Reseña: Telekrimen - Culto A Lo Imbécil (Slovenly Recordings / Música Para Locos Records, 2019)

Con dos décadas de trayectoria, los amos del budget rock en México presentan su álbum más oscuro y deseperanzador

El sobrepoblado Valle de México, con sus crecientes índices de violencia y cielos cada vez más contaminados fue el lugar en el que exactamente hace dos décadas nació Telekrimen. Se trata de uno de los híbridos musicales más sui generis que ha nacido en nuestro país y pese a todas las adversidades, continúa más activo que nunca.

En un inicio se trataba de un joven trío inclinado hacia la música surf con piezas instrumentales en las que hacían referencias a los zombies y viejas caricaturas. Pero con el transcurrir de los años y gracias a algunos cambios de integrantes también se presentaron notorias transformaciones sonoras. 

En la actualidad Telekrimen se ha posicionado como una de las agrupaciones más representativas del garage-punk en México. Su estilo sucio, distorsionado, demacrado y pesimista es su mejor carta de presentación.

En su álbum El Rey de los Incendiarios (recomendamos leer nuestra reseña), publicado en 2012, es donde se aprecia el cambio musical con respecto al presente de la banda. Ahora, con su quinto  LP recién editado por Slovenly Recordings y Música Para Locos Records, eso se ratifica e inclusive se aprecia un sonido mucho más oscuro y desquiciante.

Con apenas ocho canciones, Culto A Lo Imbécil es un reflejo de lo que significa vivir en uno de los países más violentos del mundo. Pese a las buenas intensiones y las promesas de la clase política, la realidad es que México parece ser un pozo sin fondo y la banda sonora que se puede escuchar mientras llega el apocalipsis es la obra más reciente de Telekrimen.

Mientras que en el pasado la frase "si está podrido está muy bien" se convirtió en el slogan de todas las presentaciones de la banda, ahora "ni esperanza ni futuro" parece ser el nuevo mantra con el que se les relacionará. Se trata del título de la pieza con la que abre su nuevo material y en la que se aprecia un rock & roll tradicional que de inmediato abre paso a "Richman Holocausto", mucho más cercano al budget rock que caracterizó a The Mummies y Supercharger.

Dentro del trabajo destaca "Magia Negra", una canción instrumental que varias veces se ha escuchado en los conciertos recientes del combo. Las guitarras capaces de hipnotizar a una serpiente se combinan con la furia de un teclado que está a punto de sufrir un infarto.

En contraparte, "Jeremías" se distingue del resto por sus casi ocho minutos de sonidos psicotrópicos y taquicardias auditivas. Todos los músicos se transforman en el Padre Karras y están en búsqueda de practicar su siguiente exorcismo. 

No, las bocinas no se descompusieron ni la computadora tiene fallas, se trata del nuevo álbum de Telekrimen en el que importa más la actitud que la perfección. Aunque sea reducido en el número de canciones, el trabajo resulta congruente con respecto al mensaje que la agrupación ha manejado durante los últimos años.

https://www.slovenly.com/artist/telekrimen

Reseña: Voodoo Childs - Conduciendo EP (Independiente, 2019)

Primera muestra del trabajo de un cuarteto de rock & roll gritón que no le tiene miedo al volumen y sólo quiere divertirse

Sonar fuerte hasta que se revienten las bocinas es la máxima aspiración de uno de los conjuntos de rock & roll más jóvenes de la Ciudad de México. No buscan educar, transmitir mensajes filosóficos ni les interesa cambiar al mundo, tan sólo quieren que cada uno de sus conciertos sea una fiesta llena de alcohol y música a todo volumen.

Detrás de Voodoo Childs se encuentran Leo Voodoo (voz), Mojo (bajo), Luis Padilla (batería) y Diego (guitarra). Adoptan una de las formaciones más básicas del rock porque así es su estilo. Se evitan todo tipo de complicaciones y eso se refleja en sus composiciones.

Mientras que en la actualidad se vive una euforia por la psicodelia y el garage que busca emular a las bandas de los sesenta, con Voodoo Childs ocurre algo totalmente distinto. El grupo se adentra por completo en el garage-punk y eso se traduce en canciones aceleradas llenas de gritos que transpiran sudor.

En ese sentido, el hecho de que Diego también sea guitarrista de Los Mustang 66, una de las agrupaciones de garage más importantes y longevas de México, ha ofrecido importantes beneficios. No sólo se trata de la experiencia sino del hecho de adentrarse de lleno en el género y absorber los conocimientos necesarios para inyectarlos en su otro proyecto.

La primera muestra del trabajo del cuarteto es el EP Conduciendo que cuenta con cuatro canciones. La abridora es "Ya No Puedo Más" que en sus primeros segundos incluye el sonido de los surcos de un vinilo e inmediatamente después suenan unos tamborazos que inician el aquelarre musical.

A su vez, "Jodido Amor" es una carta de odio para alguien a quien se le pudo estimar en el pasado. Lo que resulta obvio con Voodoo Childs es que ellos no apelan a la nostalgia ni al peace and love tan de moda en la actualidad sino al rock gritón del estilo de Mono Men, Mudhoney y Dead Moon.

En el material también suena "Noches de Alcohol", tal vez la pieza más tranquila del EP. Como su letra lo menciona, es una oda a lo que se siente la mañana siguiente a una fiesta interminable, cuando los estragos de los excesos cobran factura al cuerpo. De alguna forma el trabajo los acerca a Los Sustos, cuarteto mexicano de rock & roll que también tiene una fuerte adoración por el volumen y la diversión.

Finalmente, el álbum editado en CD concluye con "Conduciendo", que es una combinación de hot rod con punk callejero para incitar al pogo. No existen contemplaciones ni mensajes ocultos porque simplemente se trata de rock & roll fúrico que se debe escuchar a máximo volumen.

De corta duración, el EP editado de forma independiente es tan sólo una primera muestra del sonido de una de las caras más frescas del safari musical mexicano. Mientras la mayoría de las bandas nacionales han hecho de la psicodelia un lugar común, Voodoo Childs logra diferenciarse por sus canciones tan ruidosas que tan sólo con escucharlas remueven el cerumen de los oídos.

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Reseña: Xenu & The Thetans - Xenu & The Thetans (Slovenly Recordings / Música Para Locos Records, 2019)

Punk veloz de letras inteligentes creado por músicos de México, Estados Unidos y Puerto Rico

Canciones fulminantes que no sólo están llenas de poder sino que además se esfuerzan por transmitir pequeños mensajes a través de sus letras son las que se pueden escuchar en el álbum debut del conjunto pluricultural Xenu & The Thetans, surgido en la Ciudad de México.

De nacimiento bastante reciente, el quinteto es el resultado de diversos amigos que forman parte de otras agrupaciones pero que optaron por aprovechar su tiempo libre para dar vida a un nuevo proyecto con un sonido encaminado hacia el punk rock.

En general, se puede afirmar que Dávila 666, Crocodiles y Descartes A Kant no tienen la más absoluta relación entre sí, salvo que algunos de sus integrantes son los que forman parte de este nuevo "supergrupo" lleno de energía.

La primera muestra de su trabajo es un álbum homónimo en el que se presentan 12 temas de muy corta duración, cantados en español, pero que son como un torbellino musical que arrasa con todo lo que encuentra a su paso.

Cada una de las piezas es directa y evita alargarse de forma innecesaria. Tampoco existen muestras de soberbia o virtuosismo porque el objetivo es sonar lo más natural posible y no como un producto prefabricado creado por computadoras.

Con la bandera del punk rock como estandarte, la obra inicia con "Amigos Muertos", un himno dedicado a todas las personas queridas que fallecen a una corta edad. Pero aunque la temática es nostálgica, de ninguna forma se trata de una triste balada sino de una explosiva composición que ataca directo a los oídos.

En ese mismo nivel se encuentra "Nadie Por Quien Morir" que incita a disfrutar el presente por ser lo único con lo que se cuenta. La letra es bastante sencilla pero destaca por el mensaje que transmite, algo que no es muy común dentro del punk latinoamericano, acostumbrado a las canciones en inglés o que repiten discursos desgastados. Por su parte, "El Día Perfecto" es una invitación a la rebeldía y abandonar las actitudes pasivas.

Lo más complicado de una agrupación como Xenu & The Thetans es lograr trasladar su sonido callejero y de baja fidelidad al estudio de grabación, para lo cual se contó con el trabajo de Miguel Fraino (guitarrista de Cardiel), quien logró encapsular la esencia musical en cada una de las piezas del material.

Dentro de lo que podría denominarse como punk pensante, el quinteto es un ejemplo claro de que es posible componer canciones que no sólo provoquen el movimiento de cuerpos sino que también inviten al pensamiento y la autoreflexión como en su momento ocurrió con Minor Threat y Fugazi.

https://www.slovenly.com/artist/xenu-the-thetans

Reseña: The Jackets - Queen Of The Pill (Voodoo Rhythm Records, 2019)

Uno de los grandes problemas del rock actual es la falta de continuidad en proyectos que originalmente parecían prometedores. Existen grandes bandas que tienen inicios que sorprenden pero al poco tiempo cambian sus intereses y terminan por desaparecer.

El campo del garage-punk no es diferente y existen pocas agrupaciones que puedan presumir de contar con una trayectoria de más de una década de trabajo continuo. Un ejemplo claro se puede apreciar con The Jackets y su publicación constante de materiales y giras a lo largo de toda Europa e inclusive ya han visitado Estados Unidos.

Ahora, el trío suizo presenta su cuarto LP en el que se aprecia un seguimiento al sonido que han mostrado desde su debut publicado hace exactamente 10 años. Su estilo se basa en hacer canciones duras con una guitarra ruidosa pero acompañada de coros sencillos de aprender.

En este caso, el nuevo material contiene una decena de piezas adictivas de rock & roll lleno de fuzz dirigido para todos los aficionados a los sonidos primigenios pero bien ejecutados. Al igual que en el pasado, destaca el trabajo de Jack Torera (también integrante del dueto The Sex Organs), la cantante adicta al delineador quien es una de las poca mujeres guitarristas de garage en la actualidad.

El trinomio es complementado por Chris Rosales (batería) y Samuel Schmidiger (bajo), quienes cumplen con su trabajo de proporcionar ritmo y forma a las composiciones. A ellos se debe agregar que al igual que en su 7" lanzado en 2017 (recomendamos leer nuestra reseña), el productor es el demente King Khan.

El trabajo abre con "Dreams", cuyos rasguidos de guitarra se encargan de introducirnos a un mundo en el que conviven el punk, con el garage y la psicodelia. La energética batería contagia su entusiasmo como se puede apreciar en "What About You", otra muestra del adictivo sonido de los suizos.

Por su parte, "Don't Leave Me Alone" es una romántica canción pero ejecutada con todo el poder que caracteriza al conjunto europeo. A su vez, "Floating Alice" representa la cara más psicotrópica y lisérgica de la banda al ofrecer un resultado más cercano al rock de The Seeds y los 13th Floor Elevators.

Con un estilo bastante definido que no pretende cambiar, el trabajo confirma a uno de los conjuntos más trabajadores y estables de la actualidad. Tanto su sonido como la voz de Jack Torera ya son fácilmente identificables y eso se reafirma con su nuevo material.

https://www.thejackets.ch

Reseña: Dogtooth Blues Band - Help Me / Mellow Down Easy 7" (Croydon Records, 2019)

Mientras que existen ritmos y estilos musicales que alcanzan breves momentos de popularidad para posteriormente convertirse en modas pasajeras, también se encuentra el blues que es atemporal e inmortal. Pasan las décadas pero resulta imposible el poder desprenderse de la forma sonora original de disfrutar del dolor.

De igual forma, uno de los aspectos a destacar en décadas recientes es que se ha borrado el complejo de que sólo los afroamericanos pueden ejecutar el blues. La realidad ha demostrado que la pigmentación de la piel no tiene relación con los sentimientos porque todos disfrutamos y sufrimos por igual.

Ahora, dentro de la amplia lista de agrupaciones actuales que se inclinan hacia este primitivo estilo musical se añade el cuarteto Dogtooth Blues Band, por el que fluye sangre francesa e inglesa.

De creación bastante reciente, el combo proviene de la pequeña ciudad gala Perpignan. Pero al analizar a sus integrantes la mayor sorpresa es encontrar el británico Paul Newman, con pasado en The Clique y Knave, como el lobo aullador que le brinda voz al conjunto.

La primera muestra del trabajo de la agrupación europea es un 7" que presenta un par de covers de canciones clásicas del blues. Pero para rendir un homenaje total, se hizo un viaje en el tiempo y el proceso de grabación fue lo más cercano a la manera en que se acostumbraba durante la primera mitad del Siglo XX: los cuatros integrantes del conjunto en el mismo cuarto y sin dobles tomas. 

De esta manera, el sencillo debut de Dogtooth Blues Band incluye las versiones de "Help Me" de Sonny Boy Williamson y "Mellow Down Easy" de Little Walter. Al conocer las composiciones originales es claro que no era necesario realizar grandes cambios.

Finalmente, el 7" es editado por Croydon Records, una filial de Bickerton Records que se caracteriza por publicar sólo materiales relacionados con los sonidos negros en pequeños tirajes.

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Reseña: The Dealers - Blue Light Man / Pareidolic Way 7" (Bickerton Records / Action Weekend Records, 2019)

Mientras que mucho apelan a la modernidad e innovación, existen algunas bandas como The Dealers que buscan todo lo contrario. Resulta bastante complicado crear algo completamente nuevo en la actualidad, por eso resulta mejor tomar lo más destacado del pasado e imprimirle energía y un toque personal.

A lo largo de su corta trayectoria, el cuarteto español ha destacado por su forma de alimentarse de la música surgida durante la década de los sesenta. Sus gustos van de The Kinks a The Seeds, los primeros The Who y The Rolling Stones en su etapa con Brian Jones.

Derivado de lo anterior, el combo vitoriano se ha posicionado como uno de los exponentes más destacados del R&B en la actualidad. Sus composiciones evitan las complicaciones y los sonidos artificiales generados por computadoras de última generación. Lo de ellos es hacer música con los elementos básicos y trasladar de forma directa y natural el sonido de estudio a sus sudorosas presentaciones.

En este ocasión, la agrupación presenta su nuevo 7" que tiene un cómplice muy especial que entiende a la perfección la intensión de los integrantes. Se trata de Jorge Explosion, quien se ha convertido en una leyenda moderna de la música y fue el encargado de grabar las dos nuevas canciones en sus estudios analógicos Circo Perrotti.

En primera instancia, la cara A muestra "Blue Light Man", una pieza llena de energía que se acerca a los linderos del garage y el powerpop. Los rasguidos a las guitarras se combinan con los juegos vocales y una armónica protagónica que destaca a lo largo de la canción.

Por otra parte, en la cara B se encuentra "Pareidolic Way", un tema mucho más cercano a la psicodelia que en algunos momentos hace pensar en Roky Erickson y sus 13th Floor Elevators. En esta ocasión las guitarras destacan por su fiereza y provocar una invitación directa a practicar el pogo.

El sencillo editado en conjunto por Bickerton Records y Action Weekend Records destaca por ofrecer un rock & roll sincero y energético pero al mismo tiempo luce insuficiente por ser un pequeño aperitivo que deja con hambre de más sonidos de The Dealers.

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Reseña: Model Zero - Model Zero (Black Gladiator / Slovenly Recordings, 2019)

Han transcurrido más de seis décadas desde que Alan Freed bautizo al rock & roll. Desde entonces, el estilo se ha ramificado de las más diversas formas y cada vez resulta más frecuente escuchar variadas combinaciones. Pareciera que ya todo se ha hecho pero siempre aparecen nuevas bandas que ofrecen una visión distinta para evitar ser un grupo más del montón.

Uno de los ejemplos más recientes es Model Zero, cuarteto estadounidense proveniente de Memphis conformado por exintegrantes de Ex-Cult y Jack Oblivian & The Sheiks. En apariencia, podrían ser un grupo más de rock pero la diferencia radica en la incorporación de sonidos extravagantes que parecen salidos de un videojuego antiguo descompuesto.

Después de presentarse en distintos foros de su país natal, al álbum debut del cuarteto está listo gracias a los sellos Black Gladiator y Slovenly Recordings.

A lo largo de nueve composiciones propias, el conjunto muestra distintas facetas. La abridora "Kill The Guardian" apenas es el aperitivo. De corta duración, se encarga de preparar la llegada de "Japanese Death Poem", una retorcida pieza de rock & roll marciano.

Es la combinación de una batería real con el famoso drum buddy, una especie de caja de ritmos inventada por Quintron, lo que marca diferencia y le ofrece un sello personal al cuarteto.

Mientras que en la actualidad existen bandas que parecen clones por su sonido simplón y falta de personalidad, el caso de Model Zero es bastante distinto. Su primera carta de presentación posiciona al cuarteto como uno de los grupos a seguir gracias a su distintivo estilo que los aleja del resto.

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Reseña: Les Bof! - Voila! (Dirty Water Records, 2019)

Si bien, lo que más suele importar en cualquier banda de rock es su sonido y actitud, existe otro elemento al que muy pocos le ponen atención y se trata de la imagen. Eso no quiere decir que los integrantes salgan maquillados o con peinados estrafalarios sino que porten ropa como la que se acostumbraba en la época de sus abuelos. No importa la forma en la que toques pero siempre te tienes que ver bien.

La lección es aplicada por Les Bof!, cuarteto escocés nacido en Edimburgo que tienen un profundo respeto por la música e imagen que dominaba en el rock de mediados de los sesenta. Por eso su mayor objetivo no es sólo sonar como sus ídolos sino verse como ellos.

De esta forma, el sello inglés Dirty Water Records edita el segundo LP del combo europeo en el que se repite lo presentado en su álbum debut. La diferencia es que ahora se aprecia un sonido más cohesionado por la experiencia adquirida por los años.

Dentro de las mayores influencias del conjunto se encuentra el pop ye-yé francés, por lo cual todas sus canciones están cantadas en la lengua de Napoleón.

A lo largo de 14 canciones también se escuchan referencias al sonido y cultura mod y beat. Como tema abridor se escucha una personal versión de "Jezebel", composición original de Wayne Shanklin que ha sido interpretada infinidad de veces pero en esta ocasión destaca el refinado tratamiento que se le dio.

A su vez, en "Je Suis Le Boss" destaca una armónica que le ofrece al cuarteto un sonido más cercano al R&B de los primeros años de The Rolling Stones. En cambio, "Drogue 'N' Roll" es una pieza que se adentra por completo en el garage con una guitarra llena de fuzz y una energética batería.

Al final, el segundo LP de Les Bof! resulta en un viaje al pasado, cuando los jóvenes músicos no se preocupaban por ser los más virtuosos ni los mejores y simplemente querían divertirse y disfrutar el presente sin pensar en el mañana.

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Reseña: Rod Hamdallah - Think About It [Reedición] (Hound Gawd! Records, 2019)

Desde su fundación hace poco más de un lustro, el sello alemán Hound Gawd! Records se ha dado a conocer por su fina selección de proyectos de rock & roll. Hace unos meses editó lo nuevo del trío italiano de blues-punk The Gentlemens y ahora presenta su nuevo lanzamiento que en realidad es una revisión del pasado.

Fue en el 2014 cuando se publicó por primera vez el primer EP en solitario del guitarrista estadounidense Rod Hamdallah. Mientras que en un inicio sólo lo hizo en CD y digital, ahora verá la luz una edición en vinilo de 10".

En primer lugar, Rod es conocido por haber sido integrante de Legendary Shack Shakers. Fue ahí donde adquirió relevancia internacional y pudo salir de gira por todo el mundo. Ahora, ya en su faceta como solista, existen ciertas referencias sonoras que se mantienen.

Dentro de las cinco composiciones que se incluye en el material se aprecia un sonido de rock & roll pantanoso con guiños de blues y rockabilly. Se trata de tomar la música del pasado y traerla al presente.

En "I Don't Mind" existe un fuerte parentesco con los primeros álbumes de The Black Keys, lo cual se traduce en una guitarra fuerte y llena de blues que se combina con unos gritos ensordecedores a lo largo de toda la canción.

Por su parte, "Thnik About It" se encuentra a medio camino entre el garage y el punk. Es una composición que no se podría entender sin la influencia directa de The Sonics y su trabajo realizado hace más de medio siglo.

Aunque no se trata de una novedad, el sonido del material es a prueba de caducidad porque se alimenta de estilos que surgieron en el pasado pero que han forjado la mayoría de lo que se escucha en el presente.

https://www.rodhamdallah.com