Reseña: Mamba Negra - Mamba Negra (Sweet Grooves Records / Pet Sounds Records, 2020)

No importa que algunos aseguren que el rock está muerto porque eso no es verdad. De forma constante, en todos los rincones del planeta, aparecen nuevas agrupaciones que mantienen vivo al género que cuenta con más de seis décadas de historia.

En el caso de España, se trata de uno de los países con mayor tradición y predilección por el rock en todas sus formas y variantes. Uno de los ejemplos más jóvenes lleva por nombre Mamba Negra y su mayor característica es apostar por la sencillez.

El power trío originario de la ciudad de León está conformado por Seth Ferrajón (voz y guitarra), Jared Ferrajón (bajo y coros) y Jesús Salvatierra (batería y coros) y todos reniegan de la tecnología porque prefieren los sonidos imperfectos y primitivos con los que cualquier mortal se puede identificar.

Para dejar constancia de su trabajo, el tridente español presenta su primer LP con el apoyo de Sweet Grooves Records y Pet Sounds Records. Contiene una decena de temas que navegan entre el rock & roll, proto-punk y garage, además de mostrar respeto y admiración por agrupaciones como MC5, The Dictators y especialmente Dead Moon.

Con el mínimo de elementos posibles y el objetivo de que las canciones en estudio suenen igual a cualquiera de sus presentaciones, el trío muestra un estilo sin maquillaje ni trucos de estudio. Lo único que se escucha es una guitarra sudorosa acompañada de una acelerada batería, un poderoso bajo encargado de llevar el ritmo y una voz de lobo aullador que tiene una deuda pendiente con Fred Cole. No hay más porque para los integrantes, mientras más simple es mejor.

Aunque apenas se trata del primer trabajo de Mamba Negra, el resultado es bastante esperanzador. Por su estilo de ejecutar un rock & roll visceral y directo podrían ser considerados los Dead Moon de España, lo que para ellos debe ser todo un honor.

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Reseña: The Heck - Move! / Burnout 7" (Sour Bomb Records, 2020)

Pasan los años pero la energía que Henri Sulmann transmite a través de su música se mantiene intacta. Han pasado dos décadas desde que se dio a conocer con De Keefmen y The Miracle Men, pero aunque ambas bandas ya no existen, ahora continúa su legado con The Heck. Pese a que son proyectos distintos, el estilo ruidoso se mantiene.

El trío holandés cuenta con un par de sencillos (de los que ya hemos escrito aquí y aquí), además de un LP publicado por el sello inglés Dirty Water Records (del que también ya escribimos un reseña). Ahora, prácticamente sin tomar un descanso, el tridente presenta un par de canciones inéditas como adelanto de lo que será su segundo álbum.

En ese sentido, el conjunto nunca ha negado su fascinación por el rock & roll ejecutado a máximo volumen y sin complicaciones. Mientras más sencillo siempre será mejor, así como lo han demostrado desde The Sonics hasta los Ramones. Es una declaración de principios que a la fecha se mantiene presente con los holandeses.

En primera instancia, la cara A del sencillo publicado por Sour Bomb Records contiene "Move!", una pieza corta pero frenética. Arranca con una batería que marca el ritmo que se escuchará durante los siguientes dos minutos. A los pocos segundos se le suma un destructivo bajo y todo se complementa con una ruidosa guitarra y los gritos desaforados de Henri. Es la fórmula de siempre y por eso cualquier fanático de la música sudorosa puede quedar complacido.

A su vez, la cara B está conformada por "Burnout", una composición todavía más corta y acelerada que la primera. En minuto y medio alcanza a dinamitar con su sonido gritón en el que no se busca la perfección sino simplemente expulsar los sentimientos de una forma natural. 

No hay sorpresas porque con The Heck, escuchar una de sus canciones equivale a conocer toda su discografia. El objetivo de los integrantes no es mostrar un falso virtuosismo sino simplemente divertirse y hacer que quienes los escuchen pasen un rato agradable.

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Reseña: Soul Bandidos - Lo Peor De... (Sweet Grooves Records, 2020)

A lo largo y ancho de todo el territorio español siempre emergen agrupaciones de los más variados estilos de rock. Mientras que algunas tienen un discurso político o compromiso social, otras simplemente quieren hacer música divertida para bailar y eso es lo que ocurre con Soul Bandidos.

A pesar de ser un nuevo quinteto nacido en las calles de Valencia, detrás se encuentran experimentados músicos que han pasado por múltiples proyectos musicales, aunque tal vez el más importante a destacar es Cromañones donde participaron tres de los integrantes.

Con poco más de dos años de trayectoria, el nuevo combo español debuta con un 7" publicado por el sello Sweet Grooves Records. Apenas cuatro canciones son suficientes para incendiar la pista de baile a ritmo de frat rock y sonidos que evocan a las primeras bandas de rock & roll de la historia.

Un acelerado saxofón que recuerda al cuarteto barcelonés Los Mambo Jambo se coloca en primer plano como una de las características del grupo. Ejecutado por Wiso Bandido y sus incansables pulmones, es el encargado de brindar distinción al sonido.

A su vez, también se encuentran un par de festivas guitarras con todo el espíritu de The Fleshtones y un cantante que, al estilo de los Woggles, parece que está en medio de un exorcismo cuando canta. Sus gritos aulladores son los encargados de relatar divertidas historias en cada una de las canciones que contiene el sencillo.

Para ilustrar la tapa del 7" se contó con el talento de Mik Baro, quien se ha convertido en uno de los artistas preferidos de las bandas españolas de rock & roll. En este caso su trabajo muestra una fuerte influencia de las viejas caricaturas de Hanna-Barbera.

Las canciones apenas son la primera muestra de un joven conjunto que se encuentra en ascenso. Mientras llega otro single o un LP lo único que se puede hacer es escuchar su 7" debut y ponerse a bailar.

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Reseña: MFC Chicken - Fast Food & Broken Hearts (Dirty Water Records / FOLC Records, 2020)

A una década del nacimiento de MFC Chicken y convertirse en una de las agrupaciones sensación del rock & roll internacional, el combo inglés regresa con el quinto álbum de su trayectoria. Y como si los años no hubieran transcurrido, el resultado suena exactamente igual a todos sus lanzamientos anteriores.

Desde un inicio el cuarteto surgido en Londres manifestó su intención de adentrarse en el frat rock. Inclusive sus integrantes manifestaron que su objetivo era tomar la música de The Sonics y trasladarla a la actualidad.

El nuevo LP abre con "Always, Always, Always", una pieza corta que funciona como aderezo del material. Una guitarra con aroma de música surf se funde con una rítmica batería que recuerda la época dorada del R&B. Aunque en el papel protagónico se encuentra el saxofón del fundador Spencer Evoy, quien también se encarga de cantar e imprimir un estilo que se alimenta por completo de Little Richards, Fats Domino y Chuck Berry.

De forma inmediata se encuentra "KFC Called The Cops On Me". La composición que apenas llega a los dos minutos de duración se distingue por su acelerado estilo que toma elementos del swing y como ya es habitual en el cuarteto, contiene claras referencias al pollo frito, uno de los platillos más tradicionales que existen en el Reino Unido.

Otra canción a destacar es "Spy Wail" gracias a su atmósfera misteriosa que recuerda al tema principal de Pink Panther a cargo de Henry Mancini, aunque además contiene unas elegantes percusiones que la adentran todavía más en el terreno del lounge.

En total, el material editado por Dirty Water Records y FOLC Records contiene 14 composiciones propias y en ningún momento baja de nivel. Suena tan actual a pesar de estar inspirado por sonidos que tienen más de medio siglo de haber sido creados.

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Reseña: WolfWolf - Metamorphosis (Lux Noise Records, 2020)

Durante una noche de Luna llena y en medio de un ambiente oscuro y tenebroso, un par de músicos originarios de Suiza se propusieron crear una nueva banda de rock & roll. El objetivo siempre fue incorporar referencias y elementos de la cultura del horror a su sonido.

Detrás de WolfWolf se encuentra la pareja de nombre idéntico Mr. Wolf (guitarra y voz) y Mr. Wolf (batería de pie). Después de un par de álbumes en los que se dieron por su estilo definido por ellos mismos como garage-punk freak show trash'n'roll from the woods, ahora están de regreso.

El tercer LP del combo, editado por Lux Noise, mantiene el mismo estilo que los anteriores, aunque ahora se escucha una incorporación de más sonidos. La encargada de abrir el material es "Lucifer", la cual se caracteriza por su podredumbre y desesperanza junto a una deprimente voz que recuerda a Nick Cave.

A su vez, en "I Was Wrong" se aprecian los primeros destellos de rock & roll rabioso gracias a una sencilla y taladrante batería. No hay virtuosismo pero sí la intensión de provocar movimientos incesantes en los escuchas. De forma inmediata inicia "Klaus" que combina un energético punk rock junto con un teclado con reminiscencias a la música techno de los ochenta. 

Por otra parte, un cambio radical se puede escuchar en "She's A Threat", una pieza que combina el spoken word con una trompeta invitada que le imprime un ambiente circense. De igual forma, tampoco se puede ignorar "Fat Fly", una composición protagonizada por la fantasmal voz de Dieter Meier, quien en 1979 fundó el dueto suizo de new wave Yello. El resultado funciona para visitar de noche cualquier panteón o simplemente dejarse hipnotizar por el sonido de WolfWolf.

Como se puede intuir al leer los títulos de las canciones, las referencias al cine de horror o personajes de la cultura popular se mantienen a lo largo de las 12 canciones que contiene la placa.

A pesar de tener una formación con el mínimo de elementos, la experiencia ha permitido que el dueto suizo obtenga un sonido mejor cohesionado y en el que hay lugar para experimentar y así incorporar más instrumentos, aunque al final todo se trata de simplemente rock & roll peludo.

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Reseña: Perro Mojado - Prohibida La Blasfemia (Sweet Grooves Records / La Sociedad Fonográfica Subterránea / H-Records, 2020)

Hacer las cosas de la manera más simple pero con el máximo de energía es la premisa del sonido del trío español Perro Mojado. Además también destaca la furia que emana en cada una de sus composiciones.

A su vez, el conjunto destaca por su formación de dos guitarras y una batería. Con esto, se obtiene como resultado un estilo todavía más primitivo que toma los mejores elementos del garage-punk, el rock & roll y el punk rock.

Con algunos años de experiencia, el tridente formado en Granada ahora presenta su nuevo trabajo conformado por seis rabiosas canciones. La primera en sonar en "Caprichos del Director" que de inmediato capta la atención por sus rápidos rasgueos de guitarra que se combinan con una hiperactiva percusión. El resultado reafirma el por qué algunos llaman a los integrantes de Perro Mojado como "los Oblivians de Andalucía”.

Por su parte, "Los Gritos del Jueves Santo" es otro demoledor tema en el que nunca hay descanso y desde el primer segundo inicia la descarga de furia directa a los oídos. Y de manera inmediata llega "Fantomas", tal vez la pieza más acelerada gracias a su feroz batería que recuerda al estilo destripado de The Cramps y The Stooges.

Aunque no se trata de una reinvención de la música, el trío granadino se embarca en una aventura por el lado salvaje y peligroso del rock & roll. No hay más pero tampoco hay menos que eso.

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Reseña: The Ghost Wolves - Let's Go To Mars / Last Man 7" (Dirty Water Records, 2020)

En muchas ocasiones el pertenecer a una agrupación musical es similar a formar parte de un matrimonio porque se debe estar e inclusive vivir junto al resto de los integrantes. Pero también existen los compañeros de banda que deciden firmar un contrato para enlazar sus vidas.

Como el caso anterior se encuentra el dueto texano The Ghost Wolves en el que Jonathan Konya (batería y guitarra) y Carley Wolf (guitarra y voz) son marido y mujer pero además ambos forman parte de un feroz grupo de rock & roll.

A propósito del décimo aniversario de la banda, el sello inglés Dirty Water Records publica un 7" con dos temas inéditos en los que continúa la mezcla del sonido divertido de los Ramones y The Cramps junto a la oscuridad de Joy Division y la demencia de Hasil Adkins.

En la cara A se encuentra "Let's Go To Mars", un blues-punk con tintes espaciales gracias a su divertida letra que parece salida de las viejas películas de Mystery Science Theater 3000. Prevalece un sonido cuadrado y rocoso que invita a practicar el pogo mientras se escucha la canción.

Por otra parte, del otro lado del vinilo está "Last Man", una pieza mucho más relajada que muestra la faceta psicodélica del dúo. El ritmo robótico que se repite a lo largo de los dos minutos de duración es ideal para la introspección.

Con un acelerado ritmo de trabajo que incluye giras por todo el mundo y el lanzamiento constante de música, el nuevo sencillo de The Ghost Wolves reafirma la pasión de una pareja adicta al rock & roll en su vertiente más cruda y directa.

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Reseña: Joao Tomba y Las Culebras de Plutón - Joao Tomba y Las Culebras de Plutón (Sweet Grooves Records, 2019)

Después de recorrer los nada sencillos senderos del rock & roll, una gran cantidad de músicos se aburren, buscan complacer al público al cambiar de sonido o simplemente se dan por vencidos para tener una vida sin complicaciones. Son pocos los necios que se aferran a continuar por el mismo camino durante tantos años.

En ese sentido, un caso a destacar es el del hiperactivo Israel Ruiz, mejor conocido como Indy Tumbita. Su larga trayectoria incluye múltiples agrupaciones españolas como Pedrito Diablo & Los Cadáveras, Los Profesionales, Los Villanos de Boraville y Thee Tumbitas. Pero debido a que no piensa detenerse, ahora presenta el primer material de su nuevo proyecto que lleva por nombre Joao Tomba y Las Culebras de Plutón.

Al escuchar las nueve canciones que componen el trabajo publicado por el sello Sweet Grooves Records, lo primero que se aprecia es un amor total por los primeros años del rock & roll. Como si el tiempo no hubiera transcurrido, las piezas suenan como si hubieran sido grabadas por The Rolling Stones en 1965.

La abridora "Al Este del Edén" relata un viaje en automóvil a través de su ciudad natal Vigo e inclusive se escucha una referencia en la letra al clásico "In a gadda da vida" de Iron Butterfly.

A su vez, la parte más psicodélica del material se encuentra en "Heil Budah" gracias a la incorporación de un cítara que recuerda al período de experimentación de The Beatles cuando George Harrison conoció a Ravi Shankar. 

Por otra parte, a pesar de que la mayor influencia del álbum proviene de la época dorada del rock & roll, en "Adiós Julais" se muestra un peculiar experimento al tomar como base el piano de "Dont Look Back in Anger" de Oasis y transformar por completo la letra.

Fuera de toda moda pasajera, el rock & roll se ha convertido en un sonido atemporal que ha perdurado a lo largo de las décadas. A pesar del relevo generacional, siempre existen músicos interesados en investigar sobre lo que se hizo en el pasado y el resultado lo plasman en su trabajo.

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Reseña: Thee Cha Cha Chas - Running Out Of Time 7" (Soundflat Records, 2019)

En todos los rincones del mundo existen músicos que se inclinan hacia los sonidos más cavernícolas y primitivos posibles. En el caso de Australia, una de los ejemplos de más reciente creación que existe es la pareja que responde al nombre de Thee Cha Cha Chas.

El combo suele ser descrito como la fusión de un one-man-band y una one-girl-band. Con esto, lo que es claro es que se trata de una pareja aficionada al destartalado blues y al rock & roll es su faceta más simple.

Detrás de la dupla se encuentran Sonny Sanchez (guitarra, batería y voz) y Cher Kook (bajo y voz), quienes presentan su tercer lanzamiento que al igual que los anteriores está confeccionado en un 7" de pequeño tiraje.

El trabajo publicado por Soundflat Records contiene cuatro composiciones, todas originales del binomio australiano. En ellas se escucha el clásico ritmo de 4/4 que ha estado presente en el rock & roll desde su nacimiento. Aunque lo cierto es que las piezas transpiran el sudor y la energía de los integrantes. 

Con una instrumentación básica y siempre cantando a dueto, la pareja combina la energía de los Ramones, los ritmos simples de Bo Diddley y el espíritu omnipresente de Hasil Adkins.

Sin grandes complicaciones ni preocupaciones por ofrecer una solución a los problemas mundiales, la propuesta de Thee Cha Cha Chas es capaz de provocar gritos de aborígenes australianos en todos los que se aventuren a escuchar su trabajo.

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Reseña: Dead Sequoia - Dead Sequoia (Sweet Grooves Records, 2019)

Si existe un sello en España que destaque en la actualidad por la publicación constante de materiales es Sweet Grooves Records. En pocos años ha logrado una estabilidad y dar a conocer en el resto del mundo, además de siempre mostrar una inclinación hacia el rock.

Al respecto, su nuevo lanzamiento es el primer material oficial de Dead Sequoia, un cuarteto formado en 2016 en el País Vasco y el cual se destaca por su peculiar mezcla de rock & roll, punk, garage y psicodelia. Todo junto y muy bien revuelto.

El trabajo abre con "No quiero nada de ti", una furiosa pieza que le canta al desamor con el apoyo de una distorsionada guitarra y una batería que jamás pierde el ritmo. Por su parte, "Insomnio" muestra un estilo más lento y lisérgico, acompañado de un pegajoso coro que es demasiado sencillo de memorizar.

A su vez, "Amor de antro" muestra una rítmica guitarra de rock & roll que acompaña al cantante Ibai en su descripción de cómo es la vida nocturna en su natal Vitoria. Finalmente el trabajo concluye con "Me da igual", una composición que narra un día cualquiera de su integrantes pero a ritmo de punk rock sudoroso.

Además vale la pena mencionar que el argentino Martín Guevara del trío Cápsula se encargó de la grabación. Su mayor virtud fue capturar la energía de cualquier presentación de Dead Sequoia y trasladarla al estudio.

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Reseña: Televisionaries - Ram-A-Lam-A 7" (Hi-Tide Recordings, 2019)

De manera histórica Nueva York es conocido por ser uno de los estados más famosos de Estados Unidos. Dentro del campo musical destacan sus aportaciones al punk, jazz y art rock, aunque en realidad su variedad sonora es mucho más amplia.

Dentro de la música surf son pocos los representantes de Nueva York que se pueden mencionar, pero uno de los exponentes más recientes es el trío Televisionaries que ahora presenta su nuevo 7" a cargo del sello Hi-Tide Recordings.

El cuarteto originario de la ciudad de Rochester presenta en su nuevo single un estilo que se alimenta por completo de lo hecho por The Trashmen hace más de medio siglo. Con esto, se trata de rock & roll a veces instrumental y en otras con coros pegajosos que repiten una frase a lo largo de toda la canción.

En ese sentido, la cara A abre con "Bad News" y su sonido energético y festivo que invita al contoneo de caderas. La guitarra reverberante de Trevor Lake transpira la brisa del mar, mientras que el bajo de Brendan Lake es fuerte pero sin llegar al protagonismo y la batería de Austin Lake se encarga de mantener el ritmo en todo momento. A su vez, los tres integrantes se encargan de los divertidos coros al estilo de The Beach Boys.

Por otra parte, la parte instrumental del conjunto se puede apreciar en "Tokyo Swing" y su dulce melodía que recrea una cálida mañana en cualquier playa del mundo. En cambio, en "Ram-A-Lam-A" se fusiona el doo wop con el ritmo del rockabilly para ofrecer una pieza rápida de menos de dos minutos pero llena de felicidad.

Las canciones parecen perdidas en el tiempo y de no ser por la información del 7", cualquiera podría pensar que fueron grabadas hace varias décadas. El trabajo es una muestra clara de que los mejores sonidos son los que no pasan de moda porque nunca lo han estado.

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Reseña: Trixie & The Trainwrecks - Too Good To Be Blue / Get Busy Living 7" (Voodoo Rhythm Records, 2019)

La búsqueda de nuevos sonidos que en realidad parecen haber sido grabados hace décadas es una de las características del sello Voodoo Rhythm Records, fundado por el estrafalario Reverend Beat-Man. Aunque muchos de sus lanzamientos están ligados con el punk y garage, en realidad su oferta es demasiado amplia.

La disquera se ha distinguido por ser la casa de proyectos relacionados al blues y la música que imperaba en las primeras décadas del Siglo XX. Eran tiempos en los que todavía no existía el rock & roll formalmente, aunque muchos de los jóvenes de clases bajas de la época eran aficionados a relatar sus vivencias acompañados de sucias guitarras de madera.

Aunque el mundo del blues siempre ha sido dominado por hombres, también existen pocos pero destacados ejemplos de mujeres que se adentran en este campo y uno de los más recientes es Trinity Sarratt, mejor conocida como Trixie Trainwrecks.

Originaria de San Francisco, adquirió reputación cuando siendo una adolescente se mudó a Berlín. Su vida consistía en tocar su guitarra en cualquier lugar a su disposición, lo que incluía la calle y el transporte público. Eso la llevó a formar una reputación y posteriormente inició su propio proyecto de one-man-band, aunque en su caso lo correcto es one-lady-band.

Después del lanzamiento de un par de sencillo con el sello Squoodge Records, fue en el 2018 cuando se integró al catálogo de Voodoo Rhythm Records y publicó su primer LP. La diferencia es que Trixie añadió a Charlie Hangdog por su habilidad con la armónica. Así surgió una dupla de folk-blues-trash que parece salida de un viejo campo de algodón en Mississippi.

Para dar continuidad al trabajo de la pareja, ahora llega su nuevo 7" que contiene dos canciones en las que no existen variaciones con respecto al sonido de su material debut. En primera instancia destaca el trabajo de Trinity quien canta, toca la guitarra y ejecuta un destartalado bombo. Por su parte, Charlie es un hombre con una gran capacidad pulmonar, lo que le permite hacer sonar la armónica como pocos.

Para redondear en cuando al sonido, el binomio contó con un par de colaboradores para la grabación de las dos canciones. Se trata del experimentado Bruce Brand (The Headcoats, Holly Golightly, Hipbone Slim) en percusiones y aplausos. Además también aparece Alex McGowan en los coros.

El resultado ha quedado materializado en un par de piezas que no es posible determinar la época a la que pertenecen. Aunque la etiqueta diga 2019, el sonido es más cercano a lo que escuchaban los esclavos afroamericanos que se encargaron de crear los cimientos de Estados Unidos. Es una pequeña muestra de lo atemporal y universal que puede ser la música.

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Reseña: The Chickenbackers - Yeh Right, Yeah! (Soundflat Records, 2019)

El mayor anhelo de múltiples grupos musicales es que el tiempo se hubiera detenido en la década de los sesenta y justamente eso es lo que ocurre con The Chickenbackers, un novato cuarteto proveniente de Madrid aficionado al rock & roll y a la vestimenta elegante.

El conjunto representa una de las caras más frescas del actual movimiento musical de España. Tan sólo cuenta con un EP previo y ahora llega su primer álbum a través del sello alemán Soundflat Records.

En cuestión de sonido el material de 14 canciones se adentra por completo en el rhythm & beat. No hay complicaciones ni experimentaciones porque los integrantes tienen bastante claro su objetivo.

Como es natural, los únicos instrumentos que se escuchan son un par de guitarras, un bajo y una batería. Con una formación clásica el cuarteto ejecutan tanto composiciones propias como versiones, pero siempre con la idea clara de sonar como sus héroes musicales, los cuales van de The Zombies y hasta los Easybeats.

De igual manera, otra característica del LP es que todas las canciones están cantadas en inglés. Es "Because I Was Blind" la encargada de abrir el trabajo y gracias a su pegajoso coro es bastante sencilla de memorizar. A su vez, el rol de cantante se reparte entre los cuatro integrantes para obtener una interesante armonía vocal.

Por otra parte, dentro del apartado de los covers destaca la versión de "Can't Get Your Lovin'" de los Count Five. Una de las canciones más emblemáticas del primigenio garage de los sesenta no requiere cambios y por eso no los tiene. El combo madrileño la ejecuta con mínimas diferencias pero con la misma intensidad que con la que John Byrne la compuso hace más de medio siglo.

Con fuertes dosis de energía pero con un absoluto respeto por el sonido que prevaleció en el máximo apogeo de la música beat en el Reino Unido, el primer LP de The Chickenbackers reafirma que existen estilos que nunca deberían de cambiar.

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Reseña: Das Clamps - Shit Music For Shit People (Trash Wax Records / Dirty Water Records, 2019)

Existen muchas maneras de medir la relevancia de un grupo musical. Para algunos puede ser a través de las ventas de sus discos; sin embargo, otra forma de calcularlo es por medio de la fidelidad que generan entre sus fanáticos. Pueden no tener a una gran cantidad de personas pero sí a las más intensas.

En ese sentido, cuando se habla de bandas de culto, una de las primeras que se nombra es The Cramps. El conjunto liderado por Poison Ivy y el fallecido Lux Interior jamás gozó de éxito comercial ni llenaba estadios. Aunque gracias a su congruencia y necedad se convirtió en uno de los más importantes del rock subterráneo.

Su relevancia se puede apreciar en los numerosos proyectos que reconocen tener una influencia directa de su música y actitud. Dentro de los de más reciente creación se encuentra Das Clamps, un dueto femenino enfocado en interpretar ruidosas versiones de The Cramps.

Detrás del binomio se encuentran dos mujeres que radican en Londres y se declaran como devotas al rock & roll sucio, salvaje y que no le tiene miedo a las buenas costumbres. No son unas novatas en el mundo musical porque en la batería y voz está Tina Marina (integrante del combo de fratrock Oh!Gunquit), mientras que en la guitarra y voz está la española Tangerine Tassels.

El primer álbum de este proyecto acaba de ser publicado por los sellos Trash Wax Records y Dirty Water Records y desde el título hasta la portada está repleto de homenajes al cuarteto nacido en Nueva York.

En este caso, no sólo se trata de ejecutar canciones emblemáticas dentro de la discografía de The Cramps sino hacerlo con tan sólo una guitarra y una batería. Mediante el mínimo de recursos y con algunos ligeros cambios en las letras se logra un sonido todavía más primitivo que las versiones originales.

Además también se debe hacer énfasis en que no sólo se incluyen composiciones originales de The Cramps sino algunos oscuros temas de rock & roll que Lux y Poison interpretaron en su momento. Tal es el caso de "Goo Goo Muck" de Ronnie Cook & The Gaylads.

Las nueve piezas incluidas funcionan como un homenaje a una de las bandas más honestas que ha visto el rock. Aunque algunas puedan alcanzar la fama al instante, las realmente relevantes son las que logran trascender a través del tiempo.

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Reseña: Superser - Radiaciones En La Noche (Sweet Grooves Records / Pafff Bum! Discos / Ulomania Coop / Pelgar / Discos Positrónicos, 2019)

Rock & roll oscuro y pantanoso que puede llegar a provocar alucinaciones auditivas

En tiempos recientes la psicodelia ha ganado popularidad dentro de la música. Su apogeo es tan grande que inclusive existen festivales especializados en la cara más delirante del rock y eso ha derivado en la formación de diversos proyectos musicales que parten del mismo origen pero obtienen diferentes resultados.

En el caso de España, un trío con varios años de formación que se ha distinguido del resto es Superser. Detrás de su formación se encuentran ex integrantes de los Rock-A-Hulas y Black Jujus, aunque la realidad es que existe poca relación con respecto al sonido de sus proyectos previos.

En el caso de Superser se aprecian claras reminiscencias a lo practicado por agrupaciones ahora legendarias como Velvet Underground, My Bloody Valentine y Jesus & Mary Chain. Con esto, lo que se puede esperar son guitarras oscuras como la noche, baterías que se extienden durante lapsos infinitos de tiempo y un ambiente psicotrópico que inunda los oídos. 

La primera referencia del trío fue un sencillo lanzado el año pasado (recomendamos leer nuestra reseña) y ahora llega su primer LP. El resultado se traduce en ocho canciones de ritmo semi lento que tienen como objetivo el provocar alucinaciones y delirios en los escuchas.

Dentro del material aparece "Huele A Huesos", canción que no teme en extenderse durante más de seis minutos en los que se repite un sencillo riff de guitarra que se queda tatuado en el inconsciente. A su vez, "Serpiente" se acerca más al rock & roll en su formato tradicional gracias a su feroz batería que jamás pierde el ritmo y acompaña una corta frase que se repite de forma infinita. Por otra parte, "Mujer Mutante" es un blues de ultratumba que muestra una filosa guitarra que le canta al desamor. 

Con un estilo que varía de forma ligera con respecto a su 7" debut, ahora los integrantes del trío se encuentran en búsqueda de un sonido propio que no se confunda con cualquiera de las bandas que los influenciaron. Su primer LP es un homenaje a la psicodelia de principio a fin.

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Reseña: Mutagénicos - 3 (Sweet Grooves Records / Dirty Water Records / Hurrah! Música, 2019)

Rock & roll energético que llega desde España para hacer sacudir esqueletos

Renovarse o morir parece ser la mentalidad de los integrantes de Mutagénicos. Todo se puede apreciar al escuchar su nuevo material que además presenta una nueva formación de la agrupación. Ahora como trío, el conjunto expande el safari musical que emana de cada una de sus composiciones.

Fundado en el 2008, el trinomio español ahora está constituido por Afredo "Roto" (guitarra, voz y percusión), Santi "El Pequeño" (bajo, samplers y coros) y Pablo "Magariños" (batería y voz). Aunque todos ellos son adoradores del rock & roll, para su tercer LP se abrieron a otros estilos y eso se traduce en una mayor diversidad.

El primer sencillo que se lanzó fue "Actualice Su Fe", una corta pieza de poco más de un minuto de duración que coquetea con el punk, aunque su mayor acierto es el contenido de su lírica que cuestiona todas las religiones autoritarias del mundo.

A su vez, en "Idiota" existe una clara inclinación hacia el R&B con su batería rítmica y una armónica que embellece el panorama. Mientras que "Autocontrol" se adentra de lleno en el fratrock gracias a la colaboración de Dani Niño (The Limboos) en el saxofón.

Finalmente, en "Lo Que Digan De Mí" existen ciertos rezagos de su álbum anterior (recomendamos leer nuestra reseña) debido a que se escucha un theremin perdido que le ofrece una atmósfera espacial y futurística a la canción. Para reafirmar lo anterior, en "Muerte Marte" se realiza una reinterpretación del guion radiofónico de la famosa novela The War of the Worlds, con el que Orson Wells provocó miedo y temor en 1938 y se anticipó al poder de las fake news.

Con una llamativa ilustración de portada a cargo de Mikel Echandi y publicado por los sellos Sweet Grooves Records, Dirty Water Records y Hurrah! Música, el trabajo presenta a un conjunto en crecimiento constante que evita quedarse estancado en su zona de confort. El resultado es más que satisfactorio.

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Reseña: The Let's Go's - Heibon Cherry (Soundflat Records / Label 222, 2019)

Versión nipona y con estrógenos de los Ramones que además lleva en su sangre el legado de los legendarios Guitar Wolf

A nivel popular Japón es considerada como una de las naciones más avanzadas del mundo. A pesar de las diversas dificultades y derrotas que ha sufrido, se ha logrado reponer hasta ser considerado en la actualidad como un país que vive en el futuro.

Si bien, en el aspecto musical existen múltiples ejemplos de novedosos proyectos japones que se apoyan en la tecnología para crear éxitos instantáneos, también existe un llamativo movimiento subterráneo que ha logrado llamar la atención del mundo.

El documental Garage Rockin' Craze (Dir. Mario Cuzic, 2017) muestra de forma general la existencia de una creciente escena de rock & roll a lo largo y ancho del pequeño territorio japonés. Dentro de la oferta actual, uno de los grupos más contantes y de mayor crecimiento es The Let's Go.

El trío surgió en el 2006 y de inmediato ha sido considerado como una versión con estrógenos de los Ramones. El motivo es debido a sus canciones cortas, creadas con el mínimo de elementos pero llenas de energía. A pesar de estar cantadas en japonés, todas hablan de temas cotidianos, aunque al final el idioma no es barrera para disfrutar su trabajo.

Después de más de una década de darse a conocer en su país natal con la publicación de tres álbumes, este 2019 el trinomio conformado por Coco (guitarra y voz), Sakura (bajo y voz) y Mariko (batería y voz) planea traspasar fronteras y llegar todavía más lejos. Prueba de ello es la realización de su primera gira por Estados Unidos para presentar su cuarto material de estudio que es editado en vinilo por el afamado sello alemán Soundflat Records.

Detrás de Heibon Cherry se encuentran 12 temas de puro rock & roll energético y gritón que suenan a la porra de cualquier equipo de fútbol. Aunque para el mundo occidental resulta imposible de entender lo que cantan, el sentimiento que le imprimen a su trabajo es lo que lo vuelve disfrutable.

El primer sencillo que se desprende del material es "Kaiju Let's Go's", una explosiva pieza de poco más de un minuto de duración que toma como influencia a los monstruos de grandes dimensiones que forman parte de la cultura popular japonesa e inclusive cuenta con un divertido video.

A su vez, "Highball" suena al rock & roll clásico que Chuck Berry y Bo Diddley masificaron hace más de 60 años. Por su parte, "Lovesong Nightmare" y "Teenage Monster" son furiosos ejemplos de punk & roll más cercano al trabajo de sus compatriotas The 5,6,7,8's.

Y como dato final es necesario agregar que la bajista Sakura es hija de Seiji, el guitarrista y fundador de los dioses del rock & roll japonés Guitar Wolf. Con esto se puede afirmar que, de forma literal, en The Let's Go's el rock se encuentra en sus venas y eso queda demostrado en cada canción.

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