Reseña: Espectroplasma - Monster / ​Pyramid 7" (Devil In The Woods, 2019)

El misterio siempre ha rodeado a Espectroplasma hasta convertirlo en un proyecto mexicano de culto. Los integrantes siempre han preferido esconder sus identidades, sus presentaciones son escasas y los álbumes que han publicado hasta el momento son arriesgados desde sus composiciones hasta sus portadas.

Ahora, el grupo capitalino presenta el primer 7" de su carrera y lo que más sorprende es el drástico cambio de sonido que muestra. No existen rastros del surf-punk que dio a conocer al cuarteto como "la versión mexicana de Man Or Astro-Man?" y en su lugar ahora se adentra por completo en los complejos terrenos del space rock y el krautrock.

Lo que es cierto es que se mantiene el interés por el espacio exterior y explorar las fronteras del universo. La portada del nuevo trabajo con fuertes influencias de la serie Cosmos de Carl Sagan parece así confirmarlo.

Ligado al científico neoyorquino, las nuevas composiciones del combo muestran sonidos bastante similares al de agrupaciones internacionales legendarias como Vangelis, Tangerine Dream, Tomita e inclusive al trío mexicano ya desaparecido Robota.

En la nueva faceta de Espectroplasma lo que más resalta es el uso del sintetizador y las programaciones por computadora hasta convertirse en los elementos protagónicos de las dos nuevas composiciones. En primera instancia, "Pyramid" es una pieza con un ritmo robótico que hace creer que realmente los replicantes ya están entre nosotros como lo plantea Blade Runner de Ridley Scott.

A su vez, la cara B del sencillo contiene "Monster", un trabajo con un aura cósmica que inicia de forma lenta pero progresivamente avanza en intensidad hasta transformarse en un respetuoso homenaje a Kraftwerk.

Por otra parte, el 7" es editado en un tiraje de 200 copias numeradas por el sello Devil In The Woods, fundado en Estados Unidos en 1983 por Mike Cloward. Aunque debido a que desde hace algunos años reside en la Ciudad de México, decidió trasladar su disquera a territorio azteca y promete varias sorpresas para el 2020.

Con esto, el sencillo plantea apenas una muestra de lo que se puede esperar del nuevo sonido de Espectroplasma. Mientras que los integrantes que están detrás del grupo ya han explorado la música surf, el western y la cumbia psicodélica con sus proyectos alternos, ahora parecen inclinarse hacia el mundo robótico y las programaciones por computadora.

El 7" está a la venta a través del sitio de Devil In The Woods con envíos a cualquier parte del mundo.

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Reseña: Les Robots - The Fascinating World of Les Robots (Spazz Records, 2019)

El humano siempre ha sentido una fascinación por conocer lo que existe en otros mundos. A la fecha no se sabe con certeza lo que sucede después de la muerte ni lo que hay fuera de este planeta. Pero ahora llega desde una galaxia desconocida y otro espacio temporal el primer LP de Les Robots a través del sello holandés Spazz Records.

El dueto de origen desconocido y con integrantes que simplemente se identifican como D.V.R. y R-JoHN cuenta con dos 7" previos (ambos ya los reseñamos aquí y aquí). Lo que ya quedó en claro es su enigmático sonido que se adentra en el rock & roll instrumental pero también contiene elementos de música surf y muchos teclados que parecen salidos de una película de ciencia ficción.

Con su primer álbum, la dupla presenta 12 composiciones propias en las que expande su estilo. Aunque las referencias a Joe Meek, The Ventures y The Shadows siguen presentes, ahora también se suma un guiño al spaghetti western en "Ode To Yull Brynner" gracias a sus polvorienta guitarra y la batería que parece replicar el desplazamiento de un caballo sobre un camino abandonado.

Otra novedad del material es la incorporación de fragmentos de viejas películas al inicio de las canciones. A su vez, "The Remote Control Stomp" repite el sonido robótico que el conjunto misterioso había presentado con anterioridad. Por otra parte, en "Do The Chicken!" lo que más destaca es un teclado que se combina con una filosa guitarra que rinde homenaje a Link Wray.

Dentro de la cara B del vinilo se encuentra "The Malfunction Twist", una festiva pieza que podría musicalizar una fiesta en la playa de cualquier planeta lejano. Mientras que el material concluye con "Death Of Les Robots", un tema en el que destaca una guitarra llena de fuzz que se combina con unos extraños teclados dignos de Robotina de Los Supersónicos.

Con un sonido único que aleja a Les Robots de lo que hacen los demás grupos contemporáneos, se ha convertido en uno de los proyectos más enigmáticos que existen. En los pocos conciertos que ofrece la banda, sus integrantes salen al escenario disfrazados de robots para complementar la experiencia. Lo cierto es que no se necesita conocer la identidad de los músicos que están detrás para disfrutar su trabajo.

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Reseña: CR Dicks - Dick Moves (Black Gladiator / Slovenly Recordings, 2019)

Reunir en una misma banda sonidos tan diferentes entre sí como el punk rock callejero, el hip hop explosivo, el garage rudimentario y el avant garde inclasificable no es algo sencillo. Realmente son muy pocos quienes lo han intentado por la complejidad que implica, pero entre los valientes se encuentra CR Dicks.

Aunque pueda no parecer atractiva la combinación musical, todo cambia en cuanto se escucha el nuevo material de la banda y se conoce a los integrantes que están detrás del proyecto.

En ese sentido, su fundador es Andy Caffrey, quien es conocido por haber sido parte del fugaz grupo de finales de los noventa The Horrors (no confundir con la banda británica de peinados estrafalarios). Aunque su historia fue muy breve, sirvió para darse a conocer dentro del circuito del rock & roll ruidoso que suena a un automóvil descompuesto.

Otro de los elementos de CR Dicks es Pete Balestrieri, quien durante los ochenta fue saxofonista de los Violent Femmes. Y así, al reunir a personas de diferentes generaciones y con gustos tan diferentes es que se obtiene un resultado tan atípico.

El segundo LP del conjunto es editado por Black Gladiator y Slovenly Recordings, lo cual funciona para tener una idea más clara de lo que se puede esperar. Con el prestigio previo de ambas disqueras, todo se cumple desde la primera canción.

A través de ocho canciones se escuchan gritos esquizofrénicos, rimas inentendibles, guitarras rasposas y una batería atascada. Todo muy bien revuelto para obtener un resultado que suena a muchas cosas y a la vez a nada parecido. 

Son pocos los casos de quienes se arriesgan de tal forma y no tienen miedo en explorar tantos terrenos al mismo tiempo. Para cualquier purista de la música puede parecer un sacrilegio, pero para el resto se trata de una nueva banda por descubrir.

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Reseña: Emilio Revólver - Revlover (Independiente, 2019)

Canciones de atmósferas sombrías como una noche de verano que son acompañadas del sentimiento humano

Uno de los beneficios de reunirte con otras personas y crear una banda es que la unión permite una lluvia de ideas en búsqueda de nuevos sonidos. La desventaja es que en ocasiones no se hace lo que uno quiere sino lo que desea la mayoría. La democracia ofrece tanto aspectos positivos como negativos.

Por eso, en el aspecto musical, siempre se cuenta con la opción de iniciar un proyecto alterno para explorar lo que no se puede en una agrupación. Fue precisamente lo que decidió Emilio Revólver, integrante de la banda nacional de post punk Fan Club.

En su aventura en solitario, el músico se arriesgó dentro de una amplia variedad de sonidos con la intensión de obtener resultados diferentes y no repetir lo que lleva haciendo desde hace más de una década con su banda.

El resultado se concretó en su primer EP que lleva por nombre Revlover. Las seis canciones incluidas en realidad podrían ser poemas musicalizados con cajas de ritmo, teclados y oscuras capas robóticas que recuerdan la atmósfera de la legendaria película Metrópolis del alemán Fritz Lang.

El material se ubica en un punto intermedio entre la humanidad que ofrecen las letras de las canciones y la parte musical, marcada por los sonidos gélidos del estilo de Gary Numan, Kraftwerk y unos reflexivos Devo.

A su vez, un aspecto llamativo del trabajo es que se trata de un álbum-objeto que se esfuerza por ofrecer algo mucho más que sólo canciones. Como acompañante se encuentra un cancionero/fanzine que incluye las letras de las piezas y una serie de ilustraciones realizadas por diversos artistas nacionales.

Sumado a lo anterior radica el hecho de que se incluye un falso CD. En realidad el material se editó de forma digital, pero para quienes gozan de los objetos tangibles, la obra consta de la réplica de un disco compacto con el que se busca estimular los sentidos de la vista y el tacto.

El resultado es bastante llamativo y deriva en un arriesgado experimento con el que se lleva a la música un paso más adelante. Por lo pronto, quienes deseen adquirir el álbum-objeto lo pueden hacer directamente en el sitio oficial del proyecto y a cambio obtendrán una verdadera pieza de colección.

https://revlover.com.mx

Reseña: Model Zero - Model Zero (Black Gladiator / Slovenly Recordings, 2019)

Han transcurrido más de seis décadas desde que Alan Freed bautizo al rock & roll. Desde entonces, el estilo se ha ramificado de las más diversas formas y cada vez resulta más frecuente escuchar variadas combinaciones. Pareciera que ya todo se ha hecho pero siempre aparecen nuevas bandas que ofrecen una visión distinta para evitar ser un grupo más del montón.

Uno de los ejemplos más recientes es Model Zero, cuarteto estadounidense proveniente de Memphis conformado por exintegrantes de Ex-Cult y Jack Oblivian & The Sheiks. En apariencia, podrían ser un grupo más de rock pero la diferencia radica en la incorporación de sonidos extravagantes que parecen salidos de un videojuego antiguo descompuesto.

Después de presentarse en distintos foros de su país natal, al álbum debut del cuarteto está listo gracias a los sellos Black Gladiator y Slovenly Recordings.

A lo largo de nueve composiciones propias, el conjunto muestra distintas facetas. La abridora "Kill The Guardian" apenas es el aperitivo. De corta duración, se encarga de preparar la llegada de "Japanese Death Poem", una retorcida pieza de rock & roll marciano.

Es la combinación de una batería real con el famoso drum buddy, una especie de caja de ritmos inventada por Quintron, lo que marca diferencia y le ofrece un sello personal al cuarteto.

Mientras que en la actualidad existen bandas que parecen clones por su sonido simplón y falta de personalidad, el caso de Model Zero es bastante distinto. Su primera carta de presentación posiciona al cuarteto como uno de los grupos a seguir gracias a su distintivo estilo que los aleja del resto.

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Reseña: E.T. Explore Me - Shine (Voodoo Rhythm Records, 2019)

Cuando se piensa en el sello suizo Voodoo Rhythm Records probablemente lo primero en lo que se piense es en punk y garage furioso como el que suele ejecutar su excéntrico fundador, Reverend Beat-Man, con la mayoría de sus proyectos. Aunque la realidad es que la variedad sonora de la disquera es bastante extensa y existe lugar para una amplia variedad de estilos.

El ejemplo más claro es su nuevo lanzamiento que poco o nada tiene que ver con todo lo que han editado con anterioridad. Se trata del primer LP del trío holandés E.T. Explore Me, el cual sorprende por su delirante sonido plagado de teclados espaciales que parecen salidos de una vieja película de ciencia ficción.

A lo largo de 12 temas, el álbum muestra un retorcido estilo en el que también hay rasgos de rock & roll cavernícola y música electrónica creada por primates. En primera instancia, el trabajo muestras ligeras similitudes con proyectos actuales como Archie And The Bunkers y Powersolo, aunque también podría ser un pariente lejano de lo que en su momento hizo el trío mexicano Maniqui Lazer.

A medio camino entre el punk y los sonidos inclasificables, el material abre con "Let Me In", tal vez la pieza más normal de todo el trabajo. Por su parte, "Shine" parece haber sido creada en un planeta lejano e inclusive podría ser la favorita de cualquier personaje de Star Wars.

Más adelante se encuentra "Psychonaut", canción cercana a un himno robótico en la que suena la rasposa voz del Reverend Beat-Man. Por su parte, "H.Z. Statue" inicia con sonidos al estilo de las viejas consolas de videojuegos de 8 bits y posteriormente se transforma en una larga composición al estilo de Kraftwerk.

Es claro que en la actualidad resulta muy difícil innovar dentro de la música. Pero de igual forma no se puede negar que existen agrupaciones como E.T. Explore Me que de inmediato llaman la atención por presentar un sonido que al instante se diferencia de lo que ofrecen los demás.

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Reseña: Weird Omen - Surrealistic Feast (Dirty Water Records, 2019)

Aunque dentro del garage existen algunos aspectos que caracterizan al género, no son reglas totalitarias que se deban seguir de forma obligatoria. Cada agrupación es libre de hacer y no hacer lo que quiera y de la forma en que lo desee. Al final, este tipo de cuestiones son las que le otorgan rasgos particulares y distintivos a cada uno.

Lo anterior puede provocar algunos aspectos negativos, como el hecho de que la mayoría de los músicos se queden en su zona de confort. A su vez, también motiva a algunos para que intenten realizar las cosas de forma diferente, como ocurre con Weird Omen.

En este caso, el trío francés está conformado por experimentados músicos que han participado en inmumerables proyectos. En el saxofón está Fred Rollercoaster (King Khan & The Shrines y Bee Dee Kay & The Roller Coaster), en la guitarra y voz está Sister Ray (Ray & The Dead Drums) y en la batería está Remi Pablo (Escobar, Magnetix y The Anomalys).

A decir de los propios integrantes, su estilo puede ser denominado como avant-garage, es decir, garage rocoso pero experimental. Aunque pueda parecer una idea contradictoria, todo tiene sentido en cuanto se escuchan sus composiciones. 

Después de iniciar el año con el sencillo A Place I Want To Know (recomendamos leer nuestra reseña), ahora llega el tercer LP de los galos de la mano del sello Dirty Water Records.

El material es un viaje a las profundidades más oscuras del pensamiento. Mientras que en "Wild Honey" la batería repite de forma incesante un mismo ritmo como si fuera música industrial, en "Earworm" adquiere un ritmo acelerado más cercano al punk.

Por otra parte, el saxofón es una parte imperante del sonido del trío. En especial en "A Place I Want To Know" se puede escuchar una fuerte influencia de músicos de la talla de John Zorn.

Bastante lejos del trabajo de la mayoría de sus colegas, el mayor mérito de Weird Omen radica en la valentía por combinar estilos que muy pocos se atreven. Eso les ha permitido alcanzar un sonido único y completamente distinto al del resto.

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Reseña: Les Robots - Big Trouble In Outer Space / Whiskas Watusi 7" (Spazz Records, 2019)

Mientras que en la actualidad la mayoría de los músicos recurren a la tecnología para lograr refinados y estilizados resultados que suenen al futuro, otros prefieren ir por el camino opuesto. El siguiente paso no necesariamente se encuentra adelante sino que puede estar atrás y muchos no se han dado cuenta.

De esta manera, la dupla holandesa que responde a los sobrenombres de D.V.R. y R-JoHN se ha tomado bastante en serio su papel de convertirse en robots. No sólo en el aspecto visual sino también en el sonoro. El resultado se hace llamar Les Robots y se trata de uno de los proyectos más originales de la actualidad.

A partir de la inspiración del productor Joe Meek, quien en 1962 compuso el futurista tema "Telstar" que popularizaron The Tornados, la pareja europea busca algo similar. Para lograrlo utilizan teclados e instrumentos antiguos pero que suenan a una orgía marciana.

Por otra parte, no es suficiente con el sonido sino que también le hacen honor a su nombre en la vestimenta. Durante sus presentaciones, el conjunto opta utilizar unos atuendos que parecen sacados de una de las antiguas películas de ciencias ficción. En ese sentido, podrían ser parientes cercanos de Servotron y Destination: Earth!

Mientras que el debut de Les Robots fue un 7" editado el año pasado por el sello Spazz Records (recomendamos leer nuestra reseña), ahora le brinda continuidad a su trabajo con un nuevo sencillo que incluye dos temas inéditos.

El sonido no cambia con respecto a lo presentado en el pasado. Se trata de un rock & roll instrumental con guiños a la música surf, aunque por encima hay muchos teclados y sonidos delirantes enfocados en hacer bailar hasta a un extraterrestre.

Al igual que ocurre con todos los lanzamientos de Spazz Records, sólo se fabrican 300 copias numeradas en vinilo de 7". Pero más allá de ser un objeto de colección, el trabajo vale la pena por el original sonido que presenta y todo el concepto que envuelve a la misteriosa pareja que lo conforma.

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Descarga: V. A. - Residuos de Manejo Especial Vol​.​1 (Independiente, 2019)

Las ciudades siempre son pequeñas junglas llenas de rincones insospechados. Lo mismo ocurre con los sonidos y a pesar de que pueden prevalecer estilos amigables al oído, también hay lugar para la experimentación.

En ese sentido, en el caso de Monterrey, el netlabel Radiobasura se ha enfocado en agrupar y darle espacio a todos los proyectos musicales locales que no encajan en ningún otro espacio. Son una puerta de difusión para quienes no pertenecen a un género en específico y prefieren la libertad de la experimentación.

Como muestra de su trabajo, Radiobasura inicia el 2019 con el lanzamiento de Residuos de Manejo Especial Vol​.​1, compilación digital en la que participan 15 artistas sonoros, aunque predomina el lo-fi, la distorsión y la improvisación.

En el material participa el inclasificable proyecto regiomontano A.P.E. (recomendamos leer nuestra reseña de su álbum más reciente) junto a otros nombres como Los Lichis, Los Llamarada, Esto Vir y Daniel Arp. De igual forma, se debe destacar a músicos extranjeros como Kaoria Yoshikawa y Tetsuya Snoo Dohgase.

Como un muestrario de lo que ocurre en el subsuelo mexicano y más allá de los géneros musicales convencionales, la compilación funciona como una introducción. Ya después será una decisión personal si se desea profundizar.

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Reseña: Weird Omen - A Place I Want To Know 7" (Dirty Water Records, 2019)

Aunque resulta imposible definir con exactitud el nacimiento del garage en el mundo, la realidad es que se trata de un ritmo que continúa vigente y con representantes en la actualidad. Aunque un punto que algunos pueden considerar como negativo es la falta de innovación y rasgos distintivos.

Si bien, dentro del rock & roll energético no necesariamente es obligatorio buscar experimentar, sí ayuda para obtener un sonido diferente y distintivo. Es por eso que adquiere importancia el trabajo realizado por el trío surgido en las calles de Francia llamado Weird Omen.

Desde el nombre muestran su inclinación hacia lo extraño, pero al escucharlos se comprueba que probablemente sean la única agrupación en el mundo en adentrarse en el garage experimental.

Parte fundamental del sonido del trinomio es su atípica formación para una banda de garage. No sólo se trata de experimentados músicos sino que cuentan con experiencia obtenida en importantes agrupaciones del género. En el saxofón está Fred Rollercoaster (King Khan & The Shrines y Bee Dee Kay & The Roller Coaster), en la guitarra y voz está Sister Ray (Ray & The Dead Drums) y en la batería está Remi Pablo (integrante de Escobar y The Anomalys).

Como preámbulo a lo que será el tercer LP del trío, el sello inglés Dirty Water Records publica un 7" en el que se incluye el primer sencillo y un tema inédito.

De esta manera, "A Place I Want To Know" funciona como un tema de bienvenida a un carnaval musical de avant-garage. Mientras el saxofón puede recordar al trabajo experimental de John Zorn, la guitarra y batería de acompañamiento lo transforman en una pieza de punk.

Por su parte, la cara B contiene "Girls Are Dancing On The Highway", una composición exclusiva para esta lanzamiento. De carácter semi instrumental, es como un torbellino de fuego que de manera paulatina aumenta en intensidad hasta convertirse en un dragón que devora todo a su paso.

A diferencia de muchas agrupaciones que siguen fórmulas y jamás se salen de su zona de confort, en el caso de Weird Omen se trata de tres experimentados músicos que no temen en experimentar y llevar su trabajo hasta inesperados rincones sonoros.

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Reseña: Les Robots - Do The Robot! / One Way Ticket To The Moon 7" (Spazz Records, 2018)

Aunque al inicio de un nuevo proyecto se puedan tener muchas ganas, lo verdaderamente interesante es la continuidad. Más allá de arriesgarse por hacer algo, siempre se debe tener en cuenta que los resultados no siempre son inmediatos y por eso es necesario el trabajo constante.

Fue por lo anterior que durante el 2018 nació una interesante disquera que pese a lo arriesgado de su propuesta, se ha mantenido estable y con lanzamientos constantes. Se trata de Spazz Records, fundada por los holandeses Marcel Haug y Gary van Niks.

Lo más llamativo son las características que desde un inicio se dieron a conocer y a la fecha se han mantenido. El sello sólo publica 7" en tirajes limitados de 300 copias, además de que tratan de abarcar distintas caras del rock & roll que se crea alrededor del mundo.

Todo lo anterior lleva al lanzamiento del primer 7" de uno de los conjuntos más misteriosos y enigmáticos de la actualidad. Se trata de Les Robots, dueto conformado por las creaciones robóticas que responden a los seudónimos de D.V.R. y R-JoHN. De forma adicional, en sus presentaciones se hacen acompañar de Pete-R, C.A.S.E. y Mars-L.

Al información en torno al conjunto es bastante escasa, pero respecto a su sonido maneja una fuerte influencia del legendario productor Joe Meek, conocido por sus experimentos en los estudios de grabación y ser el compositor de "Telstar" que popularizaron The Tornados en 1962.

Respecto al concepto detrás de Les Robots, recuerda en demasía a Servotron y Orgone Accumulators porque también utilizan disfraces sobre el escenario, aunque en cuanto a la parte musical se trata de rock & roll instrumental acompañado de múltiples teclados. El resultado podría ser la banda sonora de uno de los antiguos filmes de ciencia ficción.

La primera muestra del trabajo de este enigmático conjunto de raíces holandesas resulta tan misteriosa como adictiva. El estilo musical es totalmente inclasificable pero resulta imposible ignorarlo.

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Reseña: LoE LoF LoN Meets Wayne Rex - LoE LoF LoN Meets Wayne Rex - (Muteant Sounds Netlabel / Ferror Records / Sê-lo! Netlabel, 2017)

A partir de la improvisación fue que el percusionista español Gori Varalez fundó el proyecto personal LoE LoF LoN, cuyo nombre tan distintivo no tiene ningún significado y como él mismo ha declarado, "tan sólo se trata de las primeras tres palabras que escribió mi pequeña hija".

De esta forma, su primera referencia fue el material Conventional Elements, lanzado el año pasado y con el que se dio a conocer por su sonido amorfo y que no encaja dentro de ningún estilo musical, tan sólo se trata de un hombre que recorre los caminos del ruidismo, el noise y el jazz, pero nunca se queda estancado en ninguno de ellos.

Ahora, llega el segundo material del proyecto español pero con la novedad de que fue concebido junto con el también baterista experimental inglés Wayne Rex, quien se desempeña más dentro del circuito del free jazz.

Al respecto, el material fue creado a la distancia y a manera de un juego de ping-pong. El inglés grababa una improvisación y le enviaba el archivo a su colega español, quien encima grababa otra improvisación y de esta forma se tenía listo lo que, para efectos prácticos, se puede denominar una canción. El ejercicio se repitió varias veces hasta conformar las nueve piezas que conforman esta placa que fue editada de manera conjunta por Muteant Sounds Netlabel, Ferror Records y Sê-lo! Netlabel y la cual representa un dulce respiro para quienes se encuentren en búsqueda de un proyecto con sonidos que se alejen de lo que actualmente impera en el panorama.

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Descarga: Jo Jolisper - Buy Me My Toy! (Independiente, 2017)

Surgido en la ciudad francesa de Dijon, el dueto conocido como Jo Jolisper se ha destacado desde un inicio por su sonido que combina el rock con la vertiente más psicodélica para dar como resultado un estilo que, en buena forma, los acerca al Pink Floyd de Syd Barrett.

Conformado por Jeff (teclado y bajo) y Kévin (batería y sintetizador), el dúo lanzó a finales del año pasado el EP Buy Me My Toy!, el cual contiene cinco piezas multicolores que por momentos traen de regreso a los 13 Floor Elevators pero en otras ocasiones inclusive podrían rosar lo considerado como kitsch.

En este caso, el nuevo material al igual que sus lanzamientos previos, se encuentra disponible de manera gratuita a través de su Bandcamp y representa la posibilidad de adentrarse en sonidos que se salen de lo que actualmente predomina el panorama.

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Reseña: A.P.E. - Intitulable (Abstrakt Muzak, 2017)

En ocasiones las circunstancias son las que se encargan de moldear el sonido de los grupos y eso fue lo que sucedió con A.P.E., un proyecto originario de Monterrey que originalmente intentó practicar algo cercano al grunge, pero el cambio de integrantes también fue el culpable de que se modificara por completo su estilo hasta llegar al ruidoso terreno del shoegaze y lo que algunos denominan como post rock, en el que encajaron de inmediato como lo demuestra su álbum debut.

El conjunto regiomontano presenta en Intitulable seis largas composiciones instrumentales que por momentos inclusive podrían llegar a considerarse como drone o noise, lo que significa que no es música para cualquiera, en especial para las personas que se encuentren en búsqueda de sonidos amigables y el formato clásico de las canciones de tres minutos.

Con un estilo que los podrían acercar a bandas extranjeras como Sonic Youth, Mogwai, Russian Circles y hasta a los inclasificables Godspeed You! Black Emperor, el grupo mexicano aficionado a las guitarras llenas de distorsión realizó una portentosa obra que combina el caos con la delirante psicodelia.

En este caso, el material fue editado por el sello Abstrakt Muzak, en el que también figuran otras agrupaciones nacionales como Los Mundos, Gods of Speed y Mentira Mentira, con las que que también comparte algunos rasgos sonoros, pero al final se trata de un iluminador trabajo que deslumbra por su estilo que lo distingue de la mayoría de bandas que actualmente existen en nuestro país.

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Reseña: Yowie - Synchromysticism (SKiN GRAFT Records, 2017)

El mundo actual está lleno de caos, destrucción y violencia, sólo basta con revisar cualquier periódico para darse cuenta. Si todos esos elementos se tomaran como referencia para iniciar un proyecto musical seguro el resultado sería algo similar a lo que propone Yowie, que desde hace más de tres lustros se ha dedicado a crear un híbrido amorfo que navega entre el noise, el math rock, el punk y la música experimental.

El punto de partida es la ciudad estadounidense de St. Louis Missouri, donde tres jóvenes combinaron sus amplias y diversas influencias hasta obtener un licuado sonoro espeso, denso y pesado que podría irritar algunos oídos sensibles, pero altamente recomendable para los adeptos a bandas como Hella, Ruins, The Locust y Meshuggah.

En la actualidad el trío está conformado por Christopher Trull (guitarra), Jeremiah Wonsewitz (guitarra) y Shawn O'Connor (batería). Así, sin la necesidad de un bajo, el conjunto se ha hecho notar por su agresivo estilo y ahora tiene listo su tercer álbum titulado Synchromysticism y en el que, al igual que en los anteriores, reina su taladrante sonido instrumental similar al de una locomotora a punto de estrellarse.

Caracterizado por apoyar y difundir la música inclasificable de complicadas estructuras sonoras, el sello americano SKiN GRAFT Records no dudó en fichar al trinomio desde un inicio y para darle la bienvenida a este 2017, presenta su nuevo material de ruidoso contenido que hará retumbar las bocinas hasta sacarles sangre.

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Reseña: Blind Butcher - Alawalawa (Voodoo Rhythm Records, 2017)

Con un amplio y variopinto catálogo, el sello Voodoo Rhythm Records siempre se ha caracterizado por apoyar proyectos musicales que probablemente no encajan del todo en un determinado género o estilo y eso se ejemplifica a la perfección con el nuevo material de Blind Butcher, su más reciente lanzamiento.

En el 2010 surgió en la ciudad suiza de Lucerna el dueto conocido como Blind Butcher, que optó por combinar los estilos musicales predilectos de sus integrantes, sin importar que, en apariencia, se tratara de géneros bastante diferente entre sí. En la licuadora metieron un poco de rock & roll, música disco, new wave, punk, blues y krautrock. Ante la falta de una definición concisa, ellos de describen como un proyecto de disco trash sound.

Fieles creyentes de que en la música no deberían de existir las fronteras, en cuanto se escucha al dúo se sienten ligeras referencias a Public Image Ltd., Gang of Four, Devo y Talking Heads. De cada una de las agrupaciones se tomaron pequeñas muestras para construir un pequeño Frankenstein musical.

Detrás del binomio se encuentran Christian Aregger (guitarra y voz) y Roland Butcher (batería, bajo y voz), que debutaron en el 2014 con su álbum Albino, producido por el legendario Steve Albini, quien ha trabajado junto a bandas de vital importancia como Nirvana, Melt-Banana, The Jon Spencer Blues Explosion, Neurosis y Man Or Astro-Man?, entre muchas otras.

En esta ocasión, el segundo álbum de la pareja ve la luz a través del sello Voodoo Rhythm Records del demente Reverend Beat-Man, que incluye una decena de temas cantados en idiomas como alemán, inglés y hasta gibberish, la forma en que se conoce a la técnica de utilizar la boca para hacer inentendibles gesticulaciones.

Con un estilo bastante complicado de etiquetar, Blind Butcher abreva de distintas fuentes musicales para conformar un extraño pero interesante mutante sonoro que parece salido de la escuela de los X-Men pero al que resulta imposible ignorar.

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Reseña: V. A. - Impro Sessions- 2013 - 2014 (Independiente, 2017)

Alejado de los grandes medios de comunicación y siempre desde pequeñas trincheras, la música experimental tiene un largo recorrido en México que tiene sus orígenes en el Manifiesto Actual N° 1, redactado por el poeta Manuel Maples Arce en 1921, aunque sin duda en las últimas dos décadas ha tenido un interesante crecimiento exponencial; sin embargo, siempre quedará la duda sobre a qué se le puede considerar "experimental" por la ambigüedad del término.

Con una larga cantidad de festivales, sellos y netlabels que se han preocupado por impulsar los sonidos que no se inscriben dentro de ningún género y que retan los oídos del público, tal vez la única constante es que todo se ha centralizado en el país. Al igual que sucede en otros ámbitos, en términos de música experimental pareciera que todo o casi todo se realiza en la Ciudad de México.

Con la idea de mostrar que en otras partes del país también hay personas (artistas y público) interesadas en los sonidos inclasificables, desde hace varios años surgió el ciclo independiente de conciertos mensuales denominado Impro Sessions, que se realiza en la ciudad de Monterrey con la intensión de actualizar y reactivar la escena experimental en el norte del país.

Impro Sessions se define como "una plataforma para la experimentación y la exploración de los nuevos lenguajes y expresiones musicales" y de forma reciente, los organizadores del ciclo de conciertos editaron su primer álbum con el que buscan dejar constancia de su esfuerzo y del trabajo realizado por una enorme cantidad de artistas mexicanos, no sólo regios sino de otras partes del país que han sido parte de sus presentaciones.

El encargado de reunir las 26 piezas fue Leo Torres, todas presentadas a lo largo del primer ciclo que se organizó con 12 conciertos entre 2013 y 2014, y dentro de su amplio campo sonoro se incluyen principalmente trabajos de música experimental, improvisación y de sonidos electrónicos.

Con la participación de reconocidos músicos como el cantante experimental Juan Pablo Villa, los guanajuatenses Rorschach_3.0, el free jazz del dueto Juan Castañón y Roberto Cantú, el noise de REsonancias y la música electroacústica de Eduardo Caballero y Jorge Eduardo Gómez, lo que se obtiene es un panorama bastante amplio y extenso del trabajo que en la actualidad hacen "los otros músicos" en México, los que son minoría y no tienen grandes apoyos ni gozan de difusión en medios pero eso no significa que su trabajo no exista.

Con esto, Impro Sessions se suma a otras iniciativas como los festivales Aural, Bestia, las investigaciones de Manuel Rocha Iturbide, el impulso de los hermanos Martínez en Abolipop Records y el trabajo que realiza Julian Bonequi con Audition Records, tan sólo por mencionar algunos nombres, por tratar de ir más allá y dejar un registro de lo que actualmente se está desarrollando en nuestro país en lo referente a música experimental.

El material se encuentra disponible en formato digital en Bandcamp pero también se fabricó un pequeño tiraje de colección en un doble CD que incluye un sticker y código de descarga, además de que el envío está abierto a cualquier parte del país.

El trabajo es ideal para escucharse, pero especialmente apreciarse, sin prejuicios y con los oídos abiertos a los caminos alternos que pueden conducir los sonidos a los que estamos expuestos todos los días. Los artistas aquí reunidos son tan sólo una pequeña porción del talento mexicano que se encuentra a nuestro alrededor, en espera de llegar a nuevas personas, cansadas de lo mismo de siempre y ansiosas de explorar nuevos horizontes sonoros.

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