martes, 29 de septiembre de 2015

Reseña: The Madeira - Ancient Winds (Double Crown Records, 2015)


Si en lo que llevamos del 2015 existe un álbum dentro de la música surf sobre el que se generaron enormes expectativas, sin duda se trata del lanzamiento más reciente de The Madeira, cuarteto que se encuentra en lo más alto del género; por fortuna, el resultado es proporcional a lo que se esperaba de él.

El creador de la banda es el guitarrista de ascendencia croata Ivan Pongracic (aquí pueden leer una entrevista con él), quien lleva el reverb en las venas y toda su vida ha estado ha estado inmiscuido en este mundo musical debido a que su padre formó parte de la llamada primera ola, que fue protagonizada por los adolescentes de la primera mitad de la década de los sesenta del siglo pasado. Al estar expuesto desde temprana edad a Dick Dale, The Bel-Airs, Eddie & The Showmen y The Shadows –su banda fetiche, era cuestión de tiempo para que decidiera montar su propia banda.

El antecedente directo de The Madeira es The Space Cossacks, el conjunto fundado por Ivan en los noventa y que gozó de cierta popularidad gracias a sus dos únicos álbumes, con los que se hicieron de una nutrida cantidad de seguidores. Por desgracia, por cuestiones laborales, Ivan tuvo que cambiar su residencia, lo que desembocó en el fin de su primera banda; sin embargo, una vez instalado en Indianapolis, buscó personas que compartieran su misma afinidad musical y en cuanto encontró a sus nuevos cómplices, nació The Madeira.

Grabado en poco menos de una semana en los estudios Pop Machine, el cuarto álbum de estudio del conjunto que complementan Dane Carter (batería), Todd Fortier (bajo) y Patrick O'Connor (guitarra rítmica), muestra la riqueza que puede alcanzar dentro del género instrumental. Una buena parte de su sonido es alcanzada gracias a que no son presos de ninguna fórmula y, pese al profundo amor que le guardan a las agrupaciones que cimentaron la música surf, nunca ha estado dentro de sus planes el reinterpretar nota por nota lo realizado hace 50 años. 

Si bien, el reverb en las guitarras eléctricas nació como una forma de imitar el sonido de las olas del mar, en este caso el cuarteto estadounidense revisó la historia universal y creó lo que se podría considerar como un álbum conceptual en el que el mar, desde los tiempos mitológicos de Poseidón, es el protagonista y sobre el que se basaron para la creación de los títulos de los temas.

Como si se tratara de un aluvión sin control, la primera pieza que escupen las bocinas cuando se introduce el CD en cualquier reproductor es "Journey to the Center of the Surf", que no tiene ni un segundo de tranquilidad y ataca a los oídos de la misma forma en que los antiguos piratas saqueaban las embarcaciones ajenas. Existe la creencia de que el primer tema de cualquier álbum debe ser el más llamativo para que enganche al escucha y aquí se cumple a la cabalidad esa creencia.

Más adelante hace su aparición "Sirena", canción de tranquilo inicio en la que las guitarras hacen una mancuerna exacta, pero en realidad todo el peso recae en el poderoso bajo que muestra la forma en que se puede alcanzar un destacado trabajo sin ser el protagonista.

Ya casi al final se encuentra "Leviathan", que al igual que la bestia bíblica, enseña un imponente sonido logrado a base de cristalinas guitarras que cortan el aire y atacan sin piedad.

De las 13 piezas que se incluyen sólo una es un cover y se trata de "Coral Island", original de The Atlantics, ejecutada con respeto y pleitesía pero con un estilo propio, además de que musicalmente encaja a la perfección con el concepto marino del material. Además, es justo mencionar que en esta ocasión, por primera vez, participaron músicos de otras agrupaciones, tales como Danny Snyder (The TomorrowMen), Jeremy DeHart (Aqualads), Alex Anthony Faide (Los Twang! Marvels) y el propio Jim Skiathitis (The Atlantics) en la composición de los temas. Todo un dream team de la música surf.

Después de haber recorrido los arenosos desiertos del Sahara y las junglas tribales, el nuevo viaje acúatico de The Madeira es un ejemplo de cómo se pueden contar historias sin la necesidad de letras, pero lo más importante, sin caer en los lugares comunes ni en la copia descarada, como otras tantas agrupaciones que abundan en la actualidad.



domingo, 27 de septiembre de 2015

Reseña: Los Tsunamis - Calé-fornia (Praesepe Records, 2015)


Este 2015 nos recibió con el lanzamiento del nuevo EP de Los Tsunamis (aquí pueden leer una reseña de su primer material), conjunto originario de Úbeda, España, que en esta ocasión decidieron realizar un experimento al conjuntar el flamenco con la música surf.

Con el título de Calé-fornia, lo que presentan son cuatro composiciones en las que se hace presente su ya distintivo sonido instrumental caracterizado por las húmedas guitarras, pero ahora arropado por un estilo tan español como lo es el flamenco, con lo que se obtiene un resultado que se distingue por su creativo sonido.

Después de un breve intro resuenan los primeros acordes de "Cachito", que gracias a su teclado también remite a los países orientales y hace pensar en bailes arabescos, cosa completamente diferente a "Cañamote", que cuenta con un saxofón que acerca el tema al original sonido de la música surf surgido en California hace poco más de medio siglo. La cara B del EP abre con "Morrococo", composición que de nueva cuenta trae de regreso el hipnótico teclado que de inmediato capta la atención, mientras que el vinilo blanco limitado a 500 copias concluye con "Flamenco Stomp", con un frenético sonido que hace pensar en los primer conciertos de Dick Dale en el Rendezvous Ballroom, cuando hacía enloquecer a una jauría de surfistas que abandonaban las olas del mar para "surfear" en las pistas de baile.

De esta forma, el quinteto que incluye a ex integrantes de importantes agrupaciones instrumentales ibéricas como Los Malignos y Gaforic Explosion, ofrece una refrescante bocanada de aire fresco y aminora la espera del tan anhelado segundo álbum de la banda.



martes, 22 de septiembre de 2015

Reseña: Charm Bag - Voodoo Rock 'n' Roll (Kizmiaz Records, 2015)


Dentro del actual mundo del rock & roll existen muy pocas personas como Fernando Smogger, guitarrista adicto al fuzz demasiado productivo que está casado con la música y es por eso que constantemente presenta nuevas muestras de su trabajo. Su banda principal es The Smoggers (aquí pueden leer una entrevista con el grupo), pero cuando tiene tiempo libre se une al guitarrista de Thee Gravemen y graban como Leadfoot & Fernando y, por si eso no fuera suficiente, también es fundador del dueto que ahora nos ocupa: Charm Bag.

Por si alguien se lo pregunta, el nombre del binomio fue tomado de un tema de The Gories, la legendaria banda estadounidense de garage-punk que sin duda representa una de las máximas influencia tanto para Fernando como para su compañera Ana también baterista de The Smoggers, la encargada de aporrear los tambores como pocas mujeres en el mundo.

Una vez aclarado el punto del nombre, hay que explicar que el sonido del dueto no se aleja demasiado del mostrado en The Smoggers, salvo que aquí la fórmula se reduce al mínimo pues sólo cuentan con una guitarra y una batería para explotar los oídos de todos los valientes que se acerquen a su álbum debut editado por el sello francés Kizmiaz Records, conformado por ocho primitivos temas de muy corta duración que lo único que buscan es que todos se sacudan y saquen sus peores pasos de baile, tal y como si se tratara de un manicomio.

Dentro de la selección musical destaca la aparición de covers como "New Kind of Kick", original de The Cramps, o "Lie Detector", del siempre vigente Billy Childish. Con semejantes ejemplos a seguir cualquiera se puede dar cuenta que Charm Bag aspiran a muchas cosas, menos a ser unos tipos tradicionales.

Detrás de la ilustración de portada realizada por el artista Christophe Lopez-Huici se condensa el álbum debut del dueto sevillano que se encuentra de gira permanente por toda Europa y, por si no fuera suficiente, amenazan con un nuevo disco que para estos momentos ya debe de estar en la calle. Workaholics de esta calidad siempre serán bienvenidos.



domingo, 20 de septiembre de 2015

Reseña: The TomorrowMen - Futourism (Double Crown Records, 2015)


Desde hace algún tiempo, The TomorrowMen se ha posicionado como una de las promesas dentro de la música surf a nivel mundial gracias a su trabajo constante y al apoyo que le han brindado a este género. A cuatro años de su debut, el cuarteto ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad y todo gracias a su segundo álbum.

Muchas cosas han pasado desde que los representantes de la música surf futurística lanzaron su primer material, It's About Time! (aquí pueden leer la reseña del disco), desde la pequeña gira italiana que concretaron en el 2012, hasta un ajuste de integrantes que consistió en el cambio de guitarrista. Ahora se sumó a la tripulación Lazarus Angstrom –apodo tomado de la novela de ciencia ficción Methuselah's Children de Robert A. Heinlein–, nombre con el que se esconde Ferenc Dobronyi, también integrante de Frankie & The Pool BoysPollo Del Mar y The Quiet Surfers.

Si de algo adolecen la mayoría de las agrupaciones de música surf en todo el mundo es de creatividad al momento de elegir los temas que van a versionar. Se entiende que composiciones como "Miserlou", "Wipe Out", "Pipeline" y "Out Of Limits" sean himnos obligados dentro del género, pero después de cierto tiempo aburre que las nuevas generaciones de músicos no se salgan de su zona de confort y siempre interpreten los mismos covers; por fortuna siempre existen excepciones a toda regla.

El primer adelanto de este material fue el tema "Tunak Tunak Tun", canción original del cantante hindú Daler Mehndi, quien la compuso en 1998 pero fue hasta el 2011 que adquirió popularidad gracias al video que grabó para promoverla y que se volvió viral en internet, alcanzando más de 10 millones de vistas en Youtube en un par de meses. Es considerado el primer video musical en la historia de India en utilizar la técnica chroma key, que consiste en valerse de una tela color verde de fondo que posteriormente se reemplaza digitalmente por cualquier imagen, además de contar con una divertida coreografía –muy al estilo del cine de Bollywood– y una adictiva melodía.

Fue un día como cualquier otro, mientras Mycroft Eloi aka Danny Snyder, guitarrista fundador de The TomorrowMen, se encontraba navegando por internet, que vio el video del tema antes mencionado y quedó tan enamorado que de inmediato se puso a trabajar en su propia versión de la canción, pero ahora trasladando el idioma punjabi (en el que originalmente está cantada) al terreno de la música instrumental con altas dosis de reverberación. Una vez grabada, su adicción fue tal que junto a sus compañeros de banda, hicieron su propio video en el que recrean el concepto del trabajo original. ¡Por fin una banda de música surf que no toca los mismos covers de siempre! (aquí pueden ver el video original de Daler Mehndi y aquí el de The TomorrowMen).

Además del tema oriental, el nuevo disco de estos californianos incluye 12 composiciones propias que muestran un sonido fresco como la brisa playera de su ciudad natal. Canciones bien elaboradas con la dosis necesaria de reverb que sirven de acompañamiento idóneo a todo surfista que desee dominar las olas del mar... al menos de forma mental. Como ejemplo basta remitirse a "New Democracy" y su apropiado rasgueo de guitarras o a la festiva "All Summer In A Day"; inclusive en "Parsec's Paradox" se permiten experimentar un poco y tuvieron la colaboración de Carla Kaufman en el chelo, algo nada común dentro de este estilo musical.

Y para redondear su trabajo, además de la versión tradicional, existe una deluxe edition en empaque de cartón que incluye 10 futurísticas postales elaboradas por la misma cantidad de artistas de distintas partes del mundo y con divertidos textos en el respaldo de cada una. Entre la lista aparecen Stephen Blickenstaff, Doug Paulin, Shawn Dickinson y Paul Maes, entre otros, con lo que consiguen un álbum que no sólo se escucha, también se ve y apunta a posicionarse en lo más alto de este agonizante 2015.





lunes, 14 de septiembre de 2015

Reseña: Satan's Pilgrims - Frankenstomp - Singles, Rarities & More 1993-2014 (SP Records, 2015)


Resulta difícil de explicar pero un estilo como la música surf, por su naturaleza instrumental, está propenso a la copia, o dicho de otra forma, una amplia mayoría de los ejecutantes de este género terminan siendo clones musicales entre sí. Afortunadamente existen excepciones, pocas pero las hay, y una de ellas son los Satan's Pilgrims, quienes acaban de lanzar un nuevo álbum después de seis años, para beneplácito de todos los seguidores de las guitarras húmedas y bien aceitadas.

En Frankenstomp se reúnen más de una veintena de temas que resumen más de dos décadas de trabajo; sin embargo, lo aquí mostrado dista mucho de ser un greatest hits (para eso ya existe el Plymouth Rock, lanzado en el 2004) porque en realidad lo que incluye son canciones en vivo, rarezas, covers, piezas de materiales ahora inconseguibles e inclusive algunos temas inéditos. No importa si ya se cuenta con la discografía completa de los SP porque hasta el fanático más fiel encontrará novedades en este álbum que funciona como muestrario del sonido de una de las agrupaciones más influyentes del género que se caracteriza por el uso del reverb en las seis cuerdas.

Surgidos en 1992 en su natal Portland, Oregon, el quinteto que incluye a tres guitarristas –algo anormal dentro del género– pudo editar esta compilación gracias a una exitosa campaña en Kickstarter, que a su vez les ayudó para que pudieran financiarse una gira italiana durante este verano. 

Acomodadas sin ningún tipo de orden, el CD incluye 26 canciones (más un comercial de radio) de auténtico pilgrim rock, que se caracteriza por su sonido escabroso, fresco, rítmico y en años recientes con ciertas dosis de psicodelia. De las rarezas destaca la versión que hicieron de "Monster Surfing Time", original de The Deadly Ones; la versión en vivo de "Frankenstomp", que fue capturada durante la Surf Guitar 101 Convention del 2011; la versión demo nunca antes lanzada del clásico de jazz "Harem Nocturne" y "Nowheresville", rescatada de un cassette editado en 1994. Como máxima rareza destaca el comercial de radio realizado con motivo del lanzamiento de su álbum pasado, Psychsploitation, en el 2009.

Disponible en disco compacto y en una edición de doble vinilo, el sonido perpetrado por Dave, Scott, Robert, John y Ted Pilgrim es ya un referente dentro del mundo del rock instrumental, la muestra más clara es la enorme cantidad de bandas que de forma consciente e inconsciente han intentado plagiar su estilo.



jueves, 10 de septiembre de 2015

Reseña: Becky Lee & Drunkfoot - I Wanna Kill Myself / Clown Of The Town 7" (Voodoo Rhythm Records, 2015)


En su definición más simple, se suele utilizar el término one-man-band para describir a un músico que ejecuta dos o más instrumentos al mismo tiempo con la intensión de sonar como una orquesta de basura. Aquí no hay lugar para la perfección o el sonido estereofónico y, de hecho, se busca todo lo contrario: intentar reunir el sentimiento del blues con la desfachatez y el salvajismo del punk. Pero, a pesar de que pareciera ser un mundo exclusivo de hombres lleva el man implícito, existen algunas excepciones femeninas, como es el caso de Becky Lee.

Originaria del caluroso y polvoriento desierto de Arizona, la joven Lee se inició en la música de forma autodidacta y prácticamente así ha sido toda su vida. Desde el 2008 se ha dedicado a viajar y presentarse en cualquier escenario que le sea posible, primero dentro de su país natal y con el tiempo ha podido salir de gira por Europa.

Fue en alguna de sus primeras gira por el viejo continente que tuvo la oportunidad de conocer al Reverend Beat-Man quien, desde el primer momento que la escuchó, decidió ficharla con su sello, Voodoo Rhythm Records, y producto de esta fraternidad se materializaron dos LP's: Hello Black Halo (2012) y One Take Session (2013). Ahora, el sello suizo presenta el trabajo más reciente de Becky en formato de 7".

Siguiendo la tradición de mujeres como Jessie Mae Hemphill –tal vez la primera one-(wo)man-band de la historia, Becky (y su pie borracho) presenta dos temas de blues-punk desfachatado. La cara A del sencillo está compuesta por "I Wanna Kill Myself" que podría ser un honesto epitafio pero también contiene sus dosis de humor negro; por otra parte, la cara B del vinilo contiene a "Clown Of The Town", tema de un engañoso inicio pero que posteriormente se transforma en un vertiginoso viaje que tiene una deuda pendiente con el rock & roll esquizofrénico de Hasil Adkins.

Con un enorme poder de coordinación, la joven multi instrumentalista se encarga de ejecutar al mismo tiempo los afilados riffs de guitarra, una pequeña y rudimentaria batería y encima de todo eso, también canta como un lindo lobo aullador. Mujeres de estas características existen muy pocas en el mundo de la música.



martes, 8 de septiembre de 2015

Reseña: Los Leopardos - Amor Fatal (Leopardos Records, 2015)


En años recientes, el rockabilly se ha convertido en uno de los géneros musicales de mayor crecimiento en México; conforme avanza el tiempo, gana más adeptos que no sólo gustan de la música sino también de la ropa, coches, tatuajes, comida y todo lo vintage que recuerde la década de los cincuenta del siglo pasado. Y en medio de todo esto están Los Leopardos, una experimentada agrupación de por lo menos una década de trayectoria pero que ahora están de regreso con nuevos integrantes.

Casi como si se tratara de una universidad, la banda ha servido de plataforma para que distintas integrantes adquieran experiencia, se "gradúen" y al final decidan abandonar el proyecto para iniciar su propia agrupación; sin embargo, dentro de toda esta inestabilidad el único integrante que se ha mantenido fiel y necio desde un inicio ha sido Frenetik Joe, experimentado guitarrista que pese a todos los contratiempos, mantiene con vida a Los Leopardos.

En esta nueva etapa, el trío muestra una cara rejuvenecida gracias a las aportaciones de sus dos nuevas integrantes: Zianya Gon (ex Las Vinylators, Kira y las Malditas) en la batería y Michel Jons en el contrabajo y voz. Ambas veinteañeras que le imprimen su frescura y juventud a las nueve composiciones que integran el tercer álbum de la banda.

Algo bastante significativo de Los Leopardos es que en los últimos meses han optado por salirse de la zona de confort que representa el presentarse en los mismos foros de la capital mexicana y en lugar de eso han emprendido pequeñas giras por distintos estados del país. Lo anterior adquiere mayor notoriedad cuando uno descubre el trío no cuenta con un manager ni con el respaldo de una disquera independiente; todo el trabajo de "escritorio" es realizado por los propios integrantes. Al final, pese a todos los sacrificios que conlleva, han obtenido positivos resultados y en la actualidad son más las fechas que realizan en la provincia que en el Distrito Federal.

Si algo caracteriza a buen parte de la escena mexicana del rockabilly es que se basa en la copia o refrito, tal y como hicieran las primeras agrupaciones nacionales de rock & roll, pero en el caso de Los Leopardos es todo lo contrario y siempre han optado por crear sus propias composiciones en lugar de ejecutar covers.

El disco inicia con "Amor Fatal", tema que también da nombre al álbum y muestra que pese a todos los cambios, el sonido del conjunto, que se alimenta de ritmos como el rockabilly, el country, el rock & roll y por momentos hasta coquetea con el swing, permanece intacto. De igual forma, la inocencia de las letras, que en todo momento hablan sobre la dualidad del amor/desamor, son el hilo conductor del material.

Con canciones sencillas hechas a base de coros pegajosos que a la primera quedan tatuados y son ideales para cantarse de forma grupal, Los Leopardos son un grupo que se niega a morir y la mejor forma de conocer su actual estado de salud es escuchar su nuevo material, hecho y producido en su totalidad por ellos mismos.



lunes, 7 de septiembre de 2015

Reseña: The Sex Organs - Fuck The Human Race 7" (Voodoo Rhythm Records, 2015)


Por simple diversión, pasarla bien sin ningún tipo de compromiso ni obligación, hacer algunos amigos y emborracharse en el camino seguro fueron las razones por las que Jackie y Bone decidieron unirse y crear a The Sex Organs, primitivo dueto de garage-punk que, literalmente, salen ataviados al escenario como si fueran unos lindos órganos sexuales: ella como una dentada vagina y él como un saltarín pene.

El binomio conformado por importantes músicos dentro de la escena como lo es Jackie (guitarrista de los suizos The Jackets) y Bone (quien hace lo propio con los holandeses de The Anomalys, que vinieron a México en el 2012) nació como una ocurrencia para presentarse exclusivamente en el festival español Funtastic Dracula Carnival del 2014 (aquí pueden leer una entrevista con los fundadores del festival), pero el recibimiento fue tan bueno que esporádicamente, cuando ambos integrantes están desocupados, ofrecen conciertos por distintas partes de Europa.

Para mostrar el sonido gamberro de The Sex Organs, decidieron entrar a un estudio de grabación en la zona roja de Holanda y con las condiciones más precarias y en el menor tiempo posible, registraron dos temas que fueron editados en un 7" por la Voodoo Rhythm Records, disquera comandada por el Reverend Beat-Man, quien siempre se ha caracterizado por su exquisito gusto musical.

Una sencilla tarola ejecutada por Jackie y una vieja y destartalada guitarra que siempre toca el mismo riff a cargo de Bone, son los escuetos elementos de "Outer Space" "Orgasms", primeras cartas de presentación de este dúo carroñero que no busca proponer nada, tan sólo quieren seguir perturbando los oídos de todos los aficionados a las malas costumbres y la fiesta eterna. Y nosotros deberíamos estar agradecidos por tan noble gesto.



domingo, 6 de septiembre de 2015

Reseña: Black Overdrive - Discord (Oz Music, 2015)


Después de una larga espera por fin vio la luz el álbum debut de Black Overdrive, cuarteto mexicano que, con el lema de loud & proud, tienen la firme misión de hacer sangrar la mayor cantidad posible de oídos y extender la palabra del ROCK entre los fieles que todavía no han caído en las garras de las baladitas disfrazadas de rock, tan populares en la actualidad.

Los integrantes del combo capitalino son conocidos porque pertenecen, o han pertenecido, a distintas agrupaciones de sobrada calidad dentro del circuito stoner rock-metal-rock veloz made in Mexico. En la batería está JC Pintor (ex Dirty Woman), en el bajo Ángel Castillo (ex Dirty Woman), en la guitarra René Villanueva (Shredding Consequencesy en la otra guitarra y voz Iván Nieblas (34-D, El Diablo y periodista musical de largo recorrido).

El primer derechazo lanzado por estos adictos al headbanging fue el demo homónimo del 2012 (aquí pueden leer la reseña), grabado de forma casera y un tanto primitiva por ellos mismos, pero ahora están de regreso aunque realmente nunca se fueron con su primer material en forma y con el que buscan knockear a todo el que se les ponga enfrente.

Para su primer material retomaron las cinco composiciones originales que integraron su demo (tristemente quedó fuera el cover realizado a Fu Manchu) y las volvieron a grabar pero ahora con las bondades que implica el contar con un estudio profesional y con un productor que realmente conoce su oficio. Como añadido extra, aparecen cuatro temas inéditos pero que siguen el mismo camino trazado desde un inicio: mostrar un rock seco como desierto pero lleno de enojo y descontento que combinan bastante bien con las ilustraciones apocalípticas realizadas por Mike Sandoval para el arte del disco.

Algo que de inmediato llama la atención de la producción es que se esforzaron por mantener el sonido "natural" que se aprecia en cualquier presentación de Black Overdrive o, dicho de otra forma, aquí no hay ni una mega producción ni se buscó añadirle efectos megalomaniacos a las canciones; lo que se escucha en el CD es como realmente suena la banda en sus conciertos.

Cualquier seguidor de la banda reconocerá canciones como "Getaway" o "Doomination", de las más aplaudidas en cualquiera de sus presentaciones, que gracias a su grueso bajo y a las guitarras trepidantes de inmediato traen a la mente a grupos como Kyuss, Nebula y toda la generación norteamericana comandada por músicos como Brant Bjork surgida en el desierto californiano.

Pero, pese a que el objetivo claro fue mostrar la unión de los cuatro instrumentos de los integrantes, tampoco se desaprovechó la oportunidad para tener a un par de invitados. Para la abridora "Discord" se contó con Mosses García (Archetype y Tanus), quien realizó el machacante solo de guitarra que aparece a media canción; por otra parte, en "Garden of Deceit" la elegida fue Etell Meléndez (Archetype), quien le imprimió sus gruñidos –es literal– al tema con el que cierra la primera obra de estos dignos representantes del stoner rock mexicano que, ni por error buscan convertirse en las próximas estrellas del momento, pero lo que sí buscan es ofrecer un remedio contra el sobrevalorado y cada vez más popular tropirock.




martes, 1 de septiembre de 2015

Reseña libro: V. A. - Encore: Cuentos Inspirados en el Rock Mexicano (Resonancia Magazine, 2015)




En años recientes, con la llegada masiva de internet a México, han proliferado las revistas musicales digitales pero, una desventaja que esto ha provocado es que cantidad no es sinónimo de calidad. Si uno revisa rápidamente, la mayoría de las bitácoras electrónicas terminan siendo copias de otros sitios y, al final, lo único que cambia es el nombre porque todos se dedican a escribir de las mismas bandas de moda y no existe ningún tipo de rigor periodístico en sus textos.

Pero siempre existirán las excepciones y una de ellas es Resonancia Magazine, un sitio de internet fundado en el 2009 y que tiene como objetivo principal el difundir y dar a conocer las propuestas que, desde su perspectiva, están creando las cosas más interesantes en el mundo de la música, el cine y todo lo relacionado con el arte. Ellos entienden lo difícil que resulta ser independiente y autogestivo porque así es como funciona la página.

Como un proyecto derivado de la revista digital, el año pasado se creó Encore: Cuentos inspirados en el rock, una antología en la que periodistas y escritores dejaron volar su imaginación y, a través de la ficción combinada con la realidad, tejieron historias con el rock como hilo conductor. Para conocer más acerca del libro, aquí pueden leer una entrevista con algunos de sus autores.

Gracias a la buena recepción del público y a la nece(si)dad de Pedro Escobar, editor de Resonancia Magazine, ahora se le dio continuidad al proyecto con el libro Encore: Cuentos Inspirados en el Rock Mexicano, que como bien lo dice el título, el objetivo sigue siendo el mismo pero ahora se centraron únicamente en canciones nacionales que muestran las distintas caras del género musical que ya cuenta con poco más de medio siglo de practicarse en nuestro país. Al momento de elegir los temas musicales sobre los que se elaborarían las historias no existió ningún tipo de distinción en cuanto a la popularidad o su año de creación, es por eso que el lector podrá encontrar cuentos surgidos a partir de composiciones de La Revolución de Emiliano Zapata, La Barranca, Café Tacuba, Los Esquizitos, Los Nena, Los Monjo, Rebel Cats, Ely Guerra, Santa Sabina y Sangre Azteka, por mencionar algunos.

En total, se reúne el trabajo de 19 escritores mexicanos, dentro de los que se encuentran Armando Vega-Gil, Rogelio Garza, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Juan Carlos Hidalgo, Carlos Ramírez, Franz De Paula y Joselo Rangel, entre otros, todos con sobrada experiencia dentro de los medios de comunicación; además, cada cuento viene acompañado de ilustraciones creadas por Miguel Ángel Platón exclusivamente para este proyecto.

Sobra decir que, como todo trabajo independiente, todo se realizó de forma autogestiva y sin ningún tipo de patrocinio. El tiraje del libro está limitado a 300 ejemplares, por lo que se trata de una pieza de colección.

Ya sea a través de canciones emblemáticas del rock mexicano o de temas de los llamados de nicho, que sólo son conocidos por un mínimo número de personas, los textos reunidos en el libro nos muestran lo variopinto que es el rock mexicano y, de paso, representa un valioso esfuerzo dentro del infantil y conformista periodismo musical mexicano actual.

Para todos los interesados, el libro se encuentra a la venta a través de Kickink con envíos a cualquier parte del mundo.