Reseña: Chickn - Wowsers! (Inner-Ear Records, 2018)

Dentro de las ventajas que ofrece el actual mundo globalizado destaca la facilidad con la que se puede estar al tanto de lo que sucede en cualquier rincón del planeta al momento, lo que a su vez ha facilitado el poder conocer música de los puntos más insospechados y sorprenderse de los resultados.

Con lo anterior en mente, un conjunto que ha logrado captar la atención mundial es Chickn, combo originario de Atenas surgido a finales del 2012 y que ha destacado gracias a su variado sonido que resulta de la combinación del rock ácido con la psicodelia, la improvisación del jazz, el delirio del rock progresivo y el sarcasmo al estilo de Frank Zappa.

En este caso, algunos han llegado a catalogar a Chickn como "los King Gizzard & The Lizard Wizard de la tierra de Aristóteles y Platón", descripción que no se puede considerar como exagerada porque algo tiene de cierto debido a que ambas agrupaciones comparten tanto rasgos musicales como visuales.

Para poner en contexto se debe hacer mención que Chickn es un grupo que durante sus presentaciones puede llegar a incluir hasta a 14 integrantes sobre el escenario al más puro estilo de The Polyphonic Spree, aunque la base fundamental se reduce a Angelos Krallis (voz, sintetizador, guitarra), Pantelis Karasevdas (batería, percusión, piano), Don Stavrinos (percusión), Haris Neilas (congas, bongos), Axios  Zafeirakos (bajo) y Chris Bekiris (teclado, guitarra).

Mientras que el álbum debut de este colectivo fue el material homónimo publicado en el 2016, ahora están de regreso con Wowsers!, el cual de nueva cuenta fue publicado por el sello griego Inner-Ear Records y en esta ocasión presenta nueve composiciones que muestran una variada gama de sonidos que difícilmente se puede encontrar dentro de un mismo trabajo.

Como primer sencillo de la obra se lanzó "Am I Cher", una energética pieza que combina de buena forma unas guitarras a tope de psicodelia con una sección de metales que hacen recordar los momentos más delirantes de Funkadelic. Más adelante hace su aparición "I Cry Diamonds", un viaje galáctico que si se hubiera creado décadas antes hubiera formado parte del Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Aunque el conjunto todavía es joven, su trabajo hasta el momento ha servido para catapultarlos y colocarlos como una de las máximas promesas dentro de la música europea, pero mientras se consolidan es pertinente comenzar a viajar internamente con el apoyo de las composiciones de su material.

https://www.facebook.com/chickntribe

5 TÍTULOS IMPERDIBLES DE MIC GÉNERO 2018

Dentro de la oferta que se proyectará esta edición, en Música Inclasificable destacamos 5 trabajos que no te puedes perder

Cada año, México es testigo de una inmensa cantidad de festivales y muestras de cine que se organizan en todo el territorio nacional; sin embargo, son pocos los que logran perdurar gracias a su curaduría y por mostrar filmes que difícilmente se puede observar en otros espacios o dentro de la cartelera comercial tradicional.

De esta forma, la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MIC Género) llega a su séptima edición y el objetivo sigue siendo el mismo: mostrar trabajos de los más diversos tipos que dentro de su temática promuevan la diversidad e inclusión sexual y aborden los derechos humanos desde diferentes ángulos.

Este año, MIC Género se realizará del 2 de agosto al 13 de septiembre en 5 entidades del país: Ciudad de México, Jalisco, Puebla, Veracruz y Guerrero para proyectar más de 100 cortometrajes, documentales y largometrajes.

En el caso específico de la capital mexicana, las sedes son Cineteca Nacional, CCU-UNAM José Revueltas, Museo Memoria y Tolerancia, Centro Interactivo Futura, Cinemex Reforma Casa de Arte, Goethe-Institut Mexiko, Punto Gozadera, Museo de la Mujer, Centro Cultural España, Le Cinema IFAL, Museo Archivo de la Fotografía, Faro de las Artes y Oficios Aragón, Faro de las Artes y Oficios Oriente, Centro Cultural José Martí, Islas UNAM y el Atrio San Francisco.

Dentro de su inmenso catálogo, en Música Inclasificable hicimos una selección con 5 trabajos que destacamos y recomendamos porque se encuentran ligados con diversos estilos musicales de los que solemos escribir con frecuencia, además varios de ellos son estrenos en nuestro país y ejemplifican la versatilidad de trabajos que se pueden observar en MIC Género.

Fags In The Fast Lane

Josh Sinbad Collins

Australia | 2018 | 88’ | Ficción

El cineasta Josh Collins, guionista y productor de las delirantes The Perv Parlor (1995) y Pervirella (1997), ahora está de regreso con Fags In The Fast Lane, una película de mal gusto musicalizada a ritmo de rock & roll que se ubica dentro del movimiento australiano de ultra bajo presupuesto conocido como ozploitation.

Descrita como una rock & roll road movie, la historia sigue las aventuras de una madre y su hijo que se encuentran en la búsqueda del mítico pene dorado, un tesoro que posee misteriosos secretos. Protagonizada por Kitten Natividad (ex actriz porno mexicana que estuvo casada con Russ Meyer) y los músicos King Khan y El Vez, la película también incluye un cameo de The Mummies, los amos del budget rock.

Rita, el documental

Arturo Díaz Santana

México | 2018 | 118’ | Documental

La ópera prima de Arturo Díaz Santana se centra en la vida y obra de Rita Guerrero, conocida por haber sido la cantante del grupo mexicano de rock Santa Sabina, aunque en realidad su trabajo artístico fue más amplio con la participación en teatro y el apoyo a diversos movimientos y causas sociales.

Queercore: How To Punk A Revolution

Yony Leyser

Alemania | 2017 | 83’ | Documental

Trabajo que muestra el movimiento musical, social y cultural queercore, el cual nació como una ramificación del punk y se caracteriza por su descontento con la oposición de la sociedad hacia la comunidad gay, bisexual, lésbica y transgénero.

El documental incluye entrevistas con músicos, cineastas y artistas transgresores como John Waters, Bruce La Bruce, Genesis P-Orridge, Kathleen Hanna, Kim Gordon, Peaches y Dennis Cooper, entre otros.

Brujas

Carmen Rojas Gamarra

Perú | 2017 | 50’ | Documental

Primer documental realizado por la cineasta peruana Carmen Rojas en el que se adentra en el actual movimiento hardcore-punk femenino de Madrid. El trabajo muestra la forma en que las mujeres abordan el feminismo desde diferentes perspectivas y en específico tienen dentro de sus principales influencias a Kathleen Hanna, fundadora de Bikini Kill y una de las máximas heroínas del movimiento Riot Grrrl.

Los Adioses

México | 2017 | 85’ | Ficción

Natalia Beristain

Película biográfica acerca de la vida de la escritora mexicana Rosario Castellanos, quien destacó hace más de medio siglo por su trabajo literario en una sociedad y movimiento cultural que se encontraba dominado por hombres.

Para conocer los horarios, fechas y costos de las funciones, recomendamos revisar el programa de mano y visitar la página oficial de MIC Género junto con sus redes sociales.

https://micgenero.com
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Reseña: Caníbales - Rocanrol ( The Grizzlar Coffee & Records, 2018)

Una frase que puede ser trillada pero no ha perdido validez es que el rock es una carrera de resistencia, no de velocidad. Lo anterior viene a colación porque aunque algunas personas buscan obtener el éxito fácil de manera inmediata, lo verdaderamente complicado es mantenerse vigente a lo largo de los años para no convertirse en recuerdos olvidables dentro del público.

En ese sentido, uno de los grupos mexicanos más necios y constantes que existen es Caníbales, proyecto que nació en Guadalajara hace más de una década y su objetivo central siempre ha sido ejecutar rock & roll potente y sucio. Nunca han intentado realizar combinaciones exóticas ni integrar otros estilos a su música para hacerla más digerible porque ellos son fieles creyentes de que el rock, mientras más sencillo, mejor.

Un par de guitarras, bajo, batería y voz son los elementos que describen a este cuarteto que desde su formación se ha mostrado bastante activo mediante la grabación de materiales que les han ayudado para darse a conocer no sólo dentro de Jalisco sino que también han logrado llevar su música a otras partes del país e inclusive han llegado a latitudes extranjeras.

Fue el año pasado cuando los tapatíos realizaron una pequeña gira por Canadá, lo cual no sólo les sirvió de experiencia y ganarse a nuevos seguidores sino que también ayudó para reforzar alianzas, como la establecida con el sello The Grizzlar Coffee & Records, el cual primero publicó un 7" de los mexicanos y ahora se repite la unión con el lanzamiento del nuevo EP de Caníbales.

En ocasiones los títulos de los materiales pueden ser engañosos o misteriosos, lo cual no ocurre en este caso porque Rocanrol es la mejor forma de describir el contenido musical del EP publicado en un vinilo de 12" para quien nunca ha escuchado al cuarteto mexicano.

En este caso cinco canciones son suficientes para adentrarse en el sonido de Caníbales, el cual se alimenta de conjuntos de importancia mayúscula en la historia de la música como AC/DC, Motörhead y Black Sabbath para ejecutar rock en una vertiente que evita todo tipo de complicaciones.

El tema abridor es "Ven Aquí", una pantanosa composición que presenta unos hipnóticos riffs de guitarra que sirven de complemento a la demoníaca letra cantada por Jesús Caníbal, quien cuenta con un tono de voz bastante distintivo y que hace pensar un punto medio entre un zombie y un catador de alcohol.

En el resto del material no existen variantes y "El Ombligo del Diablo" podría ser un blues electrificado compuesto por esclavos afroamericanos hace un siglo, mientras que "Electricidad" se muestra como un tema personal que relata en primera persona las aventuras que enfrentan los integrantes en cualquiera de sus conciertos.

Si bien, Caníbales es un conjunto que siempre se ha mantenido al margen de cualquier moda o movimiento popular, su incansable trabajo y necedad son sus mayores virtudes. No buscan descubrir nuevos sonidos ni mostrar un virtuosismo innecesario sino simplemente presentar rock & roll tan sencillo que cualquiera podría ejecutar.

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Reseña: Pelea De Perros - La Basura En El Ojo (Independiente, 2017)

De muchas formas vivimos en un mundo dominado por la injusticia, las situaciones violentas y la desigualdad, pero mientras algunos músicos prefieren evadir la realidad y enfocarse en otros temas que disfrazan mediante composiciones edulcoradas y sobreproducidas, existen otros como los chilenos de Pelea De Perros que gustan del rock rabioso y sin contemplaciones.

Conformado por Tomás Gálvez (voz), Álvaro Montiel Grez (guitarra y coros), Pablo Ramírez (bajo) y Guido Quintanilla (batería), la primera muestra del cuarteto fue un EP gratuito lanzado el año pasado (recomendamos leer nuestra reseña), pero ahora el grupo está de regreso con su primer álbum y en el que reafirman el sonido presentado con anterioridad.

El material contiene 10 piezas en las que muestran un estilo furibundo con una taladrante batería y letras contestatarias propias del punk en las que no temen hablar sobre la realidad que cada uno de sus integrantes enfrenta a diario.

Pero de la misma forma en que mucha de la influencia del conjunto viene de la vida diaria, también se aprecian en sus canciones muchas referencias a la literatura, desde Aldous Huxley hasta algunos fragmentos de poemas de Jorge Luis Borges y Jacob Grez Ebet, además de presentar una íntima versión de "¿Qué He Sacado Con Quererte?" de Violeta Parra, con la que cierran de manera desgarradora su primer álbum.

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Reseña: Reverend Beat-Man And Nicole Izobel Garcia ‎– Baile Bruja Muerto (Voodoo Rhythm Records, 2018)

Cuando tu plan es predicar la palabra del rock & roll y sumar a más adeptos a tu movimiento está claro que no hay forma de perder el tiempo ni tomar vacaciones y eso lo sabe muy bien el Reverend Beat-Man, uno de los mayores workaholics del mundo y quien tiene listo su nuevo material.

Fue apenas a inicios del presente año cuando el músico suizo presentó su álbum Blues Trash (recomendamos leer nuestra reseña) y ahora, de forma casi inmediata tiene listo un nuevo LP aunque ahora con la peculiaridad de que fue creado junto a Nicole Izobel Garcia, cantante y tecladista de padre mexicano pero nacida en Los Angeles y quien ahora radica en Suiza.

Ella desde muy joven se adentró en el mundo de la música y a los 16 años ya se presentaba con regularidad en distintos clubs de Los Angeles junto a su farfisa como parte de esporádicas bandas de garage, aunque posteriormente optaría por crear el proyecto llamado Manos Del Chango junto a Delaney Davidson, en el que ambos combinaban partes de punk con blues y música ranchera.

Fue en una pequeña gira por Europa que Nicole conoció al Reverend Beat-Man y la conexión fue inmediata, por lo que decidieron iniciar un nuevo dueto musical-religioso. En esta nueva faceta, él se encarga de la guitarra y batería mientras que ella toca su farfisa y ambos cantan, siempre con el fiel objetivo de esparcir su pasión por el trash punk, por lo que ambos se visten como si fueran predicadores y a mitad de cada concierto rompen una biblia.

Mientras que ambos ya han realizado varias presentaciones con este nuevo concepto, ahora se reunieron para entrar el estudio de grabación y el resultado se concretó en 11 piezas que han sido editadas por el sello Voodoo Rhythm Records.

El tema que abre el material es "Pero Te Amo (But I Love You)", el cual también aparece en el anterior álbum del Beat-Man y es una forma de unir ambos trabajos. Es con "Come Back Lord" cuando realmente se escucha una composición inédita, la cual cuenta con la voz rasposa y gangosa del músico suizo junto al psicodélico teclado de la americana, lo que provoca un filoso punk & roll.

Más adelante hace su aparición "I Never Told You", canción que es cantada por Nicole Izobel y se trata de una fina declaratoria de amor acompañada por la sencilla batería del extrovertido músico europeo.

Por su parte, en el álbum también hay lugar para los covers de los más variopintos estilos, lo cual se comprueba al escuchar "Macorina", una composición que hizo famosa Chavela Vargas, pero ahora con la voz serena y solemne de Izobel junto a la afilada guitarra del Reverend Beat-Man. Otra versión que aparece es "Love Me Two Times", uno de los temas más famosos de The Doors, pero ahora retrabajada y presentada a mínima velocidad como si se tratara de un espeso blues cantado por un condenado a cadena perpetua.

Como suele ocurrir con cualquier lanzamiento que involucre el trabajo del Reverend Beat-Man, el resultado involucra diversos estilos que se funden al punk y rock & roll, como en este caso la música ranchera, lo que genera un sonido distintivo que le otorga personalidad y lo diferencia del resto de trabajos actuales.

https://voodoorhythm.com

¡NICK CAVE & THE BAD SEEDS EN MÉXICO!

La Ciudad de México recibirá nuevamente la melancolía, elegancia y tristeza de Nick Cave & The Seeds

Uno de los principales objetivos de la música es generar sensaciones en el escucha, lo cual es logrado al instante con Nick Cave, uno de los cantantes más finos y elegantes de la actualidad, quien anunció una extensa gira por Norteamérica y América Latina, siendo la capital mexicana uno de los lugares elegidos.

En esta ocasión, el músico australiano se presentará el 2 de octubre en el Pepsi Center WTC y los boletos ya se encuentran a la venta en las taquillas del inmueble o a través del sistema Ticketmaster con los siguientes precios:

General           $940

Sección C       $800

Box superior  $1000

VIP                  $1400

Con una extensa trayectoria que tiene como punto de inicio la década de los setenta, Nick Cave se convirtió en cantante de The Birthday Party, conjunto que se mantuvo en activo de 1978 a 1983 con buenas reseñas de parte de la crítica especializada y para algunos se trata de uno de los mayores grupo de culto en el que se logró conjuntar el post rock con punk, sonidos góticos, jazz y blues.

Posteriormente nació Nick Cave And The Bad Seeds, proyecto en el que el cantante tiene el control creativo y eso se aprecia al escuchar una mayor riqueza musical que se obtiene al incorporar instrumentos como pianos, violines y teclados.

Por su parte, la característica fundamental de Nick Cave And The Bad Seeds es lo desgarrador de sus letras, las cuales suelen ser cartas personales de Cave en la que toca temas como la religión, el sentido de la vida y el fallecimiento de su hijo adolescente.

Con una larga discografía, otro rasgo distintivo de Nick Cave And The Bad Seeds es la emotividad que logran transmitir en cada una de sus presentaciones, las cuales hacen recordar a un ritual religioso por la forma que tiene Nick de entonar sus canciones y conectar con la audiencia.

Finalmente, Cave también se ha adentrado en otras ramas artísticas como la actuación y la escritura hasta convertirse en una de las personas más polifacéticas y respetadas de la actualidad.

¡MARK LANEGAN REGRESA A MÉXICO!

La deprimente y rasposa voz de Mark Lanegan azotará por segunda ocasión la Ciudad de México

Dentro del mundo del rock, una de las voces más distintivas gracias a lo fuerte y al mismo tiempo deprimente de su estilo es la de Mark Lanegan, cantante que cuenta con una trayectoria de más de 30 años y quien este año regresará a la Ciudad de México.

Será el próximo 5 de septiembre cuando el originario de Washington se presente en El Plaza Condesa para hacer un repaso de su carrera e interpretar temas de Gargoyle, su onceavo LP en solitario que fue publicado a finales del año pasado.

Los boletos para el concierto ya se encuentran a la venta en las taquillas del inmueble y a través de Ticketmaster con los siguientes precios:

Pista general $400
Balcón           $600

Fue en 1984 cuando Mark hizo su aparición en el plano musical como frontman de Screaming Trees, conjunto que por su punto de origen muchos englobaron dentro del grunge, aunque en realidad no existían demasiadas similitudes con otras agrupaciones como Nirvana o Pearl Jam.

A lo largo de 15 años el combo presentó un rock estridente que principalmente se alimentaba del hard rock, aunque algo que siempre al conjunto fue la depresiva voz de Lanegan, cercana a estilos como el blues. De forma paralela, en 1990 Mark inició con su carrera como solista con al lanzamiento de The Winding Sheet, editado por el afamado sello Sub Pop Records.

Por otra parte, el cantante también se ha dado a conocer por sus colaboraciones con otros grupos y solistas, dentro de los que destacan Queens of the Stone Age e Isobel Campbell de Belle And Sebastian.

Con un tono de voz barítono que algunos comparan con Tom Waits y Leonard Cohen, la primera ocasión que Mark Lanegan se presentó en la Ciudad de México fue en abril de 2012.

¡PUBLIC IMAGE LTD. REGRESA A MÉXICO!

La Ciudad de México recibirá a John Lydon al frente de Public Image Ltd. para celebrar los 40 años de trayectoria de la banda

Fue en el 2016 cuando Public Image Ltd. (PiL) se presentó por primera vez en la Ciudad de México y, a decir de varios de los asistentes, fue uno de los mejores conciertos del año, así que no es de extrañar el anuncio del regreso a nuestro país del conjunto inglés que redefinió el post punk hace cuatro décadas.

Será el próximo 6 de noviembre en el Pepsi Center WTC cuando el conjunto comandado por John Lydon concluirá la gira con motivo de los 40 años de la banda.

Los boletos para el concierto organizado por Noiselab ya se encuentran a la venta en las taquillas del inmueble y a través del sistema Ticketmaster y tienen los siguientes precios:

General           $850

Sección C       $750

Box superior  $1000

Zona fan         $1050

VIP                  $1450

PiL es el conjunto que formó Lydon después de su salida de los Sex Pistols aunque con radicales diferencias, siendo la más notoria el sonido más elaborado y variado que el mostrado en su proyecto anterior.

En este caso, al rock crudo le agregó dosis de dub, new wave y ritmos bailables, lo que la crítica especializada bautizó como post rock y ha sido un estilo que ha prevalecido hasta nuestros días.

Por su parte, el concierto de la Ciudad de México formará parte de la gira de los 40 años de PiL, la cual incluye la publicación de un boxset con los 10 álbumes oficiales que ha lanzado la banda a lo largo de su trayectoria, además del estreno del documental The Public Image Is Rotten dirigido por el cineasta Tabber Filler.

Reseña: Superser - Superser 7" (Sweet Grooves Records / Ulomanía Coop. / Discos Positronicos / Pelgar / Pafff Bum! / Doente, 2018)

A pesar de que el apogeo de la ciencia ficción ocurrió hace más de medio siglo, con la filmación constante de películas delirantes, cómics con historias fuera de este mundo y con escritores como Philip K. Dick, Isaac Asimov y Arthur C. Clarke en el punto más alto de sus carreras, en la actualidad existen agrupaciones musicales que buscan mantener vivo ese espíritu.

Dentro de la reciente camada de conjuntos que gustan de crearse una historia fantástica en torno a sí mismo se ubica Superser, trío español formado en el 2011 en La Coruña y dentro del que se encuentran ex integrantes de proyectos como Rock-A-Hulas y Black Jujus, aunque resulta más llamativo la forma en que ellos mismos prefieres describirse:

Os hablan tres nativos procedentes del Planeta V3.p24 en la Galaxia Fuzzmilión. Hemos llegado a vuestro planeta en el año 8942 (año 1958 de vuestra era) con la misión de implantar y extender en cachorros de raza humana la música instro-surf y garage-psych. La repercusión y éxito de nuestra misión se ha garantizado con la proliferación de humanos tan valiosos como: Link Wray, Roky Erikson, Sky Saxon, Larry Parypa, Arthur Lee, John Fleck.

De esta manera, detrás del trinomio se encuentran Luis (guitarra y voz), Juan (batería) y Dani (bajo), quienes a pesar de la biografía fantástica que describen, se inclinan hacia un rock & roll fantasmal con una fuerte carga psicodélica y un oscuro sonido como la noche misma.

Como si fueran los hijos (¿o nietos?) de Velvet Underground, sobrinos de My Bloody Valentine o hermanos menores de Black Rebel Motorcycle Club, para su primer 7" el grupo español incluyó un par de temas que funcionan como carta de presentación y comenzar a acrecentar su número de seguidores.

En primera instancia, la cara A incluye a "No Te Pires Nena", una composición que en poco más de tres minutos encapsula un sonido hipnótico que combina de forma ideal las guitarras reverberantes con una batería esquizofrénica que ataca con fiereza los oídos hasta dejarlos exhaustos.

Por su parte, la cara B muestra a "Ámame Como A Una Perra", una composición con una letra sencilla que resulta demasiado fácil de memorizar e incrustarse en los más profundo del cerebro y guarda demasiadas similitudes con el clásico "I Wanna Be Your Dog" de The Stooges.

De esta manera, la primera grabación de la banda que aterrizó en una nave espacial como la mujer que engalana la portada, incrementa las expectativas que se tienen en torno a su inminente primer LP, el cual esperamos que tarde años luz en llegar.

https://www.facebook.com/superserband

Descarga: Jo Jolisper - Buy Me My Toy! (Independiente, 2017)

Surgido en la ciudad francesa de Dijon, el dueto conocido como Jo Jolisper se ha destacado desde un inicio por su sonido que combina el rock con la vertiente más psicodélica para dar como resultado un estilo que, en buena forma, los acerca al Pink Floyd de Syd Barrett.

Conformado por Jeff (teclado y bajo) y Kévin (batería y sintetizador), el dúo lanzó a finales del año pasado el EP Buy Me My Toy!, el cual contiene cinco piezas multicolores que por momentos traen de regreso a los 13 Floor Elevators pero en otras ocasiones inclusive podrían rosar lo considerado como kitsch.

En este caso, el nuevo material al igual que sus lanzamientos previos, se encuentra disponible de manera gratuita a través de su Bandcamp y representa la posibilidad de adentrarse en sonidos que se salen de lo que actualmente predomina el panorama.

https://www.facebook.com/Jo-Jolisper-225645797634161

Reseña: The Neatbeats ‎– Operation The Beat (Soundflat Records / Majestic Sound Records, 2018)

Dentro del mundo de la música existen ciertas prácticas tan frecuentes que resultan cotidianas y una de ellas es encontrar a conjuntos que afirman "transformar" su sonido con cada nuevo lanzamiento. Ya sea evolución o experimentación, los músicos tienden a comentar que cada uno de sus álbumes incluye alguna novedad, pero pocos son los que reniegan de eso y con brutalidad honestidad exponen que todas sus grabaciones suenan exactamente igual.

De esta manera, uno de los conjuntos que cuenta con un sonido e imagen claramente definidos y nunca se ha preocupado por cambiar es The Neatbeats, formado en 1996 en la zona japonesa de Kansai.

El fundador del conjunto es Takashi "Mr. Pan" Manabe, un aficionado al rock & roll americano e inglés y en especial al sonido que reinó durante la primera mitad de los sesenta con The Who, The Kinks y The Animals. Algunos optan por llamarle merseybeat, otros beat y algunos más sólo lo catalogan como rock & roll cuadrado pero bailable.

Su afición por este tipo de música lo hizo aprender inglés e intentar emular a sus ídolos, para lo cual se rodeó de compatriotas que tuvieran gustos similares a los suyos y si eso no fuera suficiente, también adoptó la elegante vestimenta que acostumbraban los integrantes de los conjuntos mencionados, con trajes oscuros, camisetas claras, corbatas, zapatos y peinados con cera. No basta con sonar como sus héroes sino que también quería verse como ellos.

A lo largo de los años The Neatbeats ha cambiado de integrantes pero en la actualidad la formación está encabezada por Mr. Pan (guitarra, voz), además de Kazuya "Mr. Lawdy" Tosa (guitarra, voz), Dai "Mr. Gully" Ura (bajo, coros) y Takumi "Mr. Mondo" Nakamura (batería, coros).

Con una abundante discografía conformada por diversos LP's y una cantidad considerable de 7" y materiales en vivo, además de proyectos alternos como The Panasonics en el que también participa Eddie Angel (Los Straitjackets, The Neanderthals), este año llega un nuevo álbum de The Neatbeats y como es de suponerse, no presenta ningún cambio con respecto a sus trabajos previos.

Presentado en sonido monoaural y grabado con equipo análogo para buscar recrear las mismas características de los conjuntos que se encargaron de explotar el rock & roll hace más de medio siglo, el material editado por el sello alemán Soundflat Records y el japonés Majestic Sound Records incluye 16 cortas pero potentes canciones.

En esta ocasión, a las energéticas composiciones originales como "It's My Friday", "Sweet Cherry Pie" y la instrumental "Winkle Picker" se suman algunos covers como "You've Got What I Want" de The Sorrows, "You Don't Care" de Arthur Alexander y "Git It" de Bob Kelly And The Pikes.

De esta forma, con temas que suelen durar poco menos de dos minutos y que tienen la clásica pero infalible estructura verso-coro-verso, el material parece un tornado de poder que llega, ataca sin contemplaciones y desaparece con rapidez. Justo como todos los trabajos previos de los amos japoneses del rock & roll.

https://www.neatbeats.net

Reseña: Autoramas - Libido (Soundflat Records / Hearts Bleed Blue, 2018)

Brasil es el país que cuenta con la mayor biodiversidad de flora y fauna del planeta, pero también es un territorio que presenta una rica versatilidad musical con agrupaciones de diversos estilos y géneros que han surgido a lo largo y ancho de su extensa geografía, siendo uno de los casos más interesantes el de Autoramas por su peculiar estilo y el éxito internacional que ha logrado.

De esta manera, fue a finales de los noventa cuando nació este singular conjunto que siempre tuvo claro que le interesaba combinar diversos estilos que tal vez pudieran no tener muchas cosas en común, pero ya unidos dieron como resultado un sonido propio que se distingue del resto.

Dicho de otra manera, dentro de la licuadora sonora metieron partes de punk, garage, música surf, rock & roll, melodías pop y en especial mucha alegría, lo que se traduce en la fusión de los Ramones, The Cramps, Devo, The Wipeouters, B-52's, Polysics, The Sonics y Duran Duran. En la teoría puede sonar extraño mezclar todos los elementos mencionados, pero en la práctica el resultado fue exitoso.

Por su parte, otra característica fundamental del grupo es su trabajo constante, lo que se traduce en más de 50 fechas por año y giras internacionales por distintos territorios de Sudamérica, Europa, Japón, Estados Unidos y hasta México.

Ahora, el cuarteto conformado por Gabriel Thomaz (voz, guitarra), Erika Martins (voz, guitarra y teclado), Jairo Fajer (bajo) y Fabio Lima (batería), tiene listo su nuevo LP que ha sido publicado por los sellos Soundflat Records y Hearts Bleed Blue y en el que de nueva cuenta se escucha una rica fusión de elementos.

En primera instancia se tiene que hacer mención de una composición como "Ding Dong" que se trata de una de las canciones más potentes y salvajes del material al mostrar una batería cruda que ataca sin piedad al más puro estilo del punk rock callejero. Por su parte, en "Homem-Cliché" destaca una guitarra llena de reverb que al unirse con el teclado crea una cálida atmósfera playera. De forma distinta, "Para o Alto e Avante", la pieza con la que cierra el álbum, suena a un rock & roll en su vertiente más tradicional aunque con un fuzz taladrante como protagonista.

Finalmente, no se puede ignorar la futurista ilustración de portada, la cual fue realizada por el artista alemán Julian Weber, quien le supo añadir su trazo infantil con ciertas reminiscencias a la caricatura Los Supersónicos para complementar la obra más reciente del alegre cuarteto brasileño.

https://autoramasrock.com.br

Reseña: Electric Shit - Sally Mae EP (Música Para Locos Records, 2018)

Es una realidad que el sexenio que está a punto de concluir ha sido el más violento en la historia de México, aunque de forma paradójica eso pareciera no verse reflejado en el trabajo de la actual generación de músicos, quienes parecen no tener ninguna preocupación por su entorno y eso ha llevado a una proliferación de sonidos endebles y plastificados.

Pero a pesar de lo anterior resulta imposible generalizar porque siempre han existido movimientos y personas que intentan navegar a contracorriente, pese a que para algunos eso pueda ser catalogado como un suicidio comercial.

Precisamente dentro de quienes no están conformes con lo que sucede a su alrededor y lo reflejan con su trabajo musical se encuentra Electric Shit, conjunto originario del Estado de México que después de una larga espera por fin tiene listo su nuevo EP.

Fue alrededor del 2012 cuando surgieron los primeros acordes de Electric Shit, aunque su debut fue editado tres años después en un CD con un empaque que simulaba ser un vinilo de 7" (recomendamos leer nuestra reseña), pero desde entonces han ocurrido varios cambios que retrasaron el lanzamiento del nuevo material.

En primera instancia hubo un cambio de formación y ahora Electric Shit quedó establecido como un dueto conformado por Eduardo Hortiales (batería) y Marco Hortiales (guitarra y voz), hermanos que comparten la pasión por el destartalado blues y el punk rasposo, motores que forman la columna vertebral de su estilo.

Aficionados de los sonidos rudimentarios y cavernícolas, el dueto encontró cobijo en el sello Música Para Locos Records, que dentro de sus consignas establece sólo editar música en formato de vinilo o cassette y en general renegar de la tecnología hasta donde sea posible.

El resultado de la unión se tradujo en un EP de 6 canciones que fue grabado en su totalidad en cinta como acostumbraban las generaciones previas a lo que hoy se conoce como millennials, lo cual se refleja en la crudeza y baja fidelidad del sonido.

El tema abridor del trabajo es "Sally Mae", que además de darle nombre al EP también destaca por contar con la colaboración de Walter Daniels, armonicista estadounidense que dentro de su larga trayectoria ha grabado junto a Jack O' Fire, The Oblivians, Eugene Chadbourne y Guadalupe Plata. De forma paradójica, para concretar esta unión sí fue necesaria la tecnología, aunque sólo se requirió de un mensaje de Facebook para contactar al músico que radica en Texas.

De forma inmediata suena "Take My Hand", composición más cargada hacia el blues electrificado de Chicago pero con una incesante batería que taladra los oídos, mismo caso de "Tears", la pieza con la concluye la primera mitad del EP publicado exclusivamente en cassette.

Al darle vuelta, la cara B inicia con "Crows", la cual incluye como instrumentos invitados un sintetizador y percusiones a cargo de Omar Bustamante (guitarrista de Telekrimen y The Cavernarios), quien también se desempeñó como productor del material. Después sigue "The Sun", canción enérgica con ligeras reminiscencias a la era psicodélica de finales de los sesenta y en la que repiten al invitado anterior. Finalmente, "Road To Hell" es el clavo con el que cierran el féretro musical en el que le rinden pleitesía a eminencias del blues y el rock negroide como Howlin' Wolf, Bo Diddley y Muddy Waters (quienes protagonizaron la portada del primer single editado por Electric Shit).

Por otra parte, la parte negativa del material recae en lo inentendible de las canciones, todas cantadas en inglés, ante lo cual hubiera sido pertinente incluir al menos una pequeña hoja con las letras de cada una de las piezas. La actitud de una banda es importante pero no lo es todo.

Finalmente, vale la pena destacar la ilustración de portada realizada por la artista mexicana Dozergirl en la que se observan claras reminiscencias al trazo del legendario Robert Crumb, pionero del cómic underground y uno de los mayores entusiastas del blues que existen en el actual mundo globalizado, lo que hace suponer que el trabajo de Electric Shit podría ser de su agrado.

https://www.facebook.com/electricshit

HOMENAJE DE LA ORQUESTA NACIONAL DE JAZZ DE MÉXICO A JUAN GARCÍA ESQUIVEL

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Esquivel, la Orquesta Nacional de Jazz de México interpretará varias de sus creaciones

El 20 de enero de 1918 nació Juan García Esquivel, tampiqueño que durante sus primeros años de edad se trasladó a la Ciudad de México en donde se graduó como Ingeniero Electrónico, aunque su nombre quedaría inmortalizado por otras razones, entre ellas el ser uno de los pilares de la música lounge e impulsar el negocio musical mundial al inventar el sonido estereofónico.

Pese a que falleció en el 2002, una personalidad de tal magnitud requiere de la mayor cantidad de homenajes y uno de los más grandes se realizará el próximo 15 de julio para conmemorar el centenario de su nacimiento.

De esta forma, el Teatro de la Ciudad "Esperanza Iris" (Donceles #36, Col. Centro), el cual también cumple un centenario de vida, será testigo de un tributo titulado Juan García Esquivel 100 años en el que la Orquesta Nacional de Jazz de México se encargará de interpretar de la forma más fiel posible las piezas del emblemático músico.

Los boletos para esta fecha única ya se encuentran a la venta a través de Ticketmaster o en las taquillas del inmueble.

Para conocer más del concierto se puede revisar el evento oficial en Facebook.

Pese a que existen conjuntos extranjeros como Waitiki y Mr. Ho's Orchestrotica que desde hace años se han dedicado a rescatar y reinterpretar la música de Esquivel, siempre lo habían hecho con pequeños ensambles de no más de ocho miembros, por lo que ahora será la primera ocasión en que una orquesta completa de 22 integrantes dirigida por el compositor Tim Mayer ejecute varias de las piezas clave del músico mexicano.

De manera adicional, se contará con la colaboración de las cantantes Iraida Noriega, Laura Itandehui, Suzanne Long y Persi Vignola Schacht, además de que el locutor de radio y difusor de la música lounge El Muñecón será el encargado de presentar el concierto.

La intención de este homenaje no sólo será el recordar la música de Esquivel sino que el público pueda revivir de la manera más fiel lo que significaba hace más de medio siglo el asistir a uno de los conciertos del llamado “Duke Ellington mexicano”, quien con ayuda de su inmensa orquesta alcanzó su cúspide y reconocimiento popular en Las Vegas.

Por otra parte, a raíz de este concierto se han anunciado homenajes paralelos, entre ellos la editorial La Duplicadora anunció la publicación de un libro creado con la técnica de risografía en el que varios diseñadores crearon obras inspiradas por Esquivel. De pronta aparición, un adelanto del libro es una ilustración realizada por el Dr. Alderete.