Dentro de la reciente camada de agrupaciones argentinas de música surf, una que sorprende por su sonido fresco es Nahuelaizers, un cuarteto originario de Bariloche que acaba de estrenar su álbum debut. Algo que sorprende es que, pese a la corta trayectoria del cuarteto, en realmente poco lograron un sonido distintivo y consiguieron impregnarlo en los 10 temas que conforman su primer lanzamiento. También hay que decir que cada uno de los integrantes cuenta con experiencia previa en diversas agrupaciones de distintos géneros, como es el caso del guitarrista Dani Estuyis quien no hace mucho lanzó el EP debut de su proyecto Megatronadores (que en su momento nosotros reseñamos). Mientras que muchas bandas actuales buscan reciclar o incluso hasta clonar de forma descarada el sonido y estética de la música surf clásica, es decir la que imperó en California en la década de los sesenta, el objetivo primario del cuarteto sudamericano es dotar a sus composiciones instrumentales de un estilo más cercano a su realidad. Los propios integrantes del conjunto son los primeros en aceptar que sus influencias provienen de distintas vertientes y no de un sólo género musical, además de que ninguno de ellos ha montado una tabla de surf en la playa. Con un estilo más cercano al surf rock o power surf, el cuarteto siempre tuvo claro que para lograr el sonido que ellos deseaban, lo ideal era hacer las cosas con sus propios recursos, aunque eso al final se tradujo en un largo proceso de grabación, todo realizado de manera casera. Pero contra lo que cualquiera pudiera pensar, no se escucha un sonido deficiente ni primitivo y, pese a sus escasos recursos, se logró un material profesional que no le envidia nada a nadie. Desde el bajeo profundo de "Playa de los Muertos" hasta las hipnotizantes guitarras de "Lunática" se logra apreciar una muy digna carta de presentación de este cuarteto argentino. De momento el álbum sólo se encuentra disponible en formato digital y se puede descargar de forma gratuita en el Bandcamp de la banda pero se espera tener una versión física muy pronto.
El primer álbum que forma parte de la avalancha de lanzamientos que prepara para el verano de este 2016 el sello especializado en música surfGreen Cookie Recordses el LP debut de The Aqua Barons, un joven trío proveniente de Grecia que se inclina por los sonidos instrumentales tranquilos, calmados y relucientes.
Con una historia que se remite al 2010, la génesis del grupo recae en los hermanos Petros y Philippos Sotiropoulos, ambos aficionados a los sonidos de las agrupaciones californianas de los sesenta, por lo que de forma natural formaron su propia banda para ejecutar la música de sus amores.
Con algunos cambios en la alineación, la primera muestra del trabajo de The Aqua Barons se dio a conocer en la compilación Search For Atlantis (aquí pueden leer nuestra reseña) lanzada en el 2014 para documentar el actual movimiento de música surf en Grecia, en la que participaron con dos temas.
Pero ahora, el trío ya tiene listo su primer material, editado sólo en CD en un pequeño tiraje de 150 copias, y desde la portada se aprecia un respeto hacia la generación dorada de música surf. El primer tema en sonar es "Anastenaris", en el que combinan el ritmo del ska con la cadencia y reverberación de la música instrumental. En las antípodas se encuentra "Last Sunset" con un ritmo lento, retrospectivo y cadencioso. Y justo en un punto medio se puede mencionar a "Salsa Picante", composición saturada de reverb pero sin abusar de sonidos bruscos.
Pese a su joven carrera y a los diversos problemas que actualmente enfrenta la nación europea, el trío griego se erige como una de las promesas de la música instrumental y en su primera referencia consiguió un sonido que ya les ha retribuido el ser considerados e invitados en festivales internacionales como el italiano Surfer Joe en el 2015.
Diversión, diversión y pura diversión, eso es lo que Los Chicos se han dedicado a transmitir en sus canciones desde hace 15 años. Siempre a través de rock & roll festivo, energético y tan simple que parecería que cualquier puede ejecutarlo y es precisamente ahí donde radica la principal virtud del grupo español.
El trío madrileño fundado por Rafa Suñén y los gemelos Gerardo y Antonio Urchaga sabe que cuando algo suena bien no hay necesidad de cambiarlo, por eso su sexto álbum es exactamente igual a los anteriores: canciones cortas de coros pegajosos con riffs de guitarra básicos, una batería discreta y efectiva que nunca se sale de ritmo y letras que no buscan cambiar al mundo ni esconden mensajes filosóficos, sólo que durante un par de minutos sacudas el cuerpo como desquiciado.
Con la ayuda de Hendrik Röver (Los Deltonos) en la mezcla y masterización, así como en la producción con la colaboración del propio grupo y del australiano Johnny Casino (Asteroid B612), se concretaron 14 canciones de punk & roll, pubrock, garage rock o simplemente rock & roll que se ejecuta en su forma más simple pero que continúa funcionando después de más de 60 años de que nació con la fusión del R&B y el country en Estados Unidos.
Con un imparable ritmo de vida que se traduce en los constantes conciertos que realizan a lo largo de su natal España, además de fechas por toda Europa e inclusive ya cuatro giras australianas, el grupo no sabe lo que significa la palabra descanso.
En Rockpile Of Shit nos presentan canciones demoledoras como "More Beer" y su eterno amor por la cerveza, en la corta "Toga Land" se acercan al punk setentero y en la casi autobiográfica "Older And Better" se acercan al rock & roll cincuentero con todo y saxofón incluido.
Coeditado por el propio sello del grupo, FOLC Records, y la disquera inglesa Dirty Water Records, es un álbum idóneo para las personas que gustan de empapar de sudor sus playeras en cada concierto y que no buscan la perfección ni el virtuosismo, simplemente divertirse un rato mientras escuchan un poco de rock & roll.
En el México de la década de los noventa, de forma paralela a movimientos musicales como el llamado rock en tu idioma y la avanzada regia, allá abajo, en el subsuelo de la Ciudad de México, se gestó otro movimiento igual de interesante pero que por su naturaleza siempre careció de atención y apoyo. Agrupaciones conformadas por jóvenes y no tan jóvenes que no se metían en asuntos políticos ni pregonaban su raíz latina y cuyo sonido se alejaba por completo de lo que dominaba en el mainstream de la época. Ellos no buscaban ni ser los próximos Nirvana ni se encontraban inmersos en el rap metal, tan sólo hacían música "diferente" y aunque con el tiempo algunos lograron despuntar, otros se convirtieron en auténticas bandas de culto del underground mexicano. Fue de esta generación que salieron nombres como Los Esquizitos, Lost Acapulco, Los Sicóticos, Las Ultrasónicas, The Sweet Leaf, Melamina Ponderosa, Comando Groovy e Intestino Grueso. Intestino Grueso nace de las cenizas de bandas como Mazinger Z y Asquerot Shit y a la vez es el resultado de amigos que frecuentaban La Panadería, un espacio cultural encabezado por el escritor Guillermo Fadanelli, quien se volvió en el antihéroe y estandarte de la comunidad artística alternativa (cuando el término alternativo significaba algo) de la ciudad. En este sitio se reunían escritores malditos, artistas visuales incomprendidos, cineastas en ciernes, músicos frustrados y borrachos profesionales. Dicen los que saben, que por las noches en este lugar se organizaban las mejores fiestas de la orbe, con excesos de todo tipo, drogas abundantes y una ecléctica selección musical. Fue tal vez como producto de todo lo anterior que un grupo de outsiders e incomprendidos decidieron montar su propia banda en la que metieron por igual influencias de Angélica María que de The Cramps y lo mismo sonaban a los Ramones pero también hacían covers de Tatiana y Timbiriche.Después de varios cambios de integrantes, la alineación más estable de Intestino Grueso consistió en Miguel Calderón (voz), Yibran Asuad (guitarra), Ali Gua Gua (guitarra), Pedro Zulu González (bajo) y Amy Brown (batería). El nombre del conjunto surgió porque, según explicaban los propios integrantes, "tocaban pura mierda". Mientras algunos intentaron definir su sonido como punk a-go-gó, otros los clasificaron dentro del garage y otros tantos siempre se sintieron ofendidos y los descatalogaron al argumentar que ellos nunca tuvieron carencias ni provenían de clases bajas, por lo que no podían tocar punk y sólo eran artistas jugándole al músico. Con una actitud desenfadada que se comprobaba en cada una de sus presentaciones, en las cuales solían disfrazarse de diversos personajes, desde obreros, mecánicos y hasta cavernícolas, los cinco amigos, apasionados y conocedores de la música, tenían como héroe a Mike Mariconda (productor de bandas como Raunch Hands, The Devils Dogs, Pleasure Fuckers y The Mummies), por lo que no dudaron en ponerse en contacto con él e invitarlo a que se encargara de la producción del álbum debut de Intestino Grueso, a lo que el neoyorquino respondió afirmativamente y el resultado fue una sesión grabada en formato análogo en el estudio 19 de la Ciudad de México en el año 2000. Con la oportunidad de poder abrir conciertos de grupos extranjeros de prestigio como The Fuzztones, The Cynics, Misfits y las Gore Gore Girls y cuando todo parecía avanzar y por fin la banda estaba a punto de abandonar el subterráneo para darse a conocer ante audiencias más grandes, de forma abrupta optaron por separarse y ponerle punto final a su carrera, por lo que el álbum jamás fue lanzado y sólo varios años después se filtró de manera no oficial a internet (en su momento nosotros compartimos el enlace para descargarlo). Es hasta ahora, 16 años después de que fue grabado, que el sello Épico, comandado por Julián Lede (Titán, Silverio, Beso Negro, Melamina Ponderosa), decidió publicar el ansiado álbum de culto en una pequeña edición limitada a 250 copias en vinilo que, como extra, incluye un insert con las letras de las canciones y fotografías inéditas de la banda, además de una tarjeta con un código para descargar el material en mp3. Como si se tratara de un tesoro que permaneció oculto durante una eternidad, el material mantiene un sonido vigente marcado por su rasposo y desenfadado estilo que no tiene comparación con ninguna otra banda nacional de su generación. A varios años de distancia, las canciones de Intestino Grueso inclusive han sido versionadas por grupos como Los Esquizitos, Fenómeno Fuzz, Riesgo de Contagio, Los Explosivos (grabaron el cover en un 7") y Beso Negro (en su momento escribimos la reseña de su EP debut). Es cierto que en el álbum en vinilo, ahora simplemente titulado igual que la banda, no aparecen todas las canciones que originalmente formaban parte del archivo que circuló en internet (se extrañan principalmente "Intestino Grueso", "Macho Biónico" y "Bestia") pero en su lugar se incluye "Culo Plano", un tema que nunca había visto la luz en ningún formato. Después de su separación, cada integrante siguió su camino por separado: Yibran se dedicó a la edición de películas y documentales; Ali Gua Gua revivió a Las Ultrasónicas y después se volvió una trotamundos con sus proyectos de cumbia; Zulu formó a Chino Y Los Cochinos y posteriormente a Thelmo Castelló Y Los Soundalikes; Miguel se convirtió en un reconocido artista visual que ha expuesto en los museos más importantes del país y fundó Beso Negro; y Amy se regresó a Estados Unidos y se alejó por completo del mundo de la música. Pero antes de que todo esto pasara, es justo (re)valorar al grupo que dividió opiniones, incomodó a propios y extraños y estuvo a nada de convertirse en the next big thing, pero las piezas del ajedrez no se acomodaron para que sucediera.
Enfundados en pantalones de mezclilla sucios y deslavados y con playeras empapadas de sudor, Witchdoktors es una de las joyas mejor guardadas del garage-punk inglés y, por desgracia, semi desconocidos fuera de la isla.
Para rastrear los orígenes del cuarteto es necesario retroceder hasta 1986; mientras el mundo observaba a la Argentina de Diego Armando Maradona convertirse en la selección campeona del mundial de futbol, en las calles de Londres se gestaba una banda adoradora del sonido del garage de los sesenta y del frenético punk de los setenta. El nombre de batalla que decidieron utilizar fue Witchdoktors y así comenzó todo.
Caracterizados por sus efusivos conciertos en los que es imposible mantenerse inmóvil, sus canciones sencillas pero salvajes al mismo tiempo, son una invitación directa a practicar el pogo desenfrenado. Con un sonido que bebe directo de The Sonics, Ramones, Revillos y The Fleshtones, el cuarteto actualmente conformado por Planet Andy (guitarra), Big T (guitarra y voz), Zig C (bajo) y Mr. Colfar (batería) se ha encargado, desde un inicio, de fabricar pequeñas bombas sonoras de dos o tres minutos de duración que transmiten la misma energía que una hora de ejercicio intenso en cualquier gimnasio.
La discografía del conjunto no es nada extensa y por eso, a tres décadas de su fundación, apenas van por el cuarto LP, pero dicen que de lo bueno poco. Titulado Voodoo Eye y con una portada que remite a las viejas películas de ciencia ficción, el álbum es breve pero intenso y sus 13 canciones resultan una delicia para quienes están hartos de los ritmos lentos y las baladas que dominan la mayoría de las estaciones de radio.
Sin buscar adoctrinar ni implantar mensajes filosóficos, las letras del grupo inglés hablan de tópicos tan mundanos como diversión, fiesta y en especial alcohol, por lo que cualquier seguidor del rock & roll encontrará en el disco a la que se podría convertir en su nueva banda favorita. Desde los sonidos más cercanos al punk inglés que se aprecian en temas como "High Society", hasta claras referencias al fratrock con todo y saxofón invitado en "Tom's White Shoes" y llegando a la instrumental y surfera "Double Down", se consigue un balanceado resultado.
Publicado por el sello Bomber Music, el álbum es una fresca bocanada de airepunk & roll capaz de levantar a un muerto y que se coloca como una de los mayores sorpresas del año. Energía, diversión y furia reunidas en poco más de media hora.
En un último comunicado, los organizadores del Corona Hell & Heaven revelaron a las tres bandas que se suman a la edición de este año, pactada para realizarse el próximo 23 de julio en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México.
Las agrupaciones internacionales elegidas que se agregan al cartel son Five Finger Death Punch (Estados Unidos), Amon Amarth (Suecia) y Suicidal Tendencies (Estados Unidos).
Con más de una treintena de agrupaciones de metal en sus diversas vertientes, que incluye a nombres como Rammstein, Ghost, Twisted Sister, Fear Factory, Mushroomhead y Sepultura, entre otras, el Corona Hell & Heaven 2016 promete más de 12 horas ininterrumpidas de música y headbanging.
Además de la parte musical, el festival contará con atracciones como juegos mecánicos, funciones de artes marciales mixtas y demostraciones de skate.
Los boletos ya se encuentran a la venta a través del TicketMaster con el siguiente rango de precios y beneficios:
COSTOS:
General $880.00
Preferente $1,800.00
VIP $2,900.00
DESCRIPCIÓN DE LAS ZONAS:
Boleto General
Acredita a su portador para acceder al área general de todos
los escenarios del festival para presenciar todas las actuaciones de los grupos
anunciados, tiene derecho a todas las atracciones, servicios generales y áreas
recreativas y de entretenimiento.
Boleto Preferente
El boleto preferente acredita a su portador a todos los
beneficios del boleto general e incluye el acceso a la zona preferente de los
escenarios principales donde podrás observar a tus artistas mucho más cerca.
Boleto VIP
Los usuarios con boleto VIP, gozaran de todos los beneficios
que incluyen las zonas generales y preferentes mas:
- Ingreso rápido al evento por un carril exclusivo.
- Acceso a la zona "Meet&Greet" donde podrán
convivir con los artistas que acepten ingresar a esta zona (los m&g con
artistas estelares serán sorteados entre los portadores de boletos VIP antes
del festival).
- Playera conmemorativa edición especial.
- Gorra conmemorativa edición especial.
- Póster conmemorativo edición especial.
- Gafete conmemorativo edición especial.
Para mayor información se puede consultar la página oficial del festival:
Pocas cosas son tan satisfactorias como ver el desarrollo y paulatino crecimiento de un grupo musical desde su nacimiento. Algunos pueden alcanzar el éxito de manera instantánea y otros abandonan sus sueños musicales o incursionan en géneros populares que les garanticen ingresos monetarios de forma segura; sin embargo, sólo los más necios se aferran a sus ideales a pesar de todos los obstáculos a los que se tengan enfrentar y tal es el caso de Los Cataclismos.
El trío formado a inicios de la presente década en Buenos Aires, Argentina, siempre tuvo claro que su objetivo principal era ejecutar música surf en su formato clásico, con un sonido reverberado y dulces melodías que incitaran al jugueteo y desenfreno en cualquier playa. La primera muestra de su trabajo fue un demo homónimo (que en su momento nosotros reseñamos) en el que se apreciaba a un grupo de jóvenes e inexpertos músicos con buenas ideas aunque su principal defecto era la deficiente grabación.
Ahora, en pleno 2016, Los Cataclismos por fin lanzaron su primer LP y lo hicieron de la mejor forma posible. El sonido mejora sustancialmente y cada instrumento se encarga de formar un rompecabezas musical que toma lo mejor del sonido de las bandas de antaño con las contemporáneas y lo incorpora a lo largo de los 12 temas que conforman el material.
Dentro de las sorpresas que uno se lleva cuando revisa la información de los créditos es que el trío contó con la colaboración de Alex Faide, el guitarrista argentino fundador de Los Twang! Marvels, quien participa en dos temas.
Una sorpresa mayor es que, aunque imperan las composiciones propias, Los Cataclismos optaron por hacer un cover de "Love Will Tear Us Apart" de Joy Division, algo que es de llamar la atención porque son escasos los ejemplos de grupos actuales de música surf que gusten de grabar versiones de temas ajenos a la música instrumental y, más en específico, del cuarteto liderado por el fallecido Ian Curtis, si acaso, sólo Big Máscara, guitarrista de Sr. Bikini, realizó en su álbum como solista un cover de "Shadowplay".
Fue gracias al trabajo constante y a mantenerse aferrados a sus ideales que Los Cataclismos conformaron un álbum debut que sorprende y con el que se posicionan como una de las bandas instrumentales más prometedoras del cono sur.
Con el objetivo central de difundir la música de vanguardia y experimental que actualmente se produce alrededor del mundo y acercarla al público mexicano, el festival Elnicho dio a conocer los nombres que protagonizarán su sexta edición, misma que se realizará del 11 al 15 de mayo en diversos recintos de la capital.
Con músicos provenientes de países como Japón, Estados Unidos, Bélgica, Noruega, Suecia y Francia, además del talento nacional, en palabras de sus propios organizadores este año en Elnicho se logró balancear una propuesta de programación que va del free jazz (The Thing, Arashi con el saxofón de Mats Gustafsson y Akira Sakata), a lo contemporáneo con piezas de James Tenney y Karlheinz Stockhausen y el enfoque en el trabajo del Groupe de Recherche Musicales, la música electrónica y el ruido (Leafcutter John, Kassel Jaeger, Eko Eko Azarak), la improvisación y el silencio (Lori Goldston, Mazen Kerbaj, Johan Berthling, Ingebrigt Håker Flaten), y otras formas inclasificables como el trabajo de Mike Cooper, Ignaz Schick, Moniek Darge y Françoise Vanhecke, el cine en vivo de Greg Pope con John Hegre y las varias colaboraciones que se estarán generando entre los músicos.
Lo que originalmente era una tienda itinerante de música, se convirtió en uno de los festivales verdaderamente alternativos más importantes de la Ciudad de México que, este año, ofrecerá conciertos, charlas, talleres, proyecciones de cine e inclusive cuenta con una sección denominada Elnichito dedicada exclusivamente al público infantil.
Definir los géneros que es posible encontrarse en Elnicho es una tarea sumamente difícil pues la gama de sonidos abarca desde música clásica, sonidos abstractos, free jazz, improvisación, ruidismo y, en general, proyectos arriesgados que no siguen ninguna fórmula y tienen su epicentro en la experimentación hasta llegar a parajes poco explorados.
A continuación compartimos el programa completo de este año:
MIÉRCOLES 11 DE MAYO
8 PM - 10:30 PM | Goethe-Institut Mexiko
Concierto | Entrada libre
MAZEN KERBAJ (LB) + DARÍO BERNAL VILLEGAS (MX)
IGNAZ SCHICK (DE) + CARLOS ALEGRE (MX)
Por segundo año consecutivo y gracias al apoyo esencial del
Goethe-Institut Mexiko, elnicho une fuerzas con el programa TonalÁtonal y
Alexander Bruck para presentar a dos figuras claves de la
improvisación: el alemán Ignaz SCHICK (tornamesas/objetos) y el trompetista e
ilustrador libanés Mazen KERBAJ, quienes estarán tocando solos y en
colaboración con otros artistas.
JUEVES 12 DE MAYO
7 PM - 11 PM | Ex Teresa Arte Actual
Concierto | Donativo $200
ARASHI (JP/SE/NO) - Akira Sakata, Johan Berthling, Paal
Nilssen-Love
MIKE COOPER
(GB)
MONIEK
DARGE / FRANÇOISE VANHECKE (BE)
MAZEN
KERBAJ (LB)
EKO EKO
AZARAK (US)
JOHN HEGRE (NO)
En cada edición, elnicho trata de invitar a leyendas del
free jazz, expresión máxima de energía acústica. Después de tener a Evan Parker,
Germán Bringas o Peter Brötzmann, nos deleita invitar por primera
vez en la CDMX al saxofonista sueco Mats GUSTAFSSON con su trío
monumental THE THING. El otro trío de free jazz invitado, ARASHI, tiene
en común al prolífico e incansable baterista Noruego Paal NILSSEN-LOVE,
ya partícipe en la edición de elnicho#3, y es compuesto de otra leyenda
del saxófono, el japonés Akira SAKATA, que tocará también en otras dos
agrupaciones. Vienen acompañados del contrabajista sueco Johan BERTHLING. Un agradecimiento especial a la Embajada de Suecia por el
apoyo para estos dos proyectos y la fundación Japón por apoyar a Akira
Sakata y a su trío.
Durante elnicho#5, tuvimos la oportunidad de ser parte del
UKMX 2015, año dual del Reino Unido y México, gracias al cual pudimos
diseñar un programa sobre el compositor Cornelius Cardew e invitar a
Keith Rowe, entre otros. Esta edición también cuenta con el apoyo
del British Council para seguir con nuestro interés en visitar la escena
inglesa de improvisación y la electrónica experimental. Se une el
legendario guitarrista Mike COOPER para una serie de conciertos en solo
y colaboración y el artista que hizo definir el
post-electrónico con su uso de folk,
electricidad y software, LEAFCUTTER JOHN.
VIERNES 13 DE MAYO
5 PM - 6 PM | Alumnos47 Móvil - Plaza Los Ángeles, Colonia
Guerrero
Intervención / concierto | Entrada libre
AKIRA SAKATA (JP)
IGNAZ SCHICK (DE) + INGEBRIGT HÅKER FLATEN (NO)
7 PM - 10:30 PM | Centro Cultural de España en México
Concierto |
Donativo $350
My
KROPHONIE (MX) - Mikrophonie I de Karlheinz Stockhausen
Darío Bernal Villegas, Alejandro Castaños, Ramón del Buey,
Juan Cristóbal Cerrillo, Carlos Iturralde, Iván Manzanilla
7 PM - 10:30 PM | Centro Cultural de España en México
Concierto | Entrada Libre
Difusión Acusmática - Estudios GRM (FRANÇOIS BONNET)
KASSEL JAEGER (FR)
Greg POPE (GB) / John HEGRE (NO) - cine en vivo
Cada año elnicho presenta un acto de cine experimental, dicho también ‘cine expandido’ o ‘cine en vivo’ - el trabajo en celuloide y de los proyectores 16mm directamente en vivo, Desde el año pasado, trabajamos en colaboración con Laboratorio Experimental de Cine (LEC) y este año, el inglés Greg POPE (residente en Noruega) será encargado de esta sección del festival con un performance -seguramente el más ruidoso de los cinco días- junto al noruego John HEGRE de Jazkamer. Pope es el fundador de colectivos de cine experimental como Situation Cinema (Brighton, 1986) y Loophole Cinema (Londres, 1989), y desde entonces trabaja realizando performances cinemáticos, videoinstalaciones y proyecciones de sus filmes.
DOMINGO 15 DE MAYO
11 AM - 8 PM | Museo Tamayo
Talleres de improvisación y experimentación sonora para niños (de 3 a 11 años), donde el sonido es el medio para asimilar y distinguir factores fundamentales del mundo al combinar la teoría tradicional de la música con ejercicios de escucha, improvisación, acústica y experimentos sonoros. Programa en conjunto con artistas mexicanos en las estructuras de A47 Móvil y el Museo Tamayo.
MARATÓN EL NICHO - TAMAYO
Entrada Libre
‘Cuando lo experimental es lúdico’
Para este evento especial, elnicho fue invitado como curador
y coproductor por el Museo Tamayo, beneficiándose de la estructura
generosa de uno de los museos más emblemáticos de la Ciudad de México. Con
la idea de montar un primer evento completamente gratuito y haciendo
uso de todos los espacios internos (auditorio, sala documentación y
patio) y externos (jardines, pabellón, explanada), se concibió un día de
‘maratón’ para la clausura del festival. Durante este día se presenta un
programa que aborda ejes temáticos sobre la escucha activa y la participación
del público.
Conciertos, performances, talleres y charlas
LIMINAR /
SONIDERO 13: James Tenney - 'In a large Open Space', 'In a large Reverberant
Space’
ALEXANDER
BRUCK (MX/DE)
MONIEK
DARGE (BE)
LORI
GOLDSTON (US)
JUAN
SEBASTIAN LACH (MX)
GREG POPE
(GB)
AIMÉE
THERIOT (MX)
MAZEN
KERBAJ (LB) & MIKE COOPER (GB)
LEAFCUTTER JOHN (GB)
JUAN CRISTÓBAL CERRILLO (MX)
Catalogo Contemporáneo
Listen Tree (instalación / intervención)
elnichito: taller para niños
ALUMNOS47 MÓVIL
Presentación de la colección de vinilos de Guillermo
Santamarina - Selección musical por artistas, músicos, curadores, críticos y
más.
Alumnos47 Móvil es una biblioteca especializada en arte
contemporáneo que opera de forma periódica en distintas comunidades de la
Ciudad de México. Las actividades que componen el programa de
Alumnos47 Móvil están planeadas en función de la sede que la albergará
durante su recorrido por la ciudad. Se trata de una biblioteca activa que
funciona sólo en colaboración con los proyectos que hacen posible su
programación. elnicho colabora con el A47 móvil al curar intervenciones en el
espacio público y la misma biblioteca con archivo sonoro, una lista de
lectura, puestos de escucha, conciertos y talleres para niños.
Los boletos para cualquiera de las fechas que tienen costo se pueden conseguir en Discos Mono (Jalapa #129, Col. Roma), Discoteca (Zacatecas #43, Col. Roma), Revancha (Colima #110, Col. Roma Norte) o en el siguiente link:
A poco más de dos décadas de su lanzamiento original, The Monsters publicaron una nueva edición de The Jungle Noise, álbum indispensable dentro de su discografía y que desde hace varios años se encontraba agotado siendo objeto de auténtico culto entre los seguidores y coleccionistas más acérrimos.
El conjunto fundado por el estrafalario Reverend Beat-Man en la ciudad suiza de Berna en 1986, originalmente contaba con un sonido sucio y mugriento que debido a la utilización de un contrabajo, muchos catalogaban como rockabilly e incluso psychobilly; sin embargo, fue a partir de las grabaciones de The Jungle Noise que optaron por emplear un bajo eléctrico y continuar con el mismo sonido podrido y salvaje de siempre. Desde entonces se convirtieron en uno de los grupos más reconocidos y venerados dentro del circuito del garage-punk.
En primera instancia, The Jungle Noise fue publicado en 1994 por el sello alemán Jungle Noise en un vinilo de 10" que contenía ocho temas y exactamente un lustro después fue el título elegido por la entonces novata disquera Voodoo Rhythm Records (fundada por el propio Reverend Beat-Man) para ser su primer lanzamiento, ahora en formato de CD compilatorio al que se le agregaron diversas canciones extraídas de otros lanzamientos para dar un total de 19 temas. En la actualidad, ambas ediciones se encuentran agotadas.
Con experiencias previas no del todo favorables con los estudios profesionales de grabación, Beat-Man y compañía decidieron ahora hacer todo ellos mismos y grabar las composiciones que tenían montadas de forma casera en el tiempo récord de dos días.
Con una guitarra atascada de fuzz, un cantante con voz de lija rota y canciones que reducen sus componentes al mínimo, se obtuvo el material que a la fecha contiene el sonido más primitivo, grasiento y desaseado de la extensa obra del grupo europeo, lo cual ya es mucho decir.
Pese a que predominan los sonidos acelerados y furibundos, también llama la atención la forma en que recrearon "Lonsesome Town" de Ricky Nelson, ahora en una fantasmal versión a punto de las lágrimas. En el resto del material se aprecian desde piezas instrumentales que coquetean con la música surf, hasta dignos representantes del punk incendiario que caracteriza cualquiera de sus conciertos y, a su vez, sirve de documento sonoro para conocer el momento preciso en el que el monstruoso grupo decidió cambiar ligeramente su formación, aunque el sonido violento, desenfadado y primitivo siempre ha estado presente.
La imaginación y el impulso creativo fueron los motores principales para que un trío de jóvenes capitalinos emprendieran el tortuoso camino al que se enfrentan todas las bandas de rock en México; además, hay que agregar que, desde un inicio, dejaron en claro que sus objetivos se alejaban de los ideales manejados por la mayoría de sus colegas.
Un término simple como lo es Sunset Images le sirvió a estos veinteañeros para que bautizaran a su proyecto e iniciaran con sus inquietudes y divagaciones que, tiempo después, se concretarían en sus primeras composiciones que fueron materializadas en un EP homónimo editado en el 2014.
Al poco tiempo comenzó la mayor aventura a la que se ha enfrentado la banda en su corta trayectoria: hicieron sus maletas y durante varios meses se fueron a radicar a Brooklyn, Nueva York, lo que les permitió enfrentarse a un público totalmente diferente y conocer el mundo musical fuera de las fronteras mexicanas. Su estancia estuvo llena de sacrificios como dormir en los lugares menos insospechados e inclusive sufrir de ciertos rechazos por ser extranjeros, pero también se llevaron infinitas experiencias y aprendizajes que al final les permitieron crecer no sólo como banda sino también en el aspecto individual.
A su regreso a la capital mexicana, el proyecto sufrió su primera transformación y tras la salida de un integrante, Sunset Images quedó conformado como un dueto integrado por Alejandro Zúñiga (guitarra y bajo) y Samuel Osorio (batería y secuencias). Entre ambos se encargan de confeccionar un rock instrumental con pasajes psicodélicos que invitan a la retrospección y a la reflexión.
Una muestra del actual trabajo del dúo quedó registrado en su segundo EP titulado Hajime, que traducido del japonés al español significa "un nuevo comienzo". Conformado por cinco composiciones, su trabajo es el resultado de soñar con los oídos y emprender vuelos mentales a lugares no explorados. Con ciertas coincidencias y también con sus respectivas diferencias, manejan un sonido que los acerca a otros proyectos mexicanos como Lorelle Meets The Obsolete, Muuk y Los Mundos. Y sí, con este material comenzaron de nuevo, pero ya cuentan con la experiencia suficiente y el debido camino recorrido para aspirar a objetivos cada vez más grandes.
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