Reseña: The Electric Mess - V (Soundflat Records, 2020)

Ya ha transcurrido más de un década desde que cinco amigos de Nueva York se reunieron para formar una nueva banda. La idea original fue crear un proyecto inclinado hacia el punk y el garage con sonidos que mostraran el enojo e inconformidad de los integrantes.

El resultado se materializó en The Electric Mess, que a la fecha cuenta con cuatro materiales (de los cuales hemos escrito reseñas de los dos más recientes aquí y aquí) en los que siempre se mostró el rostro más salvaje de la banda.

El frenético ritmo de trabajo del quinteto no permite los descansos y ahora llega el nuevo LP de los neoyorquinos a través del sello alemán Soundflat Records. Aunque a diferencia de sus álbumes previos, el sonido es muchos más relajado e introspectivo.

La primera canción en sonar es "Too Far", una pieza melacólica que hace pensar en los primeros discos de R.E.M. y los más recientes de The Cynics. También se escucha impregnada una fuerte dosis de pop psicodélico con un colorido teclado y unos contagiosos coros.

Por su parte, en "Cesspol" y "City Sun" hay otra variante en el sonido y ahora existe una incursión en el new wave ochentero al estilo de The Cars y Devo. El único elemento que permanece sin cambios es la distinguida voz de Esther Crow que guardas fuertes similitudes con Nico durante su etapa con Velvet Underground.

A su vez, para quienes extrañen el sonido al que tenía acostumbrado The Electric Mess en sus trabajos previos, se puede escuchar "Speed of Light", un tema plagado del estilo clásico del rock & roll en el que menos siempre es más. 

Pero es en "Before the World Blows Up" donde mejor se aprecia un regreso a los primeros materiales del quinteto. La rabiosa batería se combina con un frenético teclado y los gritos furibundos de Esther que la convirtieron en una de las embajadoras actuales del garage-punk.

Con la idea de evitar repetirse y buscar adentrarse en nuevos terrenos, el quinto LP de The Electric Mess es el más relajado y variado de su carrera. Para los que busquen velocidad y furia lo mejor es escuchar cualquiera de sus álbumes anteriores.

https://www.theelectricmess.com

Reseña: Total Rejects - Total Rejects (Slovenly Recordings, 2020)

En cualquier país en el que existan injusticias e inconformidad siempre habrá punk. Por eso es mucho más que un género musical que ha logrado superar la barrera del tiempo y se mantiene vigente hasta nuestros días con presencia global.

Alrededor del mundo existen múltiples disqueras enfocadas en lo que cada una considera punk, aunque una de las más relevantes por su arriesgado trabajo es Slovenly Recordings. Además de organizar festivales en lugares inhóspitos como Vietnam y Puerto Rico también se encuentra en la búsqueda constante de nuevas bandas por todo el planeta.

Derivado del apetito por conocer propuestas de sitios que resultan alejados para la mayoría de los habitantes de Occidente, la búsqueda llevó hasta Rusia y el insalubre cuarteto de punk rock callejero Total Rejects.

Aunque se pueda vivir en un mundo por completo diferente e inclusive hablar otro idioma, al final siempre van a existir ciertas similitudes. En este caso se trata de la pasión por la diversión, el alcohol y la música acelerada y ruidosa.

El primer álbum del combo originario de Moscú ofrece 12 piezas (más un prólogo y un epílogo) de absoluta destrucción sonora. No hay contemplaciones ni limitaciones. Las guitarras saturadas, una batería rudimentaria y los gritos esquizofrénicos son las constantes de todo el material. 

Además de las composiciones propias también destacan los covers de "4-Track Blues" de The Creeteens, "So Tired" de The Fatals y "КРЫСА" de 4 ТАРАКАНА. 

No importa el idioma en el que cante la agrupación porque al final son inentendibles los aullidos del vocalista. La energía es la verdadera protagonista de la música y es tan contagiosa que puede ser disfrutada por cualquier persona sin importar su nacionalidad.

https://www.facebook.com/TotalRjects

Reseña: The Smoggers - Lo Que Daría Yo / Recuerdos Para Mí 7" (Soundflat Records, 2020)

Para refrendar su título como la banda de garage-punk más trabajadora y prolífica de la actualidad, el combo español The Smoggers presenta dos temas inéditos que son perfectos para todos los aficionados a las guitarras con fuzz y los teclados hipnóticos.

Con una pequeña trayectoria de poco más de una década, el quinteto no sabe el significado de las vacaciones y por eso permanece en gira constante por toda Europa. Y cuando se terminan los conciertos es momento de encerrarse en el estudio de grabación para dejar constancia de su trabajo.

Apenas a finales del año pasado fue el lanzamiento de su cuarto álbum, Get Stoned On Fuzz (del que ya escribimos una reseña), y ahora de manera inmediata ya está listo un nuevo 7" con el sello alemán Soundflat Records.

En este caso, la agrupación muestra un par de temas cantados en español en los que no existen sorpresas y experimentaciones innecesarias. Es la misma fórmula del rock & roll que afirma que mientras más simple es mejor.

La cara A contiene "Lo Que Daría Yo", la cual arranca con un bajeo fantasmal que acapara la atención. Es la primera invitación a perder el control por parte del quinteto español. De forma paulatina se integran los demás instrumentos hasta formar un banquete sonoro. De forma irónica, la letra habla sobre recuperar un amor perdido.

Al girar el vinilo se puede escuchar "Recuerdos Para Mí", otra composición inédita que arranca con los característicos gritos demenciales de Fernando para dar paso a unos salvajes riffs de guitarra y una armónica incendiaria que complementan la pieza.

Para quienes ya conocen a The Smoggers no se van a sentir decepcionados porque es el sonido de siempre con la distorsión y volumen que caracteriza a la banda. Y para los que apenas descubren al combo europeo, lo que pueden tener por seguro es que tienen enfrente a uno de los máximos representantes del garage de los últimos años.

https://www.facebook.com/The-Smoggers-168631466492498

Reseña: Mamba Negra - Mamba Negra (Sweet Grooves Records / Pet Sounds Records, 2020)

No importa que algunos aseguren que el rock está muerto porque eso no es verdad. De forma constante, en todos los rincones del planeta, aparecen nuevas agrupaciones que mantienen vivo al género que cuenta con más de seis décadas de historia.

En el caso de España, se trata de uno de los países con mayor tradición y predilección por el rock en todas sus formas y variantes. Uno de los ejemplos más jóvenes lleva por nombre Mamba Negra y su mayor característica es apostar por la sencillez.

El power trío originario de la ciudad de León está conformado por Seth Ferrajón (voz y guitarra), Jared Ferrajón (bajo y coros) y Jesús Salvatierra (batería y coros) y todos reniegan de la tecnología porque prefieren los sonidos imperfectos y primitivos con los que cualquier mortal se puede identificar.

Para dejar constancia de su trabajo, el tridente español presenta su primer LP con el apoyo de Sweet Grooves Records y Pet Sounds Records. Contiene una decena de temas que navegan entre el rock & roll, proto-punk y garage, además de mostrar respeto y admiración por agrupaciones como MC5, The Dictators y especialmente Dead Moon.

Con el mínimo de elementos posibles y el objetivo de que las canciones en estudio suenen igual a cualquiera de sus presentaciones, el trío muestra un estilo sin maquillaje ni trucos de estudio. Lo único que se escucha es una guitarra sudorosa acompañada de una acelerada batería, un poderoso bajo encargado de llevar el ritmo y una voz de lobo aullador que tiene una deuda pendiente con Fred Cole. No hay más porque para los integrantes, mientras más simple es mejor.

Aunque apenas se trata del primer trabajo de Mamba Negra, el resultado es bastante esperanzador. Por su estilo de ejecutar un rock & roll visceral y directo podrían ser considerados los Dead Moon de España, lo que para ellos debe ser todo un honor.

https://www.facebook.com/LeonMambaNegra

Reseña: The Heck - Move! / Burnout 7" (Sour Bomb Records, 2020)

Pasan los años pero la energía que Henri Sulmann transmite a través de su música se mantiene intacta. Han pasado dos décadas desde que se dio a conocer con De Keefmen y The Miracle Men, pero aunque ambas bandas ya no existen, ahora continúa su legado con The Heck. Pese a que son proyectos distintos, el estilo ruidoso se mantiene.

El trío holandés cuenta con un par de sencillos (de los que ya hemos escrito aquí y aquí), además de un LP publicado por el sello inglés Dirty Water Records (del que también ya escribimos un reseña). Ahora, prácticamente sin tomar un descanso, el tridente presenta un par de canciones inéditas como adelanto de lo que será su segundo álbum.

En ese sentido, el conjunto nunca ha negado su fascinación por el rock & roll ejecutado a máximo volumen y sin complicaciones. Mientras más sencillo siempre será mejor, así como lo han demostrado desde The Sonics hasta los Ramones. Es una declaración de principios que a la fecha se mantiene presente con los holandeses.

En primera instancia, la cara A del sencillo publicado por Sour Bomb Records contiene "Move!", una pieza corta pero frenética. Arranca con una batería que marca el ritmo que se escuchará durante los siguientes dos minutos. A los pocos segundos se le suma un destructivo bajo y todo se complementa con una ruidosa guitarra y los gritos desaforados de Henri. Es la fórmula de siempre y por eso cualquier fanático de la música sudorosa puede quedar complacido.

A su vez, la cara B está conformada por "Burnout", una composición todavía más corta y acelerada que la primera. En minuto y medio alcanza a dinamitar con su sonido gritón en el que no se busca la perfección sino simplemente expulsar los sentimientos de una forma natural. 

No hay sorpresas porque con The Heck, escuchar una de sus canciones equivale a conocer toda su discografia. El objetivo de los integrantes no es mostrar un falso virtuosismo sino simplemente divertirse y hacer que quienes los escuchen pasen un rato agradable.

https://www.theheck.nl

Reseña: Moron's Morons - Looking For Danger (Slovenly Recordings, 2020)

En un intento por encontrar a las bandas más ruidosas y salvajes del mundo, el sello Slovenly Recordings edita por primera vez a un grupo de Polonia, país que hoy goza de riqueza y prosperidad pero eso no significa que todos sus habitantes aspiren a llevar una vida tranquila y alejadas de vicios.

Dentro de la nación existen cuatro jóvenes aficionados al punk descarnado y la música sudorosa que decidieron crear su propio proyecto. Ya con el nombre de Moron's Morons se han dedicado a tocar en todo tipo de escenarios subterráneos e insalubres de su tierra natal. Y precisamente ahora muestran su primer álbum que desde el título deja en claro que disfrutan del peligro.

El cuarteto conformado por quienes responden a los nombres de Lawless Dick Stingher, John Pauly Shore II, Philo Phuckphace y Turd Awesome no teme en reconocer a G.G. Allin, The Stooges, The Rip-Offs y los nipones de Teengenerate como sus máximas influencias y principales ejemplos a seguir. Inclusive si ellos no lo dijeran, desde el primer momento en que se escuchan sus canciones resulta bastante obvio.

El material conformado por 13 composiciones es directo y sin contemplaciones. Todas las piezas muestran un sonido acelerado y frenético en el que no existe la perfección. Es puro punk & roll ejecutado con el objetivo de romper tímpanos y sacudir esqueletos.

De manera similar a sus compañeros de diquera, The Cavemen, el combo polaco se destaca por ofrecer música para delincuentes juveniles. No hay baladas ni voces educadas sino canciones hiper aceleradas y gritos de cavernícolas modernos que tienen el único objetivo de hacerte pasar un rato agradable mientras te acabas tu cerveza.

https://www.facebook.com/moronsmoronspunk

Reseña: WolfWolf - Metamorphosis (Lux Noise Records, 2020)

Durante una noche de Luna llena y en medio de un ambiente oscuro y tenebroso, un par de músicos originarios de Suiza se propusieron crear una nueva banda de rock & roll. El objetivo siempre fue incorporar referencias y elementos de la cultura del horror a su sonido.

Detrás de WolfWolf se encuentra la pareja de nombre idéntico Mr. Wolf (guitarra y voz) y Mr. Wolf (batería de pie). Después de un par de álbumes en los que se dieron por su estilo definido por ellos mismos como garage-punk freak show trash'n'roll from the woods, ahora están de regreso.

El tercer LP del combo, editado por Lux Noise, mantiene el mismo estilo que los anteriores, aunque ahora se escucha una incorporación de más sonidos. La encargada de abrir el material es "Lucifer", la cual se caracteriza por su podredumbre y desesperanza junto a una deprimente voz que recuerda a Nick Cave.

A su vez, en "I Was Wrong" se aprecian los primeros destellos de rock & roll rabioso gracias a una sencilla y taladrante batería. No hay virtuosismo pero sí la intensión de provocar movimientos incesantes en los escuchas. De forma inmediata inicia "Klaus" que combina un energético punk rock junto con un teclado con reminiscencias a la música techno de los ochenta. 

Por otra parte, un cambio radical se puede escuchar en "She's A Threat", una pieza que combina el spoken word con una trompeta invitada que le imprime un ambiente circense. De igual forma, tampoco se puede ignorar "Fat Fly", una composición protagonizada por la fantasmal voz de Dieter Meier, quien en 1979 fundó el dueto suizo de new wave Yello. El resultado funciona para visitar de noche cualquier panteón o simplemente dejarse hipnotizar por el sonido de WolfWolf.

Como se puede intuir al leer los títulos de las canciones, las referencias al cine de horror o personajes de la cultura popular se mantienen a lo largo de las 12 canciones que contiene la placa.

A pesar de tener una formación con el mínimo de elementos, la experiencia ha permitido que el dueto suizo obtenga un sonido mejor cohesionado y en el que hay lugar para experimentar y así incorporar más instrumentos, aunque al final todo se trata de simplemente rock & roll peludo.

https://www.wolfwolfband.com

Reseña: The Monsters - I'm A Stranger To Me / Carpool Lane 7" (Slovenly Recordings, 2020)

Se suele decir que dentro de géneros como el garage-punk lo que más importa es la actitud. Aunque es cierto, tampoco se puede pasar por alto que un error que cometen muchos es la falta de identidad. A la fecha son pocas las bandas del estilo que tienen un sonido que los distingue del resto.

Al respecto, una agrupación que cuenta con una larga trayectoria y ha conseguido obtener un sello propio es el quinteto suizo The Monsters. Lo cierto es que buena parte ha sido gracias a su líder y fundador, el Reverend Beat-Man, quien cuenta con un carisma único y una rasposa voz imposible de imitar.

La agrupación también se destaca por su frenético estilo de trabajo. Sus constantes giras han servido para llevar la música del combo a los rincones más lejanos del mundo. Pero ahora ha logrado un nuevo logro porque por primera ocasión uno de sus lanzamientos es editado por el afamado sello Slovenly Recordings, especializado en el rock ruidoso que genera dolores de cabeza.

El nuevo 7" contiene dos temas inéditos, pero si algo se debe dejar en claro es que ambos contienen el mismo sonido de lija que ha distinguido al conjunto europeo. No hay experimentaciones ni evoluciones porque cuando algo está bien hecho no hay necesidad de modificarlo.

En la cara A se escucha "I'm A Stranger To Me", un tema feroz y agresivo de apenas un par de minutos pero que explota desde el primer segundo. No existe una tediosa introducción ni una elaborada letra porque todo es directo. Es un derechazo directo a la quijada con una batería roñosa difícil de sacar de los oídos.

Pero una vez que se supera el primer golpe llega "Carpool Lane", una pieza con un sonido oscuro que podría confundirse con cualquier trabajo de Black Sabbath, aunque sólo se trata de un disfraz. A lo largo de más de cuatro minutos se escuchan los berridos del estrafalario cantante quien repite una y otra vez el título de la canción.

Aunque la edición convencional es editada en un 7" de pequeño tiraje, también existe otra versión de colección. Se trata de un cassette que incluye las dos composiciones mencionadas junto a una selección de temas de los álbumes Pop Up Yours (2011), M (2016) y Birds Eat Martians (1998).

Guitarras tan rabiosas que escupen espuma y gritos ensordecedores que provocan zumbidos en los oídos. Así es la forma más sencilla en que se puede describir el sonido de una de las agrupaciones más importantes del garage-punk contemporáneo.

https://www.themonsters.ch

Reseña: Perro Mojado - Prohibida La Blasfemia (Sweet Grooves Records / La Sociedad Fonográfica Subterránea / H-Records, 2020)

Hacer las cosas de la manera más simple pero con el máximo de energía es la premisa del sonido del trío español Perro Mojado. Además también destaca la furia que emana en cada una de sus composiciones.

A su vez, el conjunto destaca por su formación de dos guitarras y una batería. Con esto, se obtiene como resultado un estilo todavía más primitivo que toma los mejores elementos del garage-punk, el rock & roll y el punk rock.

Con algunos años de experiencia, el tridente formado en Granada ahora presenta su nuevo trabajo conformado por seis rabiosas canciones. La primera en sonar en "Caprichos del Director" que de inmediato capta la atención por sus rápidos rasgueos de guitarra que se combinan con una hiperactiva percusión. El resultado reafirma el por qué algunos llaman a los integrantes de Perro Mojado como "los Oblivians de Andalucía”.

Por su parte, "Los Gritos del Jueves Santo" es otro demoledor tema en el que nunca hay descanso y desde el primer segundo inicia la descarga de furia directa a los oídos. Y de manera inmediata llega "Fantomas", tal vez la pieza más acelerada gracias a su feroz batería que recuerda al estilo destripado de The Cramps y The Stooges.

Aunque no se trata de una reinvención de la música, el trío granadino se embarca en una aventura por el lado salvaje y peligroso del rock & roll. No hay más pero tampoco hay menos que eso.

https://www.facebook.com/perromojadopunk

Reseña: Biznaga - Gran Pantalla (Slovenly Recordings, 2020)

Con una trayectoria que ha mostrado un crecimiento constante gracias a la perseverancia, el cuarteto español Biznaga (al cual ya entrevistamos) tiene listo su tercer LP. El trabajo repite el energético sonido acompañado de elaboradas letras que combinan la crítica social con metáforas filosóficas.

A pesar de que han transcurrido tres largos años desde su álbum anterior, en realidad el conjunto siempre se ha mantenido en activo. Sus presentaciones a lo largo de Europa y un par de giras por México (aunque pronto serán tres gracias a su participación en el Vive Latino 2020) así lo demuestran.

Pero ahora, el combo conformado por integrantes de Málaga y Madrid muestra su disco más ambicioso y elaborado a la fecha. Los propios miembros han dejado en claro que se trata de un álbum conceptual. En esta ocasión todo gira en torno al poder que tienen los medios de comunicación sobre la población. Antes era a través de la televisión pero hoy lo ejercen por medio de cualquier dispositivo móvil.

Como primer sencillo se lanzó el tema "2K20" y es precisamente el que mejor resume la idea del trabajo. La letra furiosa es bastante directa al comparar a la Gran Pantalla con Dios gracias a que es omnipresente. 

A su vez, un aspecto que se repite en las 12 canciones es la rabiosa voz de Álvaro. Su estilo de escupir sus pensamientos ya es una de las máximas cualidades del cuarteto. 

Por otra parte, otra de las características del combo es la forma en que reducen complejas ideas en frases cortas pero contundentes. En el caso de "Atentado" el coro afirma: "decir la verdad no es un atentado" y hace una invitación a siempre ser franco y honesto.

En cambio, en "Libertad Obligada" se aborda la feliz esclavitud en la que viven todos los que no pueden despegarse de sus teléfonos. Aunque en esta ocasión el tema muestra un sonido oscuro similar al de bandas de los ochenta como Parálisis Permanente y The Cure.

Pese a todos los cambios, también hay elementos que se repiten con respecto a su disco anterior. De nueva cuenta el álbum fue masterizado por Tim Warren (fundador de Crypt Records) y es editado por Slovenly Recordings.

Si bien, existen distintas formas de entender el punk en la actualidad, los integrantes de Biznaga destacan por evitar el camino fácil. Las canciones tienen la misma energía que las hechas por otras agrupaciones del género, pero la mayor diferencia radica en la construcción de las letras. No es simplemente verso-coro-verso sino que existe una preocupación real por transmitir mensajes que inviten al pensamiento y la crítica.

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Reseña: Dead Sequoia - Dead Sequoia (Sweet Grooves Records, 2019)

Si existe un sello en España que destaque en la actualidad por la publicación constante de materiales es Sweet Grooves Records. En pocos años ha logrado una estabilidad y dar a conocer en el resto del mundo, además de siempre mostrar una inclinación hacia el rock.

Al respecto, su nuevo lanzamiento es el primer material oficial de Dead Sequoia, un cuarteto formado en 2016 en el País Vasco y el cual se destaca por su peculiar mezcla de rock & roll, punk, garage y psicodelia. Todo junto y muy bien revuelto.

El trabajo abre con "No quiero nada de ti", una furiosa pieza que le canta al desamor con el apoyo de una distorsionada guitarra y una batería que jamás pierde el ritmo. Por su parte, "Insomnio" muestra un estilo más lento y lisérgico, acompañado de un pegajoso coro que es demasiado sencillo de memorizar.

A su vez, "Amor de antro" muestra una rítmica guitarra de rock & roll que acompaña al cantante Ibai en su descripción de cómo es la vida nocturna en su natal Vitoria. Finalmente el trabajo concluye con "Me da igual", una composición que narra un día cualquiera de su integrantes pero a ritmo de punk rock sudoroso.

Además vale la pena mencionar que el argentino Martín Guevara del trío Cápsula se encargó de la grabación. Su mayor virtud fue capturar la energía de cualquier presentación de Dead Sequoia y trasladarla al estudio.

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Reseña: Midnite Snaxxx - Music Inside (Slovenly Recordings, 2019)

Si por algo se caracteriza el sello americano Slovenly Recordings es por publicar a bandas que no necesariamente pertenecen a un género en específico. Aunque la constante en la mayoría de su catálogo es el punk caótico, también hay lugar para grupos inclinados hacia el pop bien entendido.

La muestra más clara es el nuevo trabajo de Midnite Snaxxx, proyecto originario de Oakland, California, que cuenta con alrededor de una década de trayectoria. Desde un inicio ha sido criticado porque para algunos es demasiado dulce para ser punk, mientras que otros afirman que es muy ruidoso para ser una banda plástica.

Lo cierto es que el conjunto siempre se ha distinguido por su combinación de canciones llenas de poder pero con coros pegajosos. Al final su estilo se alimenta directamente de lo que hacían los Ramones.

Ahora el cuarteto presenta su tercer LP en el que se escucha en primer plano la voz aguda e inconfundible de Dulcinea. Para complementar a la banda están Chris (guitarra), Camylle (bajo) y Sammy (batería). Lo que se obtiene como resultado es un furioso pero amigable sonido.

Dentro del disco destaca "Gold Chains" por su estilo duro y cercano al llamado post punk aunque sin su pesimismo. Se trata de una pieza que muestra a una versión feliz de Joy Division.

Por otra parte, en "Cyborg" se siente una inclinación hacia el hardcore-punk por el estilo agresivo y destructivo de la canción, además de su fugaz duración que apenas llega a los 40 segundos.

Más adelante está "I Just Need Myself" con un estilo rabioso pero contenido hacia el rock & roll al estilo de Joan Jett y Debbie Harry en los primeros años de Blondie.

Sin adentrarse por completo en un género musical, Midnite Snaxxx simplemente es una banda de rock & roll. No existe un compromiso por cambiar el mundo pero tampoco es música plastificada.

https://www.facebook.com/Midnite-Snaxxx-105627569476640/

Reseña: The Routes - Tune Out, Switch Off, Drop In (Groovie Records, 2019)

Dentro del garage-punk de años recientes existe un nombre que destaca y es Chris Jack. El motivo es porque se trata de una de las personas de mayor actividad en la música. Así lo demuestran sus constantes lanzamientos y presentaciones con su banda The Routes.

El multiinstrumentista de origen británico pero que ahora radica en Japón no parece querer cambiar su estilo de vida. Por eso es que ahora presenta el nuevo álbum de su banda y en el que se mantienen las guitarras fuertes y distorsionadas, aunque también existen algunos cambios.

En primer lugar, Chris se encargó de la guitarra y el bajo en el estudio, mientras que su compatriota Bryan Styles es el que ejecuta la batería. La pareja grabó una decena de composiciones propias que son las que conforman el séptimo LP de The Routes en su breve trayectoria de poco más de una década.

Al escuchar el material lo primero que se puede afirmar es que es el trabajo con mayor carga de psicodelia de su discografía. Desde los primeros riffs de la abridora "The Ricochet" se siente un ambiente delirante e inclusive el ritmo lento y repetitivo se adentra en el krautrock.

Por su parte, "The King Of Loose Ends" es una pieza mucho más cercana al garage-punk de los materiales anteriores del conjunto. La guitarra con fuzz, la voz aguardientosa con aroma a alcohol y una potente batería son los elementos que la identifican.

El hecho de que el disco muestre una tendencia hacia la lisergia no es algo accidental. El propio Chris he declarado que el título del material hace referencia al álbum Turn On, Tune In, Drop Out que grabó el escritor y promotor de los alucinógenos Timothy Leary en 1967. Inclusive la portada de este nuevo lanzamiento es prácticamente la misma que la del material citado.

Con lo anterior en mente, se entiende de mejor forma el resultado final de este LP editado por el sello portugués Groovie Records. De hecho, en "When You Come Down" y "Thinner Everyday" se escucha una fuerte influencia del shoegaze de los ochenta con los sonidos oscuros de My Bloody Valentine, The Jesus And Mary Chain y Slowdive.

Más allá del prolífico trabajo de The Routes, algo que se debe de agradecer del grupo es que evita permanecer estancado o repetir la misma fórmula una y otra vez. Salir de la zona de confort es uno de los retos que muy pocos músicos se atreven a enfrentar.

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Reseña: The Cavemen - Night After Night (Slovenly Recordings, 2019)

Existen cosas que nunca van a cambiar y una bastante clara es el sonido de The Cavemen. En cuestión de un lustro el cuarteto originario de Nueva Zelanda se ha convertido en uno de los mayores referentes del punk & roll mundial. 

A pesar de la vida de excesos que llevan sus integrantes, su compromiso con la música se mantiene presente. El resultado es un estilo de vida que se divide entre estar de gira por todo el planeta y la publicación constante de nuevo material.

Apenas durante este año el cuarteto publicó un sencillo (recomendamos leer nuestra reseña) y colaboró en una compilación del sello Dirty Water Records (aquí se puede leer nuestra reseña), pero ahora llega su flamante cuarto LP, que al igual que el anterior es publicado por el sello especializado en sonidos ásperos Slovenly Recordings.

Con el título directo de Night After Night, que describe cómo es vivir el rock & roll hasta sus máximas consecuencias, el material contiene 13 ruidosas composiciones que huelen a cerveza y transmiten el sudor que se vive en cualquier presentación de estos cavernícolas modernos.

La fórmula es tan sencilla que parece que cualquiera la puede replicar, pero tal y como lo demostraron los Ramones, en el rock no siempre destaca el que toca más rápido o mejor porque existen aspectos elementales como la actitud y la congruencia que no todos dominan.

Con una voz similar a lo que sucedería si alguien basa su alimentación en comer vidrios rotos, Paul Froggatt convierte sus gritos en una de las marcas inconfundibles de The Cavemen. Pero además también es necesario destacar el trabajo de sus compañeros Jack Beesley (guitarra), Jake Pringle (batería) y Nick Armstrong (bajo) porque la suma de todos los elementos es lo que permite obtener el sonido desafiante que está presente en cada una de las piezas.

La canciones varían su duración entre uno y dos minutos. Son tan directas que no necesitan más tiempo para explotar en los oídos. Hablar sobre peleas callejeras, relaciones amorosas fallidas o simplemente disfrutar el presente sin pensar en el mañana son algunos de los tópicos que se repiten a lo largo del material.

El nuevo álbum de The Cavemen suena exactamente igual al anterior y así ocurre con cada uno de sus lanzamientos. No se trata de una banda que aspire a crear el próximo éxito de moda que le otorgue fama y fortuna sino simplemente desea convertir el rock & roll en una forma de vida.

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Reseña: Badass Mother Fuzzers - On The Run (6Tone Records, 2019)

Mientras que algunos aseguran que el rock está muerto, a diario aparecen nuevas agrupaciones en distintas partes del mundo para demostrar que eso no es cierto. Aunque tal vez no llenen estadios ni vendan millones de discos, no se puede negar su existencia.

En el caso particular de Francia, una de las bandas que encabeza la nueva generación de músicos de garage-punk es el trío que responde al genial nombre de Badass Mother Fuzzers.

Con pocos años de experiencia, el trío ya cuenta con un álbum (aquí se puede leer nuestra reseña) y un 7" (aquí se puede leer nuestra reseña). Pero debido a que a sus integrantes les resulta imposible el mantenerse quietos, ahora ya está terminado su segundo LP que en esta ocasión es editado por el sello galo 6Tone Records.

Conformado por 11 canciones cantadas en inglés, la única diferencia con respecto a su trabajo previo es que ahora se escuchan más enojados pero mantienen su objetivo de crear rock potente del que hace reventar las bocinas.

Por su consistencia y perseverancia, el tridente originario de Toulouse se ha convertido en uno de los máximos representantes del garage-punk francés en la actualidad. Su sonido se alimenta por completo de agrupaciones como The Nomads, Radio Birdman y The Lords of Altamont.

Como en el pasado, al escuchar sus canciones lo único que se encontrará será una guitarra con fuzz, un bajo y una batería. Aquí no hay lugar para la experimentación ni se busca incorporar otros instrumentos. Mientras más simple y sencillo siempre será mejor.

El material abre con "I Feel Like", un potente golpe directo a los oídos que no avisa y marca el inicio de una masacre para los no adentrados en el rock sucio que huele a cerveza y utiliza los gritos desaforados como medio de comunicación.

La ceremonia continúa con piezas como "No No No" y "Got The Blues" en donde la dosis se repite. La distorsión es la única constante. Aquí no hay momentos relajados ni baladas tristes porque la energía que desprende el álbum es suficiente para resucitar a un muerto.

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Reseña: Das Clamps - Shit Music For Shit People (Trash Wax Records / Dirty Water Records, 2019)

Existen muchas maneras de medir la relevancia de un grupo musical. Para algunos puede ser a través de las ventas de sus discos; sin embargo, otra forma de calcularlo es por medio de la fidelidad que generan entre sus fanáticos. Pueden no tener a una gran cantidad de personas pero sí a las más intensas.

En ese sentido, cuando se habla de bandas de culto, una de las primeras que se nombra es The Cramps. El conjunto liderado por Poison Ivy y el fallecido Lux Interior jamás gozó de éxito comercial ni llenaba estadios. Aunque gracias a su congruencia y necedad se convirtió en uno de los más importantes del rock subterráneo.

Su relevancia se puede apreciar en los numerosos proyectos que reconocen tener una influencia directa de su música y actitud. Dentro de los de más reciente creación se encuentra Das Clamps, un dueto femenino enfocado en interpretar ruidosas versiones de The Cramps.

Detrás del binomio se encuentran dos mujeres que radican en Londres y se declaran como devotas al rock & roll sucio, salvaje y que no le tiene miedo a las buenas costumbres. No son unas novatas en el mundo musical porque en la batería y voz está Tina Marina (integrante del combo de fratrock Oh!Gunquit), mientras que en la guitarra y voz está la española Tangerine Tassels.

El primer álbum de este proyecto acaba de ser publicado por los sellos Trash Wax Records y Dirty Water Records y desde el título hasta la portada está repleto de homenajes al cuarteto nacido en Nueva York.

En este caso, no sólo se trata de ejecutar canciones emblemáticas dentro de la discografía de The Cramps sino hacerlo con tan sólo una guitarra y una batería. Mediante el mínimo de recursos y con algunos ligeros cambios en las letras se logra un sonido todavía más primitivo que las versiones originales.

Además también se debe hacer énfasis en que no sólo se incluyen composiciones originales de The Cramps sino algunos oscuros temas de rock & roll que Lux y Poison interpretaron en su momento. Tal es el caso de "Goo Goo Muck" de Ronnie Cook & The Gaylads.

Las nueve piezas incluidas funcionan como un homenaje a una de las bandas más honestas que ha visto el rock. Aunque algunas puedan alcanzar la fama al instante, las realmente relevantes son las que logran trascender a través del tiempo.

https://www.facebook.com/DasClamps