miércoles, 13 de febrero de 2019

Reseña: Weird Omen - A Place I Want To Know 7" (Dirty Water Records, 2019)




Aunque resulta imposible definir con exactitud el nacimiento del garage en el mundo, la realidad es que se trata de un ritmo que continúa vigente y con representantes en la actualidad. Aunque un punto que algunos pueden considerar como negativo es la falta de innovación y rasgos distintivos.

Si bien, dentro del rock & roll energético no necesariamente es obligatorio buscar experimentar, sí ayuda para obtener un sonido diferente y distintivo. Es por eso que adquiere importancia el trabajo realizado por el trío surgido en las calles de Francia llamado Weird Omen.

Desde el nombre muestran su inclinación hacia lo extraño, pero al escucharlos se comprueba que probablemente sean la única agrupación en el mundo en adentrarse en el garage experimental.

Parte fundamental del sonido del trinomio es su atípica formación para una banda de garage. No sólo se trata de experimentados músicos sino que cuentan con experiencia obtenida en importantes agrupaciones del género. En el saxofón está Fred Rollercoaster (King Khan & The Shrines y Bee Dee Kay & The Roller Coaster), en la guitarra y voz está Sister Ray (Ray & The Dead Drums) y en la batería está Remi Pablo (integrante de Escobar y The Anomalys).

Como preámbulo a lo que será el tercer LP del trío, el sello inglés Dirty Water Records publica un 7" en el que se incluye el primer sencillo y un tema inédito.

De esta manera, "A Place I Want To Know" funciona como un tema de bienvenida a un carnaval musical de avant-garage. Mientras el saxofón puede recordar al trabajo experimental de John Zorn, la guitarra y batería de acompañamiento lo transforman en una pieza de punk.

Por su parte, la cara B contiene "Girls Are Dancing On The Highway", una composición exclusiva para esta lanzamiento. De carácter semi instrumental, es como un torbellino de fuego que de manera paulatina aumenta en intensidad hasta convertirse en un dragón que devora todo a su paso.

A diferencia de muchas agrupaciones que siguen fórmulas y jamás se salen de su zona de confort, en el caso de Weird Omen se trata de tres experimentados músicos que no temen en experimentar y llevar su trabajo hasta inesperados rincones sonoros.


martes, 12 de febrero de 2019

Reseña: Come Animal! - Me Arrancaste El Corazón (Sweet Grooves Records / Tuzz Records / Cero En Conducta Records, 2019)




Sin importar que algunos afirman que el rock está muerto y no le interesa a las nuevas generaciones, la realidad es bastante distinta. Aunque pueda no estar presente en los primeros lugares de las listas de popularidad o al frente de los festivales multitudinarios, a nivel subterráneo a diario surgen agrupaciones que lo mantienen vivo.

En ese sentido, España es una tierra fértil para el nacimiento de bandas de los diversos subgéneros de rock, en especial para las inclinadas hacia el garage. Uno de los casos más recientes es el de Come Animal!, quinteto que ha comenzado a construir su propio camino.

En la actualidad, la agrupación está conformada por Micky (voz), Julian (guitarra), Álex (bajo), Chano (batería) y Narcís (guitarra, teclados). Con dos sencillos previos, ha sido hasta este 2019 que ha visto la luz su primer LP gracias a Sweet Grooves Records, Tuzz Records y Cero En Conducta Records.

Con una filosofía basada en quitarle las complicaciones a su sonido, son uno de los tantos alumnos de los Ramones que existen. Su estilo busca transmitir energía y no mostrar elaborados solos de guitarra. Es por eso que lo más importante de sus canciones es que suenen sencillas pero potentes.

De igual forma, las letras de sus composiciones se limitan a hablar de cuestiones universales como el desamor y lo que representa ser joven. No hay lecciones de filosofía ni la intensión de querer cambiar al mundo.

Otro aspecto a destacar es que el material fue grabado en los estudios análogos de Circo Perrotti con el apoyo de Jorge Explosion. La decisión ha sido acertada porque ambas partes lograron acoplarse. 

Por una parte, en temas como "Accidente" y "No Sé Por Qué" se aprecia la cara más acelerada y explosiva del quinteto, con una potente batería y coros pegajosos sencillos de recordar. En cambio, en "Seré Joven" y "Girl" se aprecia un sonido más cercano al beat y el rock & roll de los sesentas.

Queda claro que el rock está muy lejos de morir. Existe una renovación constante y a diario aparecen agrupaciones en todo el mundo que tienen en los riffs de guitarra sus mayores armas. El álbum debut de Come Animal! es uno de los ejemplos más claros.


lunes, 11 de febrero de 2019

LAS 6 PELÍCULAS IMPERDIBLES DE FICUNAM 2019



Del 28 de febrero al 10 de marzo se realizará la novena edición de FICUNAM en la CDMX con lo más destacado del cine de autor

Pese a que en nuestro país existe una sobreoferta de festivales de cine, uno que ha logrado consolidarse en menos de una década es el Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM).

Definido como un espacio dedicado al cine de autor, su mayor característica es lo cuidado de su selección. Cada año se busca aglutinar filmes contemporáneos arriesgados, que invitan al pensamiento y la reflexión del espectador. Para complementar las proyecciones, también hay lugar para charlas, talleres, clases magistrales y mesas de diálogo con distintas personas involucradas con el mundo cinematográfico.

Pero aunque la mayoría de la programación de FICUNAM está centrada en filmes recientes, también hay lugar para rescatar obras del pasado que son merecedoras de volver a verse. Todo a través de retrospectivas y versiones restauradas.

Este año llega la novena edición de FICUNAM, a realizarse del 28 de febrero al 10 de marzo en diversos recintos de la UNAM y foros alternativos de cine. La programación incluye 139 trabajos provenientes de 40 países.

De la amplia oferta, en Música Inclasificable hicimos una selección con seis películas que resultan indispensables.


High Life, Claire Denis. Alemania-Francia-Estados Unidos-Reino Unido-Polonia, 2018, 110 min
El filme encargado de inaugurar la novena edición de FICUNAM será el trabajo más reciente del cineasta francés Claire Denis, quien se adentra en la ciencia ficción y hasta el momento ha sido bien recibido por parte de la prensa.



They Live, John Carpenter. Estados Unidos, 1988, 94 min
A través de los años, la función especial de FICUNAM al aire libre en la zona de las Islas de Ciudad Universitaria se ha convertido en un clásico. Este año se proyectará la versión restaurada de They Live del músico, cineasta y productor John Carpenter, considerado como el amo del horror.



Amalia, Omar Rodríguez-López. Estados Unidos, 2018, 97 min
Dentro de los 12 filmes que conforman la Competencia Internacional, uno a destacar es el trabajo más reciente del hiperactivo músico y cineasta Omar Rodríguez-López. Conocido por ser parte de At The Drive-In y The Mars Volta, FICUNAM tendrá el estreno en Latinoamérica de su tercer largometraje. Presentado en blanco y negro, la película combina con realidad con los sueños y la cordura con la locura.



Killing, Shinya Tsukamoto. Japón, 2018, 80 min
Dentro de la sección Atlas, conformada por 43 títulos que muestran lo más destacado del cine contemporáneo mundial, se incluye el filme más reciente del cineasta y actor japonés de culto Shinya Tsukamoto, quien se hizo de renombre dentro del underground por su aclamada trilogía de body horror/cyberpunk Tetsuo.



Dos monjes, Juan Bustillo Oro. México, 1934. 85 min
Como parte de los Clásicos Restaurados que cada año presenta FICUNAM, en esta ocasión se podrá ver una versión rescatada y remasterizada de Dos Monjes de Juan Bustillo Oro, filmada hace exactamente 85 años. El trabajo es considerado como uno de los primeros ejemplos de cine de horror realizado en México.



Retrospectiva de Alan Clarke
Como cada año, FICUNAM reconoce el trabajo de cineastas clave y de culto dentro del séptimo arte. Este año se proyectará una retrospectiva del inglés Alan Clarke, ligado con el realismo social.



Para conocer todos los detalles respecto a las fechas y horarios de las funciones recomendamos consultar la página oficial de FICUNAM y sus redes sociales.

domingo, 10 de febrero de 2019

Reseña: Snakerattlers - All Heads Will Roll (Dirty Water Records, 2019)




El rock es una carretera que cuenta con muchas desviaciones. Mientras algunos prefieren los caminos largos y complicados, otros optan por los recorridos sencillos, simples y directos. Al final se trata de llegar con seguridad al destino.

De esta manera, del lado de quienes prefieren los sonidos rudimentarios se encuentra la joven pareja inglesa Snakerattlers, conformada por Dan Oliver Gott (guitarra y voz) y Naomi Gott (batería y voz). Ambos son aficionados a los conjuntos de rock & roll sudoroso que no necesitan de mucha destreza en su ejecución. Dentro de la lista se puede mencionar a The Gories, The Cramps, The Vooduo y Stray Cats.

Por lo anterior, el sonido obtenido por la dupla contiene elementos que van del rock & roll, garage, punk y rockabilly. A pesar de lo simple del resultado, el alimentarse de diferentes fuentes le otorga un distinción y personalidad propia.

Mientras que el debut de Snakerattlers fue el álbum This Is Rattlerock (2017), ahora tienen listo su segundo trabajo que lleva por nombre All Heads Will Roll y es editado por el afamado sello Dirty Water Records.

Una guitarra oxidada y grasosa que recuerda las enseñanzas de Link Wray y una pequeña batería que confirma la frase de que "menos es más". Así se simples son los instrumentos empleados por el binomio, pero lo que realmente vale la pena es el sonido primitivo y bestial que obtienen.

La idea central es ofrecer un resultado que parezca que cualquiera puede ejecutar, aunque el secreto está en la energía y los alaridos de hombre lobo de Dan Oliver. En ese sentido, Snakerattlers recuerda en demasía a Charm Bag, otra pareja actual con la que comparten sonido. Al final, es simple y sencillamente rock & roll en su expresión más pura y directa.


jueves, 7 de febrero de 2019

Descarga: Mamvt - Mamvt (Independiente, 2018)




La música surf se encuentra en uno de sus mejores momentos y eso lo demuestra la extensa cantidad de bandas con las que cuenta alrededor del mundo. En ese sentido, España es uno de los países con mayor número de representantes y de forma constante aparecen nuevos proyectos en el panorama.

Al respecto, Mamvt es una de las caras más jóvenes y refrescantes dentro de las guitarras reverberantes en la nación europea. El quinteto originario de Valencia está conformado por Albert (guitarra), Albert (bajo), Andreu (trombón), Andreu (batería) y Àlex (guitarra).

Al analizar su formación lo que más llama la atención es la incorporación de un trombón en su sonido. No es común encontrarse agrupaciones de música surf que lo añadan de forma permanente. Respecto a instrumentos de viento, lo más común es escuchar trompetas o saxofones, pero en raras ocasiones trombones. Por lo anterior, al menos de forma ligera el sonido se acerca a lo ofrecido por los finlandeses de The Mutants y los noruegos de Los Plantronics, aunque con sus respectivas diferencias.

Por su parte, el resultado de los valencianos también ofrece ligeros guiños al reggae, aunque siempre con un ritmo relajado que asemeja el encontrarse en una playa junto a las olas del mar. Como muestra sólo es suficiente con escuchar los 10 temas que componen el álbum homónimo del combo.

Dentro de la selección aparecen seis composiciones propias y el resto son covers, aunque la característica principal es la invitación a la introspección. Pocas agrupaciones del género logran dominar los cálidos sonidos y prefieren la relajación antes que la velocidad. El caso de Mamvt es una de las escasas excepciones.

Por otra parte, la pintoresca portada fue realizada por el guitarrista Alberto y combina los moái de la Isla de Pascua con una referencia al extinto animal que bautizó a la banda.

Mientras tanto, el material se encuentra disponible de forma gratuita desde el Bandcamp de Mamvt y resulta una refrescante sorpresa dentro del competido mundo de la música surf actual.


miércoles, 6 de febrero de 2019

Reseña: Powersolo - Transfixing Motherfucker EP (Slovenly Recordings, 2019)




Dentro del mundo del rock actual existen muchos contratiempos a los que se enfrentan las bandas. Más allá de las dificultades que implica grabar un álbum, encontrar empresarios honestos y ganarse nuevos fanáticos, el mayor reto es conseguir un sonido auténtico y diferente al del resto. Son realmente pocos quienes lo consiguen.

En ese sentido, dentro del puñado de proyectos contemporáneos que realmente presentan cosas distintas se encuentra Powersolo. El dueto integrado por los hermanos Kim Kix y The Atomic Child es uno de los mayores secretos de Dinamarca.

Para algunos, el secreto de la pareja radica en tomar lo mejor del rock & roll del pasado para transformarlo en sonidos que parecen venir del futuro. Esto significa tomar un poco de Chuck Berry, Devo y The Cramps, revolverlo bien y obtener divertidas canciones directas para la pista de baile.

Otra característica de la dupla es su adicción al trabajo, lo que se traduce en la publicación constante de materiales. Su trabajo más reciente es un 7" que lleva el respaldo de Slovenly Recordings.

En este caso, la cara A está conformada por "Backstab", un tema que por momentos revive el espíritu de Lux Interior. Es simple y sencillo rock & roll con una batería al compás de 4/4 y una guitarra que no necesita de extravagancias y efectos deslumbrantes. Todo se ejecuta de la forma más precaria y por eso es imposible que falle.

A su vez, la cara B contiene "Nedtur", tema que va de la aceleración a la relajación y cuenta con la colaboración en la voz de Mads Stobberup (dueño de Mastermind Records e integrante de Klub Arrogant y Cola Freaks).

Como un pequeño adelanto de lo que será el siguiente trabajo de la dupla danesa, las dos composiciones que presentan reafirman que, en ocasiones, el sonido más sencillo es el más complicado de obtener.


martes, 5 de febrero de 2019

Reseña: Chocolate Watchband ‎– This Is My Voice (Dirty Water Records, 2019)




La década de los sesenta ha sido muy representativa por diversos factores. Uno de los mayores fue la confrontación cultural entre los jóvenes y las generaciones mayores. Dentro del ámbito musical fue claro que generó una ruptura y la aparición de la psicodelia fue una de las muestras más claras.

Al respecto, desde su aparición en 1965, Chocolate Watchband se convirtió en una referencia para la generación que buscaba un mundo libre y sin ataduras. Sus canciones lo mismo podían tener sonidos furiosos emparentados con el punk y el garage pero también experimentaban hasta acercarse al rock psicodélico.

Después de tantos años, el conjunto californiano se mantiene en activo y acaba de publicar su primer material de estudio en casi dos décadas gracias al sello inglés Dirty Water Records.

Algo a destacar es que de la generación que vio los primeros años de formación de la banda, se mantienen David Aguilar (voz, armónica), Tim Abbott (guitarra) y Gary Andrijasevich (batería). A ellos se suman músicos de diversas edades pero que probablemente todavía no habían nacido cuando Chocolate Watchband debutó en los escenarios.

La nueva aventura del conjunto estadounidense es tan arriesgada como interesante. Sin inclinarse hacia un sonido en específico, muestra un caleidoscopio de estilos. 

Como tema de inicio del material, aparece "Secret Rendezvous", una de las piezas más potentes del álbum. Su guitarra llena de fuzz hace juego con la voz de David para concebir una composición que podría firmar cualquier banda de garage conformada por veinteañeros.

A su vez, una cara completamente distinta se puede escuchar en "Bombay Pipeline", un tema instrumental protagonizado por una cítara que hace pensar en Ravi Shankar y George Harrison. La influencia oriental es demasiado clara.

Finalmente, "Take A Ride" es un rock & roll con toques de blues gracias a una armónica que se escucha a media canción. La pieza inclusive podría formar parte del catálogo de The Rolling Stones en su etapa con Brian Jones.

Contrario a muchas bandas que se reúnen para tocar sus éxitos de antaño, el caso de Chocolate Watchband es bastante distinto porque todavía tienen la capacidad para componer nuevo material. Aunque ya no sean una jóvenes que deseaban comerse el mundo, la calidad permanece intacta.


viernes, 1 de febrero de 2019

Reseña: 2Sisters - Run, Baby! Run! (Closer Records, 2018)




Con una pasión por el rock & roll ruidoso y las películas de bajo presupuesto, 2Sisters se ha posicionado como uno de los referentes dentro del ámbito musical de Francia durante la última década.

El trío formado en París en el 2009 ha logrado destacar por su incendiario sonido al estilo del primer Black Flag. Mediante canciones de muy corta duración a las que se les quita todo lo que estorba, lo que se obtiene son piezas directas que incitan al pogo.

El trabajo más reciente del trinomio es Run, Baby! Run! y fue editado por el sello galo Closer Records. A través de 14 canciones cantadas en inglés se muestra a un conjunto que podría estar emparentado con agrupaciones actuales como The Cavemen, Suicide Generation y The Anomalys.

Mediante una filosa guitarra, una batería enfurecida y una aguardientosa voz, el trío francés ofrece un omelete de punk & roll. No hay lugar para los silencios incómodos ni existen temas relajados. Todas las composiciones van a máxima velocidad para reventar tímpanos.