Reseña: The Routes - Tune Out, Switch Off, Drop In (Groovie Records, 2019)

Dentro del garage-punk de años recientes existe un nombre que destaca y es Chris Jack. El motivo es porque se trata de una de las personas de mayor actividad en la música. Así lo demuestran sus constantes lanzamientos y presentaciones con su banda The Routes.

El multiinstrumentista de origen británico pero que ahora radica en Japón no parece querer cambiar su estilo de vida. Por eso es que ahora presenta el nuevo álbum de su banda y en el que se mantienen las guitarras fuertes y distorsionadas, aunque también existen algunos cambios.

En primer lugar, Chris se encargó de la guitarra y el bajo en el estudio, mientras que su compatriota Bryan Styles es el que ejecuta la batería. La pareja grabó una decena de composiciones propias que son las que conforman el séptimo LP de The Routes en su breve trayectoria de poco más de una década.

Al escuchar el material lo primero que se puede afirmar es que es el trabajo con mayor carga de psicodelia de su discografía. Desde los primeros riffs de la abridora "The Ricochet" se siente un ambiente delirante e inclusive el ritmo lento y repetitivo se adentra en el krautrock.

Por su parte, "The King Of Loose Ends" es una pieza mucho más cercana al garage-punk de los materiales anteriores del conjunto. La guitarra con fuzz, la voz aguardientosa con aroma a alcohol y una potente batería son los elementos que la identifican.

El hecho de que el disco muestre una tendencia hacia la lisergia no es algo accidental. El propio Chris he declarado que el título del material hace referencia al álbum Turn On, Tune In, Drop Out que grabó el escritor y promotor de los alucinógenos Timothy Leary en 1967. Inclusive la portada de este nuevo lanzamiento es prácticamente la misma que la del material citado.

Con lo anterior en mente, se entiende de mejor forma el resultado final de este LP editado por el sello portugués Groovie Records. De hecho, en "When You Come Down" y "Thinner Everyday" se escucha una fuerte influencia del shoegaze de los ochenta con los sonidos oscuros de My Bloody Valentine, The Jesus And Mary Chain y Slowdive.

Más allá del prolífico trabajo de The Routes, algo que se debe de agradecer del grupo es que evita permanecer estancado o repetir la misma fórmula una y otra vez. Salir de la zona de confort es uno de los retos que muy pocos músicos se atreven a enfrentar.

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Reseña: Bobkat '65 - Back Off Me (Get Hip Recordings, 2019)

La década de los sesenta del siglo pasado ha sido una de las más importantes en la historia contemporánea. La mayor muestra se puede apreciar en la repercusión e influencia que existe en la actualidad.

Fue así que en 2015 tres jóvenes españoles decidieron fundar un proyecto musical que, desde el nombre, deja en claro su reverencia por el pasado. El grupo se llama Bobkat '65, igual que el modelo de guitarra fabricado por Harmony Company a mediados de los sesenta.

El trío obtuvo reconocimiento con su primer LP, grabado en los Estudios Circo Perrotti de Jorge Explosion en 2017, por lo que ahora es momento de escuchar su segundo material de larga duración. Al igual que su debut, es publicado por el sello americano Get Hip Recordings.

En esta ocasión el tridente asturiano conformado por  Ana (guitarra y voz), Paula (bajo y voz) y Diego (batería) contó con la producción del afamado Jim Diamond para registrar las 10 canciones que conforman el trabajo.

En términos de sonido parecen no existir muchas diferencias y eso deriva en una clara inclinación hacia la psicodelia, las armonías vocales, el fuzz en la guitarra y el rock & roll adolescente que predomina en las compilaciones de la época como las series de la Nuggets y Pebbles.

No hay complicaciones porque las letras de las canciones son igual de sencillas que su contraparte musical. Las canciones hablan de cuestiones universales como el amor y las decepciones, pero siempre a través de energéticos ritmos.

Destacan algunas composiciones propias como "Snowing In My Heart" y "Society Trash", las cuales inclusive llegan a coquetear con el protopunk gracias a su sonido sucio y desenfadado. A su vez, también se escuchan algunos covers, siendo el más destacado "Cry With Me" de The Story Tellers con su adictivo fuzz, pero ahora revitalizado.

Con un estilo simple pero no simplón, el trabajo muestra lo que se puede hacer con el mínimo de elementos. Las canciones no necesitan exceso de maquillaje porque la belleza es natural.

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Reseña: Televisionaries - Ram-A-Lam-A 7" (Hi-Tide Recordings, 2019)

De manera histórica Nueva York es conocido por ser uno de los estados más famosos de Estados Unidos. Dentro del campo musical destacan sus aportaciones al punk, jazz y art rock, aunque en realidad su variedad sonora es mucho más amplia.

Dentro de la música surf son pocos los representantes de Nueva York que se pueden mencionar, pero uno de los exponentes más recientes es el trío Televisionaries que ahora presenta su nuevo 7" a cargo del sello Hi-Tide Recordings.

El cuarteto originario de la ciudad de Rochester presenta en su nuevo single un estilo que se alimenta por completo de lo hecho por The Trashmen hace más de medio siglo. Con esto, se trata de rock & roll a veces instrumental y en otras con coros pegajosos que repiten una frase a lo largo de toda la canción.

En ese sentido, la cara A abre con "Bad News" y su sonido energético y festivo que invita al contoneo de caderas. La guitarra reverberante de Trevor Lake transpira la brisa del mar, mientras que el bajo de Brendan Lake es fuerte pero sin llegar al protagonismo y la batería de Austin Lake se encarga de mantener el ritmo en todo momento. A su vez, los tres integrantes se encargan de los divertidos coros al estilo de The Beach Boys.

Por otra parte, la parte instrumental del conjunto se puede apreciar en "Tokyo Swing" y su dulce melodía que recrea una cálida mañana en cualquier playa del mundo. En cambio, en "Ram-A-Lam-A" se fusiona el doo wop con el ritmo del rockabilly para ofrecer una pieza rápida de menos de dos minutos pero llena de felicidad.

Las canciones parecen perdidas en el tiempo y de no ser por la información del 7", cualquiera podría pensar que fueron grabadas hace varias décadas. El trabajo es una muestra clara de que los mejores sonidos son los que no pasan de moda porque nunca lo han estado.

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Reseña: Trixie & The Trainwrecks - Too Good To Be Blue / Get Busy Living 7" (Voodoo Rhythm Records, 2019)

La búsqueda de nuevos sonidos que en realidad parecen haber sido grabados hace décadas es una de las características del sello Voodoo Rhythm Records, fundado por el estrafalario Reverend Beat-Man. Aunque muchos de sus lanzamientos están ligados con el punk y garage, en realidad su oferta es demasiado amplia.

La disquera se ha distinguido por ser la casa de proyectos relacionados al blues y la música que imperaba en las primeras décadas del Siglo XX. Eran tiempos en los que todavía no existía el rock & roll formalmente, aunque muchos de los jóvenes de clases bajas de la época eran aficionados a relatar sus vivencias acompañados de sucias guitarras de madera.

Aunque el mundo del blues siempre ha sido dominado por hombres, también existen pocos pero destacados ejemplos de mujeres que se adentran en este campo y uno de los más recientes es Trinity Sarratt, mejor conocida como Trixie Trainwrecks.

Originaria de San Francisco, adquirió reputación cuando siendo una adolescente se mudó a Berlín. Su vida consistía en tocar su guitarra en cualquier lugar a su disposición, lo que incluía la calle y el transporte público. Eso la llevó a formar una reputación y posteriormente inició su propio proyecto de one-man-band, aunque en su caso lo correcto es one-lady-band.

Después del lanzamiento de un par de sencillo con el sello Squoodge Records, fue en el 2018 cuando se integró al catálogo de Voodoo Rhythm Records y publicó su primer LP. La diferencia es que Trixie añadió a Charlie Hangdog por su habilidad con la armónica. Así surgió una dupla de folk-blues-trash que parece salida de un viejo campo de algodón en Mississippi.

Para dar continuidad al trabajo de la pareja, ahora llega su nuevo 7" que contiene dos canciones en las que no existen variaciones con respecto al sonido de su material debut. En primera instancia destaca el trabajo de Trinity quien canta, toca la guitarra y ejecuta un destartalado bombo. Por su parte, Charlie es un hombre con una gran capacidad pulmonar, lo que le permite hacer sonar la armónica como pocos.

Para redondear en cuando al sonido, el binomio contó con un par de colaboradores para la grabación de las dos canciones. Se trata del experimentado Bruce Brand (The Headcoats, Holly Golightly, Hipbone Slim) en percusiones y aplausos. Además también aparece Alex McGowan en los coros.

El resultado ha quedado materializado en un par de piezas que no es posible determinar la época a la que pertenecen. Aunque la etiqueta diga 2019, el sonido es más cercano a lo que escuchaban los esclavos afroamericanos que se encargaron de crear los cimientos de Estados Unidos. Es una pequeña muestra de lo atemporal y universal que puede ser la música.

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Reseña: The Cavemen - Night After Night (Slovenly Recordings, 2019)

Existen cosas que nunca van a cambiar y una bastante clara es el sonido de The Cavemen. En cuestión de un lustro el cuarteto originario de Nueva Zelanda se ha convertido en uno de los mayores referentes del punk & roll mundial. 

A pesar de la vida de excesos que llevan sus integrantes, su compromiso con la música se mantiene presente. El resultado es un estilo de vida que se divide entre estar de gira por todo el planeta y la publicación constante de nuevo material.

Apenas durante este año el cuarteto publicó un sencillo (recomendamos leer nuestra reseña) y colaboró en una compilación del sello Dirty Water Records (aquí se puede leer nuestra reseña), pero ahora llega su flamante cuarto LP, que al igual que el anterior es publicado por el sello especializado en sonidos ásperos Slovenly Recordings.

Con el título directo de Night After Night, que describe cómo es vivir el rock & roll hasta sus máximas consecuencias, el material contiene 13 ruidosas composiciones que huelen a cerveza y transmiten el sudor que se vive en cualquier presentación de estos cavernícolas modernos.

La fórmula es tan sencilla que parece que cualquiera la puede replicar, pero tal y como lo demostraron los Ramones, en el rock no siempre destaca el que toca más rápido o mejor porque existen aspectos elementales como la actitud y la congruencia que no todos dominan.

Con una voz similar a lo que sucedería si alguien basa su alimentación en comer vidrios rotos, Paul Froggatt convierte sus gritos en una de las marcas inconfundibles de The Cavemen. Pero además también es necesario destacar el trabajo de sus compañeros Jack Beesley (guitarra), Jake Pringle (batería) y Nick Armstrong (bajo) porque la suma de todos los elementos es lo que permite obtener el sonido desafiante que está presente en cada una de las piezas.

La canciones varían su duración entre uno y dos minutos. Son tan directas que no necesitan más tiempo para explotar en los oídos. Hablar sobre peleas callejeras, relaciones amorosas fallidas o simplemente disfrutar el presente sin pensar en el mañana son algunos de los tópicos que se repiten a lo largo del material.

El nuevo álbum de The Cavemen suena exactamente igual al anterior y así ocurre con cada uno de sus lanzamientos. No se trata de una banda que aspire a crear el próximo éxito de moda que le otorgue fama y fortuna sino simplemente desea convertir el rock & roll en una forma de vida.

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Reseña: The Chickenbackers - Yeh Right, Yeah! (Soundflat Records, 2019)

El mayor anhelo de múltiples grupos musicales es que el tiempo se hubiera detenido en la década de los sesenta y justamente eso es lo que ocurre con The Chickenbackers, un novato cuarteto proveniente de Madrid aficionado al rock & roll y a la vestimenta elegante.

El conjunto representa una de las caras más frescas del actual movimiento musical de España. Tan sólo cuenta con un EP previo y ahora llega su primer álbum a través del sello alemán Soundflat Records.

En cuestión de sonido el material de 14 canciones se adentra por completo en el rhythm & beat. No hay complicaciones ni experimentaciones porque los integrantes tienen bastante claro su objetivo.

Como es natural, los únicos instrumentos que se escuchan son un par de guitarras, un bajo y una batería. Con una formación clásica el cuarteto ejecutan tanto composiciones propias como versiones, pero siempre con la idea clara de sonar como sus héroes musicales, los cuales van de The Zombies y hasta los Easybeats.

De igual manera, otra característica del LP es que todas las canciones están cantadas en inglés. Es "Because I Was Blind" la encargada de abrir el trabajo y gracias a su pegajoso coro es bastante sencilla de memorizar. A su vez, el rol de cantante se reparte entre los cuatro integrantes para obtener una interesante armonía vocal.

Por otra parte, dentro del apartado de los covers destaca la versión de "Can't Get Your Lovin'" de los Count Five. Una de las canciones más emblemáticas del primigenio garage de los sesenta no requiere cambios y por eso no los tiene. El combo madrileño la ejecuta con mínimas diferencias pero con la misma intensidad que con la que John Byrne la compuso hace más de medio siglo.

Con fuertes dosis de energía pero con un absoluto respeto por el sonido que prevaleció en el máximo apogeo de la música beat en el Reino Unido, el primer LP de The Chickenbackers reafirma que existen estilos que nunca deberían de cambiar.

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Reseña: Satan's Pilgrims - Happy Holidays with Satan's Pilgrims 7" (Hidden Volume Records, 2019)

Fue en la década de los noventa cuando la música surf vivió uno de sus mejores momentos a nivel internacional. Aunque la bomba detonó con el estreno de Pulp Fiction de Quentin Tarantino en 1994, desde algunos años antes ya existían bandas que ejecutaban rock & roll instrumental con altas dosis de reverberación en las guitarras.

Dentro de la generación de agrupaciones que nacieron en la última década del Siglo XX existe una que ha logrado enfrentar todo tipo de obstáculos y hasta la fecha permanece en activo. Se trata de los Satan's Pilgrims (recomendamos leer nuestra entrevista con la banda) y su distintivo sonido con tres guitarras, algo poco común dentro del género.

Con poco más de 25 años de trayectoria, el quinteto tiene listo su nuevo sencillo y lo más llamativo es que se adentra en una temática que el grupo nunca había incursionado: la navidad.

De esta forma, con el apoyo de Hidden Volume Records, sello fundado por Scott Sugiuchi (bajista de The Hate Bombs y The Stents), llegan dos temas clásicos de las épocas decembrinas, aunque ahora adaptadas a la música surf.

En primera instancia, la cara A del 7" contiene "Feliz Navidad", pieza que cualquier persona ha escuchado innumerables veces en distintas versiones. Aunque en este caso destaca el sonido instrumental que es acompañado de un festivo teclado que inclusive ejecuta las notas iniciales del clásico del garage "96 Tears" de Question Mark & The Mysterians. La fusión de psicodelia y navidad alcanza nuevos niveles con este cover.

En cambio, en la cara B del sencillo se escucha "Greensleeves", la cual muestra el sonido energético y potente que ha sido patentado por los Satan's Pilgrims. No hay muchas sorpresas y en realidad los rasgos navideños se reducen a unas pequeñas campanas que se escuchan de fondo durante toda la canción.

De igual forma, otra característica de este nuevo trabajo radica en la producción. La grabación y mezcla fue realizada por Evan Foster, guitarrista de los Boss Martians y quien ha sido un amigo cercano de la banda desde hace varias décadas.

Sin importar las creencias personales en torno a una celebración como la navidad, las dos canciones que contiene el 7" son perfectas para escucharse en cualquier época del año. 

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Reseña: Badass Mother Fuzzers - On The Run (6Tone Records, 2019)

Mientras que algunos aseguran que el rock está muerto, a diario aparecen nuevas agrupaciones en distintas partes del mundo para demostrar que eso no es cierto. Aunque tal vez no llenen estadios ni vendan millones de discos, no se puede negar su existencia.

En el caso particular de Francia, una de las bandas que encabeza la nueva generación de músicos de garage-punk es el trío que responde al genial nombre de Badass Mother Fuzzers.

Con pocos años de experiencia, el trío ya cuenta con un álbum (aquí se puede leer nuestra reseña) y un 7" (aquí se puede leer nuestra reseña). Pero debido a que a sus integrantes les resulta imposible el mantenerse quietos, ahora ya está terminado su segundo LP que en esta ocasión es editado por el sello galo 6Tone Records.

Conformado por 11 canciones cantadas en inglés, la única diferencia con respecto a su trabajo previo es que ahora se escuchan más enojados pero mantienen su objetivo de crear rock potente del que hace reventar las bocinas.

Por su consistencia y perseverancia, el tridente originario de Toulouse se ha convertido en uno de los máximos representantes del garage-punk francés en la actualidad. Su sonido se alimenta por completo de agrupaciones como The Nomads, Radio Birdman y The Lords of Altamont.

Como en el pasado, al escuchar sus canciones lo único que se encontrará será una guitarra con fuzz, un bajo y una batería. Aquí no hay lugar para la experimentación ni se busca incorporar otros instrumentos. Mientras más simple y sencillo siempre será mejor.

El material abre con "I Feel Like", un potente golpe directo a los oídos que no avisa y marca el inicio de una masacre para los no adentrados en el rock sucio que huele a cerveza y utiliza los gritos desaforados como medio de comunicación.

La ceremonia continúa con piezas como "No No No" y "Got The Blues" en donde la dosis se repite. La distorsión es la única constante. Aquí no hay momentos relajados ni baladas tristes porque la energía que desprende el álbum es suficiente para resucitar a un muerto.

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Reseña: Bipolaroid - Paint It Blacker (Get Hip Recordings, 2019)

Desde hace más de 30 años Get Hip Recordings ha destacado no sólo por ser la casa de The Cynics sino por abrir sus puertas a bandas de todo el mundo. Aunque lo cierto es que dentro de las decenas de lanzamientos con los que cuenta, la psicodelia ocupa un lugar preponderante.

De esta manera, el sello con base en Pittsburgh ahora publica el quinto LP de Bipolaroid, un experimentado quinteto conformado por los hijos perdidos de Syd Barrett y Roky Erickson.

A pesar de que el combo es originario de la pantanosa Louisiana, en realidad su sonido se adentra por completo en el rock psicodélico de guitarras llenas de luz y esperanza. Abundan los coros fáciles de recordar que sumados a un delirante teclado que hace apariciones ocasionales es la fórmula ideal para hipnotizar oídos.

Dentro del material destacan canciones como "5D Printing" con un sonido tan ácido que podría ser una grabación perdida del The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd. Aunque también está "Sacred Geometry" que resalta por su estructura experimentación poco convencional.

Pero el punto cumbre del trabajo se alcanza en "Triple Rainbow" que a lo largo de ocho minutos simula un viaje cósmico con The Beach Boys y The Byrds de compañeros. Los delicados coros vocales se funden con las guitarras durante el trayecto en el que no hay retorno.

Como si existieran los viajes en el tiempo, escuchar a Bipolaroid es regresar a la explosión del Verano del Amor, cuando la cultura hippie estaba en su máximo apogeo y se pensaba que el futuro sería agradable y esperanzador.

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Reseña: Espectroplasma - Monster / ​Pyramid 7" (Devil In The Woods, 2019)

El misterio siempre ha rodeado a Espectroplasma hasta convertirlo en un proyecto mexicano de culto. Los integrantes siempre han preferido esconder sus identidades, sus presentaciones son escasas y los álbumes que han publicado hasta el momento son arriesgados desde sus composiciones hasta sus portadas.

Ahora, el grupo capitalino presenta el primer 7" de su carrera y lo que más sorprende es el drástico cambio de sonido que muestra. No existen rastros del surf-punk que dio a conocer al cuarteto como "la versión mexicana de Man Or Astro-Man?" y en su lugar ahora se adentra por completo en los complejos terrenos del space rock y el krautrock.

Lo que es cierto es que se mantiene el interés por el espacio exterior y explorar las fronteras del universo. La portada del nuevo trabajo con fuertes influencias de la serie Cosmos de Carl Sagan parece así confirmarlo.

Ligado al científico neoyorquino, las nuevas composiciones del combo muestran sonidos bastante similares al de agrupaciones internacionales legendarias como Vangelis, Tangerine Dream, Tomita e inclusive al trío mexicano ya desaparecido Robota.

En la nueva faceta de Espectroplasma lo que más resalta es el uso del sintetizador y las programaciones por computadora hasta convertirse en los elementos protagónicos de las dos nuevas composiciones. En primera instancia, "Pyramid" es una pieza con un ritmo robótico que hace creer que realmente los replicantes ya están entre nosotros como lo plantea Blade Runner de Ridley Scott.

A su vez, la cara B del sencillo contiene "Monster", un trabajo con un aura cósmica que inicia de forma lenta pero progresivamente avanza en intensidad hasta transformarse en un respetuoso homenaje a Kraftwerk.

Por otra parte, el 7" es editado en un tiraje de 200 copias numeradas por el sello Devil In The Woods, fundado en Estados Unidos en 1983 por Mike Cloward. Aunque debido a que desde hace algunos años reside en la Ciudad de México, decidió trasladar su disquera a territorio azteca y promete varias sorpresas para el 2020.

Con esto, el sencillo plantea apenas una muestra de lo que se puede esperar del nuevo sonido de Espectroplasma. Mientras que los integrantes que están detrás del grupo ya han explorado la música surf, el western y la cumbia psicodélica con sus proyectos alternos, ahora parecen inclinarse hacia el mundo robótico y las programaciones por computadora.

El 7" está a la venta a través del sitio de Devil In The Woods con envíos a cualquier parte del mundo.

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