramente las conversaciones de todas las personas de alrededor.

Un poco después de la hora acordada, cada uno de los músicos salió y tomó su lugar en el amplio escenario. Por las características propias del evento, los cuatro quedaron de espaldas hacia el público para poder ver la pantalla gigante que se colocó sobre la tarima y poder iniciar con la velada.


Con una sala oscura y en silencio, comenzó la proyección de L'homme à la tête de caoutchouc, un cortometraje que data de 1901 y que al igual que todos los trabajos posteriores, fue restaurado especialmente para esta noche. Los organizadores trabajaron en cada uno de los detalles, por lo que tanto la imagen como el sonido lucieron y desde cualquier lugar era posible ver la pantalla y escuchar de forma nítida cada instrumento.

Pese a que la improvisación siempre es un punto al que se recurre cuando se quiere musicalizar en vivo cualquier obra, en este caso quedó claro que los cuatro músicos ensayaron y tenían preparadas ciertas partes de cada uno de los cortometrajes, como se puedo apreciar en Le mélomane, tal vez el trabajo en el que mejor brilló la mancuerna sonora-visual en toda la noche.


A lo largo de la noche quedó claro que Medeski era el encargado de ensamblar todos los instrumentos, pues en todo momento sus tres compañeros volteaban a verlo y era él quien se encargaba de marcar el ritmo y la tonada de cada composición. Por una parte, Ranaldo fue tal vez el más libre y pudo moverse por la tarima sin problema, por momentos sacando delicados sonidos con su guitarra y en otras ocasiones golpeándola sin contemplación; en cambio, Kenny en una gigantesca batería y Mike con su estoico bajo fueron los más solemnes y sus movimientos fueron pequeños pero precisos.

Tal y como venía marcado en el programa, se inició con una sesión de cortometrajes a blanco y negro, la cual finalizó con la proyección de Faust aux enfers, la visión con la que Méliès se apropió de la leyenda alemana de Fausto, y que contó con la participación de Nick Shellenberger, cantante de Cleric, quien al estilo de Mike Patton en Fantômas o Moonchild, se dedicó a gruñir y sacar los gritos más coléricos posibles.

Al finalizar se procedió a un breve intermedio e inmediatamente inició la segunda sesión, con los últimos tres cortometrajes de la noche, coloreados de forma artesanal a mano fotograma por fotograma.


El momento cumbre llegó con Le Voyage dans la Lune, el trabajo más conocido de Georges Méliès creado a partir de novelas de Julio Verne y H.G. Wells, ambos precursores de la ciencia ficción. Con magia tanto en la pantalla, con innovadores efectos visuales creados hace más de un siglo, como en el escenario con cuatro reconocidos músicos que jugueteaban con sus instrumentos pero sin perder la concentración que un evento de este tipo requiere, fue la forma perfecta para concluir con dos de los festivales musicales más arriesgados y propositivos que existen actualmente en México.

domingo, 27 de noviembre de 2016

¡LA THEREMINISTA LYDIA KAVINA EN MÉXICO!



A punto de cumplir su primer centenario de vida, el theremin es uno de los instrumentos musicales más fascinantes de la historia debido a que es el único que no necesita de contacto físico para funcionar y por eso es que, de forma coloquial, se le conoce como "el único que se toca sin tocarse". Y dentro de sus ejecutantes, una de las thereministas más importantes a nivel mundial es la rusa Lydia Kavina, quien por primera vez estará en la Ciudad de México gracias a Teatro UNAM para ofrecer un único concierto y participar en la musicalización en vivo de una ópera.

Lydia se presentará el sábado 3 de diciembre a las 12 PM en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Av. Insugentes Sur #3000) en un recital a dueto junto al pianista mexicano Sergio VázquezLa entrada es gratuita. Más información aquí.

Por otra parte, Lydia participará en la musicalización en vivo que se montará de la ópera La Voz Humana (La Voix Humaine) de Francis Poulenc, que en esta ocasión será adaptada y dirigida por el cineasta mexicano Alonso Ruizpalacios (Güeros, 2014) y contará con las actuaciones de Ana Gabriella Schwedhelm y María Evoli. Las funciones de esta corta temporada se realizarán todos los jueves, viernes, sábados y domingos del 1 al 16 de diciembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (Av. Insugentes Sur #3000). Más información aquí.

Los horarios de las funciones son los siguientes:
Jueves y viernes 20 horas
Sábados 19 horas
Domingos 18 horas

Los costos por función son los siguientes:
Jueves $30 público en general
Viernes, sábados y domingos $150 público en general / $75 estudiantes, maestros de la UNAM y jubilados


Lydia Kavina es probablemente la única persona que, literal, ha estado rodeada por el theremin toda su vida. Lo anterior debido a que ella es descendiente directa del profesor soviético Lev Sergeyevich Termen –quien después se nacionalizaría estadounidense y cambiaría su nombre por Léon Theremin, quien entre 1917 y 1919 inventó el theremin, uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos de la historia. Desde sus primeros años de edad, ella aprendió los principios básicos del instrumento y a la escasa edad de 14 años ofreció su primer concierto público con este instrumento.

Con el pasar de los años, Kavina ha sido una de las principales difusoras de la cultura del theremin a nivel mundial, lo que la ha llevado a presentarse en una gran cantidad de espacios y de igual forma, ha colaborado con músicos de los más diversos estilos y géneros.



En su larga experiencia, la nacida en Moscú en 1967 ha adaptado al theremin piezas de compositores de vital importancia como Bohuslav Martinů, Joseph Schillinger, Miklos Rozsa y Edgard Varèse. De igual forma, ha compuesto sus propias piezas, con lo que ha logrado que el instrumento inventado por el profesor Termen llegue a los recintos más prestigiosos del mundo.

Por otra parte, siempre se ha mostrado abierta a incorporar el theremin en otros estilos musicales. En 1988 participó en un par de temas del álbum Music For Films III del reconocido músico ambiental Brian Eno; en cambio, en un contexto totalmente diferente, estampó el sonido de su theremin en tres de los álbumes lanzados por la banda rusa retrofuturista de horror surf Messer Chups a inicios de la década pasada.



Y gracias a que en sus inicios, el theremin se utilizó para musicalizar en vivo algunos filmes silentes, así como algunos años después se volvió un instrumento emblemático de las películas de serie B y ciencia ficción porque su sonido "asemejaba al de unos platillos voladores", el compositor Howard Shore eligió a Lydia para que musicalizara la película biográfica sobre el cineasta de culto Ed Wood que realizó Tim Burton en 1994. Otros filmes en los que ha colaborado con su theremin han sido eXistenZ (1999) de David Cronenberg y The Machinist (2004) de Brad Anderson.



Con tres álbumes de estudio editados, Music from the Ether (1999), Touch! Don't Touch - Music For Theremin (2006) grabado junto a la thereminista alemana ya fallecida Barbara Buchholz y Spellbound! (2008), Kavina, quien ahora radica en Inglaterra, fue una de las invitadas estelares de la primera edición del Festival Electromagnética, realizado en el 2013 en Chile, siendo el único evento especializado en theremin que se realiza en Latinoamérica. 



Después de las presentaciones de las thereministas Carolina Eyck (Alemania) y Dorit Chrysler (Austria) en 2008 y 2011, respectivamente, será la tercera vez que una ejecutante de theremin de talla internacional se presente en nuestro país, por lo que representa una oportunidad irrepetible que nadie debe perderse.

miércoles, 23 de noviembre de 2016

Rumbo al Festival Aural / BESTIA 2016: Cleric



Gracias a la unión de los festivales Aural y BESTIA, que comparten algunos objetivos y público, será posible tener por primera vez en la Ciudad de México a Cleric el próximo 3 de diciembre en el Lunario del Auditorio Nacional. A continuación analizamos a fondo a una de las propuestas más interesantes dentro del metal experimental de la actualidad.


A lo largo de la historia, la música como el resto de las artes, está sujeta a ciertas reglas y de acuerdo a sus características se suele clasificar a las bandas en géneros pero, ¿qué pasa cuando los ejecutantes se niegan a ser encasillados?, ¿qué sucede cuando su sonido abreva de las fuentes más diversas?, ¿cómo describir algo que, desde un comienzo, no encaja en ningún lugar?

Fue hace poco más de una década cuando Matt Hollenberg, un inquieto guitarrista, decidió crear un grupo en el que se pudieran amalgamar sus variadas influencias; además, estaba seguro que cada uno de sus compañeros aportarían otro tanto de variopintos sonidos a la licuadora que optó por bautizar como Cleric.


En un inicio, el cuarteto oriundo de Philadelphia, al norte de Estados Unidos, estuvo conformado por Chris Weindel, en el bajo; Larry Kwartowitz, en la batería, y Nick Shellenberger en los teclados. Un par de años después Chris cedería su lugar a James Lynch y finalmente el puesto de bajista quedaría ocupado por Daniel Kennedy a partir del 2012.

Hablar del sonido de Cleric es enfrentarse a una tarea casi tan complicada como la ejecución de sus composiciones. Por una parte, la base de su música es el metal extremo, caracterizado por una batería veloz y potente, con un doble bombo demoniaco que taladra los oídos sin contemplación. Sumado a esto, también les gusta incorporar a sus creaciones ciertos pasajes ambientales emparentados con el rock progresivo y ligeros rasgos de psicodelia. Todo ensamblado con la precisión quirúrgica del math rock, aunque algunos definen la sumatoria de todos los elementos anteriores con la etiqueta avant garde.


Con la descripción anterior, no es de extrañar que desde un inicio surgieran las comparaciones con agrupaciones como Fantomas, Neurosis y Meshuggah, todas ellas de enorme calibre e importancia. 

El debut discográfico del cuarteto fue el EP The Underling, grabado en el 2003 con la minúscula cantidad de 200 dólares. Fue un accidentado inicio porque en pleno proceso de mezcla, el disco duro en el que tenían grabadas todas las pistas, se descompuso. Durante muchos años los integrantes renegaron del material inconcluso pero fue hasta el 2013 que decidieron mezclar las cuatro canciones del EP y ahora sí lanzar una versión final con la que se sintieran contentos. El resultado fue puesto en su Bandcamp bajo la opción pay want you want.


Crear la elaborada música de Cleric no es algo fácil y toma su tiempo, por eso su primer y a la fecha único LP vio la luz hasta el 2010. Titulado Regressions, se trata de un álbum compuesto por una decena de aguerridos temas repartidos en poco más de 75 minutos. Además, es digno de mencionar que el disco fue editado por Web of Mimicry, el sello independiente propiedad del infatigable Trey Spruance, fundador de Mr. Bungle y Secret Chiefs 3, quien de inmediato los conectó con John Zorn.


Durante todo el tiempo intermedio entre la grabación de su primer EP y su álbum debut, el cuarteto se dedicó a componer música para diversos proyectos cinematográficos tan variados como su sonido. En primera instancia, en el 2004 grabaron el score de la película independiente Punk Rock Holocaust, un slasher lanzado directamente en video; además, también compusieron de la parte musical de la parodia porno de Party Monster, ahora rebautizada como Porny Monster, labor por la que fueron nominados en el 2008 en la categoría Best Music de los AVN Awards, que se encargan de premiar a lo mejor del cine para adultos y que comúnmente con conocidos como los "Premios Oscar del porno".

Es por todo esto que Cleric se ha posicionado en la actualidad como una de las propuestas sonoras más interesantes del rock estridente que no conoce las fronteras musicales.

Cleric se presentará junto a  junto a Godflesh (Reino Unido) y Simulacrum (Estados Unidos) el sábado 3 de diciembre a las 21 horas en el Lunario del Auditorio Nacional.

martes, 22 de noviembre de 2016

¡THE FUZZTONES EN MÉXICO!



Por fin se dio una noticia que muchos estaban esperando desde hace mucho tiempo y es que a lo largo de los años, The Fuzztones se han hecho de una base de fans bastante numerosa en nuestro país. Y es gracias a la productora Dark Zone que el próximo domingo 15 de enero de 2017 el emblemático conjunto de garage-punk fundado por Rudi Protrudi regresará a la Ciudad de México para presentarse en la Sala Corona (Puebla #186, Col. Roma Norte) en un festival denominado Invasión Fuzz Y Gritos.

Para esta ocasión, se contará además con la participación de cinco agrupaciones representativas del garage mexicano. Se trata de Beso Negro, Los Mustang 66, The Cavernarios, Los Magníficos y el reencuentro de Los Sicóticos.

Los boletos estarán disponibles en dos diferentes fases a partir del 25 de noviembre en las taquillas del inmueble y a través del sistema Ticket Master y tendrán los siguientes costos:

Del 25 de noviembre al 31 de diciembre de 2016
General $400 / Balcón VIP $500

Del 1 al 15 de enero de 2017
General $500 / Balcón VIP $600


Cuando se habla de The Fuzztones es referirse a la que probablemente sea la banda de garage revival más importante de la historia. Como tal, el grupo nació en 1980 en las sucias y ruidosas calles de Nueva York; sin embargo, su fundador, Rudi Protrudi, inició su aventura musical desde finales de los sesenta con las agrupaciones King's Arthur Quart y Tina Peel. Su sonido se ha mantenido intacto desde entonces y se basa en un rock & roll primigenio, rudimentario e hipnótico que le rinde homenaje a bandas como The Seeds, The Sonics y The Monks, siempre con el acompañamiento del fuzz en las guitarras. 

Después de años de espera, en el 2002 The Fuzztones se presentaron por primera vez en la Ciudad de México durante tres noches consecutivas en La Faena. Posteriormente, en el 2009 todo estaba listo para tenerlos de regreso en nuestro país, inclusive con flyer y boletos a la venta, pero justo unas semanas antes de su concierto, se desató la pandemia de la influenza, que obligó a tomar medidas extremas como restringir los vuelos internacionales y prohibir las reuniones multitudinarias, lo que al final desencadenaría en la cancelación de los conciertos.

Apenas hace unas semanas, Rudi, quien desde hace varios años radica en Berlín, publicó The Fuzztone: Raisin' A Ruckus, su libro autobiográfico que permite conocer más a detalle la vida de uno de los héroes del rock & roll mundial. Y respecto a materiales musicales, el lanzamiento más reciente de The Fuzztones es el álbum Dark Zone, editado a inicios de este año por el sello mexicano Discos Dark Zone (recomendamos leer nuestra reseña del álbum).




Respecto al talento mexicano, Los Sicóticos son, para muchos, la mejor banda de garage-punk que ha existido en nuestro país. El trío conformado por Javier (guitarra y voz), Carlos (bajo y voz) y Jacobo (batería) nació en 1993 y pese a que sólo estuvieron juntos durante un lustro, fue suficiente para que construyeran su propia leyenda musical. Después de su separación, la banda se ha reunido para esporádicas fechas. A propósito del vigésimo aniversario del nacimiento del grupo, en el 2013 el sello Discos Dark Zone editó en vinilo el que a la fecha es el único álbum oficial de Los Sicóticos (recomendamos leer nuestra reseña del álbum).




Fundado por Miguel Calderón (ex integrante de Intestino Grueso y Mazinger Z), Julián Lede (integrante de proyectos como Titán, Silverio y Melamina Ponderosa) y Eduardo Pacheco (Los Dynamite y Chikita Violenta), Beso Negro es un grupo que desde su propio nombre, nació para incomodar gracias a sus letras de tópicos risorios y a su sonido sucio y desparpajado. Debido a las actividades de sus demás proyectos sus presentaciones son escasas y a la fecha sólo han publicado un EP homónimo en el 2012 a través del sello Épico (recomendamos leer nuestra reseña del EP).




Marcados por la inestabilidad y los continuos cambios de integrantes, Los Mustang 66 pueden ser considerados como uno de los grupos más aferrados dentro del garage-punk mexicano. Fueron fundados en el 2002 por Tere Farfisa, quien a la fecha es la única integrante original que permanece en el conjunto. A lo largo de los años, la banda ha sido un semillero de talentos y plataforma para que se generen diversos proyectos alternos. Su primer LP vio la luz en el 2009 con el sello portugués Groovie Records pero por diversos problemas con las disquera, la propia banda desconoce ese material y fue en el 2013 que el sello mexicano Discos Dark Zone publicó en vinilo el álbum Fuzz On!, que a la fecha es el único que han grabado (recomendamos leer nuestra reseña del álbum).




Provenientes del Estado de México, The Cavernarios es un camaleónico cuarteto que lo mismo puede hacer limpios y cristalinos temas instrumentales de música surf que poderosos y gamberras canciones de garage-punk. Para facilitarse las cosas, ellos se describen simplemente como una banda de rock & roll. Cuentan con una trayectoria de 15 años en los que se han tenido que enfrentar a todo tipo de adversidades, pero al final, ellos continúan haciendo lo que más les gusta. Su álbum de estudio más reciente es Puertas Cerradas, editado en el 2012 (recomendamos leer nuestra reseña del álbum) y en el 2014 lanzaron la compilación Canciones Perdidas que resume su carrera (recomendamos leer nuestra reseña del álbum).




En el lejano año de 1998 surgieron Los Magníficos, que en su primeros años se caracterizaron por su sonido instrumental emparentado con la música surf; sin embargo, con el pasar del tiempo y con el cambio de integrantes también cambiaron sus intereses y eso los llevó a incursionar de lleno en el garage-punk. Después de enfrentarse a diversas adversidades, el renovado cuarteto se encuentra en vísperas de publicar un nuevo disco con material inédito, aunque a la fecha su lanzamiento físico más reciente es el álbum en vivo publicado en el 2013 por el sello Veneno Records con el que celebraron sus primeros 15 años de trayectoria (recomendamos leer nuestra reseña del álbum).

lunes, 21 de noviembre de 2016

Rumbo al Festival Aural 2016: OOIOO



De cara a la quinta edición del Festival Aural, que se realizará del 30 de noviembre al 4 de diciembre en la Ciudad de México, analizamos a fondo a OOIOO, una de las bandas que encabeza el cartel.


Fue en Japón, país asiático visto en Occidente como la cuna de la vanguardia y lo futurista que surgió OOIOO, conjunto musical que se niega a encasillarse en un género musical y, de hecho, al escuchar su propuesta se entiende claramente que su sonido no entra en ninguna clasificación existente.

El cuarteto fue fundado por Yoshimi P-We en 1995, quien desde una década previa se adentró de forma profesional en el mundo musical siendo integrante de U.F.O. Or Die y al poco tiempo se incorporó como baterista de Boredoms, una banda liderada por el extrovertido Yamantaka Eye, una de las personas clave dentro del mundo alternativo y experimental de su país natal.

Con cerca de tres décadas de trayectoria, Boredoms ha cautivado no sólo al público japonés sino al del resto del planeta gracias a un sonido que ha mutado a través de los años pero que se alimenta tanto del punk, el noise, el krautrock, la experimentación, los sonidos tribales y las percusiones orientales. Pero el momento de reconocimiento fuera de tierras orientales llegaría a inicios de los noventa, cuando Boredoms participó en un gira por Estados Unidos junto a Sonic Youth y Nirvana. Fue en este punto que llamarían la atención desde el reconocido productor musical Steve Albini hasta al polifacético John Zorn.


Con diversas giras a lo largo de Estados Unidos, Europa y Oriente, fue hasta el 2010, y de forma más concreta el 20 de marzo, que Boredoms se presentó en el Lunario de la Ciudad de México como parte del ya extinto Festival Radar. Sin duda fue una noche inolvidable protagonizada por las cuatro baterías perfectamente coordinadas sobre sobre el escenario y por el distintivo sonido del sevena, un instrumento musical construido por el propio Yamantaka.



En el caso concreto de Yoshimi, fue a mediados de la década de los noventa que optó por crear un nuevo grupo que desde un inicio fue conformado sólo por mujeres y que a lo largo de los años ha cambiado de integrantes. Su alineación actual está integrada por Ai, en la batería; Aya, en el bajo; Kayan, en la guitarra y la propia Yoshimi en la guitarra principal y voz.

A diferencia de Boredoms, agrupación en la que Yamantaka es visiblemente el líder y quien se encarga de la toma principal de decisiones, en OOIOO es Yoshimi la que moldea el sonido de su proyecto y se ha encargado de llevarlo a terrenos más personales y que lo diferencian de la primera banda mencionada, pese a que en ambos casos se trata de música imposible de clasificar.


Hablar del sonido de OOIOO es referirse a la conjunción de rock psicodélico, ligeras reminiscencias a la música electrónica y percusiones tribales que de inmediato remiten a Japón. Algunos, para ahorrarse tiempo, suelen describir su sonido como japanoise. El debut del cuarteto vio la luz en 1997 a través del álbum homónimo editado por el sello americano Kill Rock Stars; sin embargo, a partir de su tercer material, titulado Gold And Green y lanzado en el 2000, sus discos han sido publicados por el afamado sello estadounidense Thrill Jockey, identificado por apoyar a bandas de sonidos indescriptibles como Tortoise, Mouse On Mars, Oval, Pit er Pat y Liturgy, entre muchos más.

Con una amplia discografía conformada por siete álbumes de estudio, OOIOO es un claro ejemplo de cómo reinventarse en cada material pero sin perder su sonido característico que por momentos puede ser una dulce melodía pop, a veces simula ser parte de un ritual tribal y en otras ocasiones colinda con el rock fúrico y estridente.

A la par, es conocida la anécdota sobre la participación de Yoshimi en el álbum Yoshimi Battles the Pink Robots, lanzado en el 2002 por The Flaming Lips, e inclusive se dice que la banda capitaneada por Wayne Coyne se sorprendió tanto cuando conoció a la percusionista oriental que le compusieron el tema que le dio nombre al disco.


Otro dato a destacar es que en el 2001, todos los integrantes de Boredoms excepto Yamantaka se unieron en un proyecto alterno al que bautizaron Karera Musication y fueron los encargados de realizar la banda sonora de la película nipona Ichi The Killer, la versión hiperviolenta que realizó el versátil y afamado cineasta Takashi Miike del manga homónimo de Hideo Yamamoto lanzado entre 1998 y 2001.



Con todos estos antecedentes, sólo resta extender la invitación a la presentación de OOIOO en la Ciudad de México, que tendrá lugar el 30 de noviembre en el Foro Indie Rocks junto a Bitchin Bajas (Estados Unidos) y Ricarda Cometa (Argentina), todo como parte de la quinta edición del Festival Aural.

martes, 15 de noviembre de 2016

Noticias: Programación completa de BESTIA Festival 2016



Desde el 2013, BESTIA Festival se ha posicionado como una plataforma que se identifica por presentar una serie de presentaciones que fusionan la parte visual con la sonora y que giran en torno al rock, el hardcore, el metal, el jazz y la improvisación. Ya sea a través de estridentes conciertos o delicadas funciones de cine musicalizadas en vivo, su mayor característica es lograr la comunión entre los artistas y el púbico.

Gracias al esfuerzo realizado por BESTIA Festival en años anteriores y con la curaduría especial de John Zorn es que ha sido posible que artistas internacionales como Moonchild, Neurosis, The Ex, Marc Ribot, Ray Anderson, Bob Stewart, Secret Chiefs 3, Abraxas y el ensamble Bladerunner se presenten en nuestro país, sin olvidar el apoyo a grupos nacionales como Annapura, Monogatari, Dora Juárez, (SIC) y Klezmerson que también han formado parte de las ediciones pasadas del festival.

En esta ocasión, BESTIA Festival anunció la programación completa de su cuarta edición y al igual que en años anteriores, la constante es la música experimental y los sonidos arriesgados que no encajan en ningún género en específico, todo con la tarea primordial de satisfacer los exigentes oídos del público que han formado.

Del 1 al 4 de diciembre, se realizará la cuarta edición de BESTIA Festival que este año contará diversas actividades divididas en conciertos y cine conciertos; además, por primera vez BESTIA Festival se une con el Festival Aural, con el que guardan similitudes y público, para organizar dos presentaciones en conjunto.

A continuación compartimos la información detallada de las funciones que conforman el BESTIA Festival de este año:

JUEVES 1 DE DICIEMBRE
Concierto acústico
Proyección de Happy Days (Jim O'Rourke) musicalizada en vivo por Bradflord Bailey, Iván Cruz, Fernando Vigueras, Jacob Wick, Juan Cristóbal Cerillo, Misha Marks y Ramón del Buey
Biblioteca Vasconcelos
19 horas
Entrada libre

VIERNES 2 DE DICIEMBRE
Cine concierto
El hombre de la cámara (Dziga Vertov, 1929) musicalizada en vivo por Julián Bonequi, Dora Bartilotti y Fernando Vigueras
Cineteca Nacional
20 horas
$50

SÁBADO 3 DE DICIEMBRE
Concierto organizado en conjunto con el Festival Aural
Godflesh + Simulacrum + Cleric
Lunario del Auditorio Nacional
21 horas
$500 / $700

DOMINGO 4 DE DICIEMBRE
Cine concierto ciclo Georges Méliès organizado en conjunto con el Festival Aural
Siete cortometrajes restaurados de Georges Méliès musicalizados en vivo por John Medeski, Lee Ranaldo (Sonic Youth), Kenny Grohowsky (Abraxas) y Mike Rivard (colaborador de Morphine)
Auditorio Blackberry
19 horas
$450 / $350 / $300 / $250 / $150




CINE CONCIERTO 4 DIC from BESTIA Festival on Vimeo.

Para conocer más del festival recomendamos conocer sus páginas oficiales:

http://bestiafestival.com
http://www.facebook.com/BestiaFestival
http://twitter.com/bestiafestival

domingo, 13 de noviembre de 2016

Noticias: Programación completa del Festival Aural 2016



Fue en el año 2011, siendo parte de las actividades del Festival México -hoy Festival del Centro Histórico- que nació el Festival Aural, en un intento por continuar lo que en su momento hizo Radar y ser una válvula de escape de los proyectos musicales, tanto nacionales como internacionales, que deambulan entre los sonidos experimentales, el rock, el free jazz, la improvisación y en resumen, todo lo imposible de clasificar.

Para entender mejor el amplio espectro sonoro que abarca el Festival Aural, basta recordar tan sólo algunos de los artistas que se han presentado en sus ediciones previas: The Residents, The Melvins, Earth, Boris, Melt-Banana, Omar Souleyman, Faust, KTL, Sun Ra Arkestra, Mika Vaino, Alva Noto, Ryuichi Sakamoto, Evan Parker y Text of Light.

Pese a que en la edición del 2015 no se realizó el festival y muchos temían su desaparición, este año el Festival Aural regresa con una programación que incluye el talento de más de 30 artistas que estarán repartidos en ocho conciertos; además, por primera vez Aural se une a BESTIA Festival, con el que guardan similitudes y comparten público, para organizar dos presentaciones en conjunto.

En su quinta edición, el Festival Aural se realizará del 30 de noviembre al 4 de diciembre y dentro de su extenso programa, destaca la primera visita a México del conjunto japonés de rock inclasificable OOIOO, el artista brasileño experimental Edbrass, el artista francés de drone Joachim Montessuis, el trío argentino de improvisación Ricardo Cometa y un par de actividades (el concierto de Godflesh, Simulacrum y Cleric, además del  cine concierto homenaje a Georges Mélliès con la participación de John Medeski + Lee Ranaldo + Kenny Grohowski + Mike Rivardrealizadas en conjunto con BESTIA Festival.

A continuación compartimos los detalles de la programación completa de este año, que incluye cuatro actividades de entrada gratuita.

MIÉRCOLES 30 DE NOVIEMBRE

Blank Forms 1 con Okkyung Lee + Andy Lampert (KR+US) y Robert AA Lowe (US)
Centro Cultural de España en México (República de Guatemala #18, Col. Centro)
18:30 hrs. 
Entrada libre, cupo limitado.

OOIOO (JP), Ricarda Cometa (AR), Bitchin Bajas (US)
Foro Indie Rocks (Zacatecas #39, Col. Roma Norte)
21:00 hrs. 
$350.

JUEVES DICIEMBRE 1
Anna Von Hausswolff (SE), Colin Stetson & Sarah Neufeld Duo (US)
Lunario del Auditorio Nacional (Av. Paseo de la Reforma #50)
21:00 hrs
$600 / $450 / $350

Blank Forms 2, con Joe McPhee + Graham Lambkin (US) Dawn Kasper (US) Mario de Vega (MX)
Bajo Circuito (Bajo Puente de Circuito Interior S/N, Condesa)
22:00 hrs. 
Entrada libre, cupo limitado

VIERNES DICIEMBRE 2
PITA (AU) Robert Piotrowics (PL) Joachim Montessuis (FR) Erreopeo (MX) Musgos (MX) Gudinni Cortina (MX)
Bajo Circuito (Bajo Puente de Circuito Interior S/N, Condesa)
19:00 hrs.
Entrada libre, cupo limitado

SÁBADO DICIEMBRE 3
Godflesh (UK), Simulacrum (US), Cleric (US) [Coproducción con BESTIA FESTIVAL]
Lunario del Auditorio Nacional 
21:00 hrs
$800 / $600

DOMINGO DICIEMBRE 4
Edbrass (BR) Omar Fraire + Sanjuana Vega + Rolando López (MX)
Casa del Lago (Bosque de Chapultepec Primera Seccion S/N)
12:30 hrs
Entrada Libre

Cine concierto - Georges Mélliès
John Medeski + Lee Ranaldo + Kenny Grohowski + Mike Rivard (US)
[Coproducción con BESTIA FESTIVAL]
Auditorio Blackberry Puerta Condesa Las Américas (Calle Tlaxcala #160)
19:00 - 21:00 hrs
$500 / $250



Para conocer más sobre el Festival Aural, recomendamos visitar sus páginas oficiales:

https://www.festivalaural.mx
https://www.facebook.com/festivalaural

martes, 25 de octubre de 2016

Reseña: Tikiyaki 5-0 - Introducing The Exotic Sounds Of... (Future Primitive Records, 2016)




Uno de los estilos musicales más difíciles de ejecutar es el lounge, space pop o también conocido como música exótica. Uno de sus mayores impedimentos es conseguir a un enorme número de integrantes hasta formar a una orquesta y dirigirlos a todos hacia un mismo objetivo musical. En años recientes, uno de los principales representantes de este género ha sido The Tikiyaki Orchestra, el combo californiano fundado por Jim Bacchi en el 2008 pero que ahora, como proyecto paralelo, derivó en Tikiyaki 5-0.

A diferencia de la banda principal, Tikiyaki 5-0 es un cuarteto que mantiene la elegancia y finura inicial aunque ahora con un sonido ligeramente inclinado hacia la música surf.

Debido a la complicada tarea de conseguir a más de una decena de compañeros musicales, ensayar con todos ellos y viajar para cada una de sus presentaciones, en este nuevo combo secundario, Jim se rodeó sólo de los instrumentos esenciales y el resultado final consiste en él en la guitarra y percusión, Brain Kassa en el teclado, Jonpaul Balak (también integrante de los Insect Surfers) en el bajo y Pablo Baza en la batería.

La primera referencia del cuarteto es un breve pero jugoso EP de seis temas en el que muestran las primeras dos composiciones de este nuevo proyecto y además reinterpretan cuatro versiones de otros músicos, siempre en el terreno instrumental. Dentro de los covers aparecen "Taboo" de Arthur Lyman, "Enchanted Sea" de Les Baxter, "Song of Delilah" de Arthur Lyman y Gene Rains y "Shockwave" de Zorba & The Greeks.

Acompañados de una montaña de reverb, el combo enseña en la inicial "Supernova" un energético sonido en el que destaca el sonido del teclado con influencia de la cultura oriental; por otra parte, en "Ilikai" se hace presente un estilo más relajado y tranquilo, con una melodía hipnótica que se adentra en el spy sound y hace pensar en cualquiera de las películas protagonizadas por James Bond.

Con los beneficios que implica el tener ahora a sólo cuatro integrantes, Tikiyaki 5-0 es un interesante experimento que, de momento, abandona los complicados terrenos de las big bands para inmiscuirse en la formación tradicional de una banda de música surf aunque sin olvidarse de la elegancia que siempre ha caracterizado al proyecto inicial, fundado por Jim hace casi una década.


jueves, 20 de octubre de 2016

Reseña: Caramelo Pesado - Caramelo Pesado (Caramelo Pesado Records, 2016)




El rock mexicano, a lo largo de su más de media centuria de vida, ha germinado agrupaciones de los más diversos estilos pero... ¿una banda capitalina de stoner rock/sludge metal a mitad de los ochenta? Hay historias muy poco contadas, ya sea por desconocimiento o por falta de investigación de parte de la llamada prensa musical, y la de Caramelo Pesado es una de tantas.

Fue en 1982 cuando el guitarrista Jorge Beltrán (recomendamos leer nuestra entrevista con el músico) quien previamente había sido integrante de Stomago Sagrado, se unió a los hermanos Arturo y Charly López, en primera instancia porque los tres vivían en la misma colonia (el periodista David Cortés los bautizaría como La tribu de Lindavista en su libro El Otro Rock Mexicano), pero también motivados por bandas que a ellos les gustaban y que no eran precisamente las más conocidas o populares en ese momento.

La trayectoria de Caramelo Pesado fue bastante corta y apenas duró un par de años, pero empezó a adquirir importancia a partir del trabajo que desarrollaron sus integrantes con sus nuevos proyectos. Por una parte, Jorge fundaría Humus (aquí pueden leer nuestra reseña de su álbum más reciente) y Semefo; Arturo haría lo propio con Nörvenich, Loch Ness y Frolic Froth; en tanto que Charly se integraría a Radio Carolina, Ramsés y Garrobos.

A Caramelo Pesado lo caracterizó su sonido instrumental veloz, vertiginoso y a la vez oscuro, poderoso y basado en la improvisación, derivado de la afición que los tres miembros le profesaban a Cream, Blue Cheer, Can, Jimi Hendrix y Guru Guru, por mencionar algunos. En su pequeña pero intensa trayectoria, el trío tuvo una numerosa cantidad de presentaciones a lo largo y ancho de la capital pero nunca pudieron publicar ningún álbum por las dificultades de la época.

Durante varios años, lo único que se podía escuchar de Caramelo Pesado eran temas de mediana calidad grabados durante sus ensayos y presentaciones en vivo; sin embargo, con la idea de preservar la memoria y dejar un registro tangible a la altura de la leyenda de la banda, se acaba de lanzar el único material oficial del trío que es un tesoro digno de Indiana Jones.

La idea original de este lanzamiento fue de Arturo, el baterista que tan sólo tenía 15 años cuando se formó la banda, quien tomó una veintena de las grabaciones del grupo que fueron hechas entre 1982 y 1984, las remasterizó para darles un sonido profesional y las publicó en un vinilo color gris de un limitado tiraje de 500 copias numeradas a mano. Para complementar el álbum que por sí solo ya es de colección, también se le agregaron diversos extras como una portada abatible, un psicodélico sticker que asemeja a los que incluían los lanzamientos de rock progresivo del añejo sello Vertigo en los setenta y como objeto de auténtica memorabilia, una pequeña estrella de madera impregnada de pachuli que hace juego con el recreativo dibujo de la portada.

Para continuar con el aspecto sonoro del trío, resulta demasiado difícil de comprender cómo una agrupación de sus características se formó en la Ciudad de México en un momento en el que Luis Miguel y Timbiriche eran las máximas referencias musicales del país y términos como stoner rock o sludge metal todavía ni siquiera aparecían en las ciudades más desarrolladas del mundo.

Adelantados algunos años al sonido que definirían bandas estadounidenses como The Melvins y Black Flag en su última etapa, las composiciones presentadas por Caramelo Pesado en el vinilo también tienen una alta dosis de humor negro e irreverencia en sus títulos, como lo dejan ver "Tú lo que necesitas es una madriza" y el divertido juego de palabras en "Final", "¿Final?", "¡Final!", "Final Final", "Cuartos de Final", "Silvia Final", "Ahora Sí Final", "Final de Finales" y "Final Feliz", todas ellas breves composiciones de escasos segundos de duración que son como pequeñas bombas destructoras de tímpanos y que no tienen comparación con ningún otro proyecto musical mexicano de su época.

Alejados de los reflectores que en muchas ocasiones sólo sirven para marear en lugar de iluminar, Caramelo Pesado forma parte de la prehistoria de la hoy efervescente movida de stoner rock en México. Con los escasos recursos que tuvieron a su disposición crearon un sonido del que hoy, muchos sin saberlo, están en deuda.