Como parte de su expansión, este año el sello inglés Dirty Water Records presentó su filial Dirty Water Records USA, la cual tiene el mismo objetivo: publicar el trabajo de bandas de cualquier parte del mundo pero que se encuentren enfocadas en el rock & roll sudoroso y que no estén en busca de la perfección o de complicadas estructuras musicales.
De esta forma, gracias a Dirty Water Records USA vio la luz el primer álbum de Mean Motor Scooter, un trío proveniente de Texas y el cual está integrado por jóvenes músicos que también formaron parte de otros proyectos como Endless Sky y Spookeasy.
Fue apenas en el 2015 cuando el trinomio conformado por Sammy Kidd (guitarra y voz), Jeffrey Friedman (batería) y Joe Tacke (bajo), surgió y de inmediato ganó notoriedad gracias a sus acelerados temas que deambulan entre la furia adolescente del punk y la suciedad inconfundible del garage.
Con un EP y un sencillo previo, este año fue lanzado Hindu Flying Machine, trabajo conformado por 11 composiciones que como principal novedad presentan la incorporación de Rebekah Elizabeth en el teclado, lo que ahora le otorga mayor variedad al sonido del conjunto, aunque la esencia del rock & roll furibundo continúa intacta.
Con la juventud como principal aliada, el ahora cuarteto canta sobre una vida conformada por una fiesta infinita llena de cerveza helada y diversión infinita para nunca preocuparse por el mañana porque lo único que existe es el presente.
Ya con el material en mano, lo único que sigue para el grupo es continuar con su incesante actividad que incluye presentaciones cada fin de semana y beberse la mayor cantidad posible de alcohol en el menor tiempo posible porque la vida es demasiado corta para desperdiciarla en otros asuntos.
En la actualidad, la psicodelia se ha convertido en uno de los estilos predilectos del público mexicano y eso se aprecia en la numerosa cantidad de agrupaciones musicales que, en sus diferentes vertientes y estilos, hacen que la llama continúe encendida. Fue de esta forma que nació el Fido Fest, el cual también busca retomar el concepto de los antiguos festivales musicales, los cuales se realizaban al aire libre y en armonía; por otra parte, de la misma forma en que ahora resulta cada vez más frecuente la realización de eventos con grupos extranjeros, también se antoja necesario el ofrecer espacios para el talento nacional. Por último, otra motivación que llevó a la creación de Fido Fest fue el buscar un espacio en el que cada banda pueda ofrecer una presentación completa y no tenga que recortar su tiempo, algo casi imposible que suceda para las propuestas nacionales en otro tipo de festivales musicales. Concebido en el 2014 de manera autónoma y autogestiva, el Fido Fest alista los detalles de su cuarta edición, la cual se realizará el próximo 25 de noviembre en un terreno privado al aire libre, ideal para acampar, ubicado en el poblado de Santa María Cahuacán, dentro del municipio de Nicolás Romero, en el Estado de México. Para esta edición se contará con la participación de la siguiente selección de agrupaciones de diversas generaciones con estilos que van del rock progresivo a la psicodelia y el stoner rock: Chac Mool, Partícula, Electric Mountain, Rider Negro, Drugster Monster, Axis Mundi, The Narrow Way, Orange Moon, War Machine, The Orange Boys, Death Yak y Gris. Los boletos se pueden adquirir en preventa por $100 o el día del evento en $150. Para información más precisa sobre el festival, la forma de adquirir los boletos o cómo llegar, recomendamos visitar el link del evento oficial en Facebook.
El mundo musical es bastante peculiar y mientras algunas personas dedican años tan sólo para poder componer y grabar un álbum, también existen otras mucho más prolíficas que encuentran la inspiración en cualquier lugar y están totalmente casadas con la música, por lo que de manera constante se permiten publicar nuevas creaciones.
Enmarcado dentro de lo que se conoce como workaholic, el guitarrista inglés Chris Jack presenta el sexto LP de su proyecto The Routes, siendo la continuación de In This Perfect Hell (recomendamos leer nuestra reseña) que vio a luz a inicios de este mismo 2017.
Al respecto, es importante acotar que Chris Jack también es multiinstrumentalista, por lo que se encargó de la guitarra, voz, bajo, teclado y percusiones, es decir que prácticamente todo el material fue compuesto por él mismo.
Acerca de su pasado, es conveniente mencionar se inició en el mundo profesional a mediados de los noventa en su natal Inglaterra con el conjunto de britpop Electralux, aunque realmente nunca sucedió nada relevante con ellos. Fue a inicios de milenio que su vida cambió por completo cuando se casó con la artista japonesa Yoko Ono y ambos se mudaron a la ciudad nipona de Hita.
Una vez instalado ahí, Chris Jack fundó un nuevo proyecto pero esta vez encaminado hacia el terreno del garage primitivo pero con acercamientos al R&B, freakbeat, música surf y fuertes dosis de psicodelia y oscuridad.
Ya situados en el presente, su más reciente trabajo, publicado por el sello neoyorquino Greenway Records, representa su cara más oscura e inclinada hacia el rock venenoso y psicodélico, pero siempre con una guitarra fuzzeada que se encarga de protagonizar todas las composiciones.
El tema que abre el álbum es "You'll See", una pieza de tres minutos que recuerda a los Kinks de los sesenta por la distorsionada guitarra y eso de inmediato se enlaza con "Ego A Go Go", un tema más cercano al beat por el ritmo muy marcado de la batería que es la encargada de conducir toda la composición.
Más adelante hace su aparición "I Ain't Convinced" que tiene ciertas referencias a The Stooges por la forma que tiene Chris Jack de cantar y arrastrar las palabras. Casi al final del álbum suena "All I Find", en el que un hipnótico teclado permanece omnipresente y se vuelve el protagonista de la psicodélica canción.
De igual forma vale la pena destacar que todo el arte del álbum fue realizado por el ilustrador valenciano Mik Baro, por lo que en conjunto el material coloca a The Routes no sólo como uno de los grupos más trabajadores dentro del garage contemporáneo sino como uno de los más destacados y que mejor realizan su trabajo.
Con más de dos décadas de experiencia, el sello londinense Dirty Water Records se ha consolidado como uno de los más importantes del mundo gracias a su cuidada selección de material, siempre especializada en rock & roll, pero en un intento por expandirse y alcanzar nuevos territorios, ahora nació su filial Dirty Water Records USA, la cual contará con el mismo objetivo.
Con sede en Phoenix, Arizona, y con la gestión de Nicole Laurenne (cantante de The Darts), el primer lanzamiento del sello es el tercer LP de Escobar, un dueto de punk & roll surgido en las calles de Francia y el cual está conformado por Remi Lucas (guitarra y voz) y Charly Cailleaud (batería).
Aunque en apariencia el binomio pueda parecer nuevo por haberse formado apenas en el 2014, en realidad entre sus integrantes se encuentran miembros de reconocidos proyectos como The Anomalys, Weird Omen, The Bushmen y Daria, además de ser bastante prolíficos y desde el 2015 han publicado un álbum cada año.
En esta ocasión, su nueva placa presenta 12 composiciones propias en las que se escucha un sonido que se inclina hacia el rock & roll en su formato más clásico pero creado con el mínimo de elementos y sin complicaciones. Son piezas que respetan la estructura clásica de una canción pero que transpiran energía en cada nota.
Desde la abridora "Terrible Man" se pueden escuchar los gritos desgarradores de Remi acompañados de una batería que sin buscar protagonismo, sólo se encarga de servir de complemento y redondear el sonido del dueto. Por otra parte, "Big Town" recuerda al sonido primigenio de los Pixies y en "Changeover" se asoman ciertas referencias al sonido de frenético de proyectos alternos de los integrantes, como los ya mencionados The Anomalys.
Con un sonido sencillo pero bien ejecutado, Escobar demuestra por qué es considerada como una de las bandas más productivas de la actualidad gracias a su acelerado ritmo de trabajo y además, el álbum funciona como carta de presentación para Dirty Water Records USA, un sello que tiene la difícil pero no imposible tarea de igualar en importancia lo alcanzado por su contraparte inglesa.
A punto de publicar el nuevo álbum de La Barranca, tuvimos la oportunidad de platicar con su líder, José Manuel Aguilera. Con poco más de dos décadas de trayectoria, La Barranca se ha consolidado como una de las agrupaciones de rock más respetadas de México. El grupo surgió a finales de 1994 por inquietud del guitarrista y cantante José Manuel Aguilera, quien previamente había participado en bandas como Sangre Azteka y La Suciedad de las Sirvientas Puercas, además de que posteriormente ha sido integrante de Jaguares, Nine Rain y ha colaborado con músicos tan variados como el Dr. Fanatik y San Pascualito Rey.
Pese a los constantes cambios de integrantes, el único miembro fijo de la agrupación siempre ha sido Aguilera, quien ahora se acompaña de Adolfo Romero (guitarra), Navi Nass (batería), Ernick Romero (bajo) y Yann Zaragoza (piano) para conformar la actual formación de La Barranca.
Con una larga trayectoria, la historia de Aguilera quedó plasmada en el libro La Vida En La Barranca (Ediciones Stella, 2008) del periodista David Cortés, aunque si se quisiera definir con un adjetivo al músico nacido en 1959, el más apropiado sería trabajador. Mientras otros de sus compañeros de generación prefieren vivir de éxitos del pasado y permanecer estancados en su zona de confort, José Manuel siempre se ha mantenido en activo con la publicación constante de trabajos, los cuales siempre se han caracterizados por su elevado nivel de calidad. Con motivo de la próxima aparición del onceavo álbum de La Barranca, en Música Inclasificable tuvimos la oportunidad de platicar con José Manuel Aguilera, quien nos contó tanto la inspiración de su sencillo más reciente, su formato musical predilecto, la forma en que selecciona el orden final de las canciones de sus trabajos y su opinión de las nuevas bandas mexicanas de rock.
La Barranca en la actualidad. Fotografía cortesía de la banda
Hace
unos días se lanzó el tema “Cuervos” como antesala del próximo álbum de La
Barranca, ¿cuál fue la inspiración o acerca de qué trata esta canción?
José Manuel Aguilera: El tema habla de varias
cosas, en primera instancia es una exhortación para desearle el bien a alguien,
pero también es una reflexión de que a veces, en los momentos más complicados,
más difíciles, es cuando realmente valoras lo que tienes. Pero aunque sea mi
interpretación, siempre me ha interesado que las personas creen su propia
visión de las canciones y se formulen sus propias interpretaciones.
¿Y
por qué elegiste en específico el tema de “Cuervos” para lanzar como primer
adelanto del próximo álbum de la banda?
JMA: Bueno, en realidad la
única razón que existe es que se trata de la primera canción del nuevo álbum
que ya se encuentra completamente terminada y por eso decidimos lanzarla para
que el público la escuche. El resto de las canciones del material ya están
grabadas y sólo les falta la parte de post producción, así que realmente no
están completamente terminadas.
¿Entonces
prácticamente ya está listo el nuevo álbum de La Barranca? ¿Tienes alguna fecha
estima para que salga a la venta?
JMA: Sí, pensamos que saldrá
a principios del próximo año, tal vez en febrero, y contendrá 11 canciones, todas composiciones de nosotros y en esta ocasión no se contó con ningún invitado.
Acerca
del título del material, ¿ya tienes definido cómo se llamará?
JMA: Todavía no está
definido completamente el título del álbum pero hay una canción que aparecerá
en el disco y se llama “Lo Eterno”, la cual nos gusta mucho y es una opción
para que el material también se llame así, pero es sólo una propuesta así que
no podría asegurar que al final así se llame el álbum.
Desde
mi perspectiva, creo que La Barranca siempre se ha caracterizado por crear
álbumes y no tanto canciones, ¿tú estás de acuerdo con eso?
JMA: Yo difiero un poco de
esa opinión. Nosotros siempre nos hemos preocupado por trabajar en álbumes,
pero también me interesa que las canciones puedan existir por sí mismas, que
tengan vida propia, y creo que nuestro nuevo material no será la excepción. Las
11 canciones que contendrá forman una colección musical que guarda cierta
sonoridad similar, cierto humor, pero al mismo tiempo cada una de las piezas
las trabajamos por separado y no necesariamente se conectan entre sí.
La Barranca. Fotografía cortesía de la banda
Cambiando
de tema, ¿tú qué opinas acerca de los formatos musicales? ¿Prefieres los
tangibles a los digitales o crees que se acoplan unos con otros?
JMA: En mi caso, para
realmente escuchar y coleccionar música, sin duda prefiero los vinilos, además
de que es el formato con el que crecí y por eso le guardo afecto porque me parecen
objetos maravillosos; sin embargo, si vas en el coche o en el transporte, no
vas a llevar una tornamesa, entonces yo creo que cada formato tiene sus
virtudes y un uso en específico, pero si yo tuviera que elegir, mi predilecto
es el vinilo.
Entonces
supongo que a eso se debe que La Barranca ya ha lanzado dos de sus álbumes en
formato de vinilo (Eclipse de Memoria,
2014, y la reedición de El Fuego de la
Noche, 2015), ¿no es así?
JMA: Sí, además por fortuna
ya hay un público en México que consume los vinilos; en realidad siempre han
existido los consumidores de vinilos, pero creo que en la actualidad son más
evidentes en nuestro país. Por mi parte, yo me encuentro muy feliz de que
nuestro trabajo pueda ser lanzado en un formato como el del vinil porque siento
que le hace más justicia a la música y de hecho, en un futuro tenemos planeado
lanzar otros dos materiales en vinilo.
Eso
no sabía, ¿qué materiales serán?
JMA: Nuestro nuevo material
también será lanzado en vinilo, aunque no estoy seguro si desde un inicio pero
es un hecho que se editará en acetato aparte de CD y digital. Por otra parte,
también vamos a lanzar una reedición de nuestro segundo material, Tempestad (1997), pero ahora en vinilo.
A
mí me causa mucha curiosidad el orden en el que aparecen las canciones en un
álbum porque supongo debe ser complicado, como músico, elegir qué tema abrirá o
cerrará un disco, ¿en el caso de La Barranca cómo definen eso?
JMA: En realidad es todo un
proceso que en muchas ocasiones se alarga y requiere mucha atención, pero al
mismo tiempo es algo bastante intuitivo, al menos para mí. Aunque no existe tal
cual una fórmula, a mí siempre me gusta que los álbumes abran con una canción
fuerte… llamativa… un poco como los primeros cinco minutos de una película de
James Bond. A partir de eso vamos acomodando las canciones para darle una
narrativa y cierta coherencia al álbum. Es un trabajo muy meticuloso que toma
su tiempo porque hay que ver qué canciones quedan mejor juntas y cuales es
mejor no colocarlas de forma consecutiva.
Hace
unos meses La Barranca ofreció un concierto en el Teatro Metropólitan para interpretar en su totalidad los dos primeros álbumes de la banda, El Fuego de la Noche (1996) y Tempestad
(1997), ¿qué fue lo que aprendiste o recordaste al volver a escuchar y ensayar
todas las canciones?
JMA: Bueno, en este caso
creo que el reto fue tocar las canciones desde nuestra perspectiva actual
porque las bandas somos igual que las personas y La Barranca actual es
diferente a la de hace dos décadas, no sólo por los integrantes sino en cuanto al sonido.
Entonces, el reto fue tomar las canciones de los discos e intentar interpretarlas
pero con nuestra formación actual y con todos los años acumulados que ahora
tenemos, lo que a su vez nos llevó a redescubrir nuevos significados en las
canciones y en darme cuenta que después de tantos años, los temas han envejecido
sanamente.
De
hecho, lo interesante del concierto fue que La Barranca se presentó con dos formaciones
sobre el escenario: con los músicos actuales y con el trío que originalmente
grabó el álbum.
JMA: Sí, fue parte de hacer
un recorrido por nuestro pasado pero también para realizar arreglos distintos y
que no quedara en una simple reinterpretación de las canciones y ya. Para la
fecha del Teatro Metropólitan tuvimos que ensayar arduamente con las dos
formaciones y creo que el resultado final quedó muy bien plasmado en el
concierto.
Por
otra parte, hace unos meses salió el álbum titulado Promesaluz (2017)del dueto
que formaste junto a Yamil Rezc, ¿qué diferencias encuentras entre el sonido de
ese proyecto y el de La Barranca?
JMA: Para mí son dos cosas
absolutamente diferentes que lo único que comparten es que yo participo en
ambos proyectos. La idea del dueto con Yamil surgió para crear música sólo en
estudio, un poco como intentar hacer una banda virtual, y componer una
colección de canciones y ya, porque en realidad la idea nació después de que él
y yo nos encargamos de hacer la música de la película mexicana Potosí (2013) y dijimos: ‘hay que hacer
algo más’. De esta forma fue que nos reunimos y creamos las canciones del disco
que, según yo, suenan más a pop, al menos al pop visto desde mi perspectiva. Y
por otra parte, La Barranca es un trabajo de equipo en el que tenemos otro tipo
de ambiciones y no es sólo de estudio porque también nos gusta trasladar
nuestras canciones a los escenarios y poder interactuar con el público.
Y
en ese sentido, recuerdo que en el 2001 se editó Yendo Al Cine Solo, tu primer y a la fecha único álbum como solista,
¿tienes planes o te gustaría lanzar otro material en solitario?
JMA: Sí, yo siempre he
manejado esa posibilidad y claro que me gustaría pero la realidad es que
siempre me ha gustado estar inmiscuido en varios proyectos, aunque al final mi
prioridad siempre es La Barranca, así que siempre he tenido una agenda bastante
apretada. De momento estoy enfocado en el lanzamiento de nuestro nuevo
material, después vendrá la reedición en vinilo de Tempestad y posteriormente me gustaría publicar una reedición
justamente del álbum que mencionas, Yendo
Al Cine Solo, porque actualmente está agotado, aunque no estoy seguro si
también saldría en CD o en vinilo, lo cual a mí me encantaría.
Y
dentro de tu variado trabajo, también te has enfocado en la escritura, tanto
como columnista en revistas pero también con el lanzamiento del libro Estambul que publicó Rhythm & Books en el 2011, ¿dentro
de tus planes a futuro te gustaría lanzar otro libro o inclusive escribir una
novela? Al final, las letras de La Barranca son como cuentos breves.
JMA: Me gusta mucho escribir
como una forma para plasmar en papel las ideas que nacen en la mente y me
parece un ejercicio bastante recreativo, pero de momento no está dentro de mis
planes otro libro porque además creo que el tema de los libros es bastante
absorbente y requiere de mucho tiempo y dedicación. El libro que mencionas es
una colección de textos cortos que tienen relación con mi profesión de músico y
apuntar ideas en todo momento, pero yo de ninguna forma me considero un escritor.
Por
último, acerca del actual panorama de las bandas de rock en México, muchos se
quejan y dicen que no hay nuevas bandas interesantes o de calidad en nuestro
país, ¿tú crees que sea verdad y todo está perdido o sí hay nuevos proyectos
relevantes?
JMA: Pues mira, mi respuesta
es un tanto subjetiva porque a pesar de ser músico y formar parte de esta
industria, en realidad estoy bastante desconectado acerca del actual panorama
musical mexicano y desconozco mucho de lo que están haciendo los grupos en el
país, lo cual me causa pena aceptarlo pero es verdad. De repente escucho alguna
recomendación de amigos o puedo escuchar el trabajo de alguna banda con la que nos
toque alternar en un concierto, pero son pocos casos. Lo que sí he observado es
que continúan surgiendo bandas de rock en México y esto nunca se acabará porque
además ahora hay muchas facilidades de grabación, distribución y formas de dar
a conocer tu trabajo. Mi conclusión es que la escena musical en México está
viva y en movimiento. ¿Está mejor o peor que cuando yo empecé? Eso no lo sé y
creo que sólo el tiempo se encargará dar la mejor respuesta. Recordamos que el próximo concierto que tiene confirmado La Barranca será el próximo 2 de diciembre en el Foro Cultural Hilvana de la Ciudad de México.
Durante 10 días, la segunda edición del festival Stuff MX proyectará en la CDMX lo más raro del actual cine independiente.
Como parte de un intento por mostrar y darle difusión a las películas independientes actuales de distintas partes del mundo, pero en su vertiente de cine de explotación, serie z, de bajo presupuesto, comedia, bizarro y absurdo, surgió el festival Stuff MX, el cual celebrará su segunda edición del 17 al 26 de noviembre en la Ciudad de México.
Previamente se dio un avance con parte de la programación (la nota se puede leer aquí) pero ahora es momento de conocer la selección completa de largometrajes y cortometrajes que se podrán ver este año en las sedes oficiales: Biblioteca Vasconcelos, Centro de Cultura Digital, Centro Cultural José Martí, Gimnasio de Arte y Cultura, La Calaca, Pulquería Insurgentes y Terminal Coyoacán.
SELECCIÓN OFICIAL COMPLETA
La selección oficial de la segunda edición está compuesta por 74 títulos, entre largometrajes y cortometrajes, de más 18 países. Es importante mencionar que los 11 títulos que la sección de Competencia de Largometraje de Ficción serán estrenos en nuestro país.
COMPETENCIA OFICIAL DE LARGOMETRAJE
A los 6 títulos anunciados en el primer avance de programación, se suman el oscuro filme experimental austriaco Flesh of the Void (James Quinn, Austria, 2017); la screwball sci-fiFuture ’38 (Jamie Greenberg, EUA, 2016); el thriller hiperrealista de corte paranormal Indiana (Toni Comas, EUA, 2017); la comedia ganadora del Premio del Jurado en Slamdance Dim and the Fluorescents (Daniel Warth, EUA, 2017), y el filme inaugural Samurai Rauni (Mika Ratto, Finlandia, 2017).
LARGOMETRAJE DE FICCIÓN
- ALIENWEEN (ITALIA, 2016, Dir. Federico Sfacia)
- ASSHOLES (EUA, 2017, Dir. Peter Vack)
- CHILD EATER (EUA-ISLANDIA, 2016, Dir. Erlingur Thorodsenn)
- DIM AND THE FLUORESCENTS (EUA, 2017, Dir. Daniel Warth)
- DIRECTOR'S CUT (EUA, 2016, Dir. Adam Rifkin)
- FLESH OF THE VOID (AUSTRIA, 2017, Dir. James Quinn)
- FUTURE ́38 (EUA, 2016, Dir. Jamie Greenberg)
- GAME OF DEATH (CANADÁ-EUA-FRANCIA, 2017, Dir. Sebastien Landry, Laurence Moraiz)
- INDIANA (EUA, 2017, Dir. Toni Comas)
- THE LAPLACE’S DEMON (ITALIA, 2017, Dir. Giordano Giulivi)
- SAMURAI RAUNI (FINLANDIA, 2016, Dir. Mika Ratto)
CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
La competencia de cortometraje de ficción incluye 47 títulos y nuestra competencia: COLISIÓN proyectará 25 filmes de animación, videos musicales y cine experimental. Para conocer la lista completa se puede revisar el siguiente enlace.
FUNCIONES ESPECIALES
INAUGURACIÓN
El 18 de noviembre STUFF MX celebrará su gala de inauguración en la Biblioteca Vasconcelos en punto de las 17 horas con la proyección del cortometraje The Cure (Mike Olenick, EUA, 2017): Una soap opera sci-fi de ambientación onírica y con rasgos de cine experimental. Posteriormente se proyectará el largometraje finlandés Samurai Rauni (Mika Ratto, Finlandia, 2016). Una tragedia samurái al más puro estilo de Kurosawa, con latentes tintes surrealistas.
CLAUSURA
La gala de clausura tomará lugar el 25 de Noviembre en la Biblioteca Vasconcelos. El filme encargado de clausurar la segunda edición será Game Of Death (Sebastien Landry, Laurence Morais, Canadá, 2017).
NOCHE DE CORTOS MEXICANOS EN PULQUERÍA INSURGENTES
El miércoles 22 de noviembre en la Pulquería Insurgentes será una noche de cortos mexicanos. Se proyectarán 8 cortometrajes que van desde la comedia hasta el terror y la ciencia ficción.
La lista de los ocho cortometrajes que conforman la función:
- El Placer de la Carne (Dir. Oliver Izquierdo, 2017)
- HHL (Dir. Alberto Ordaz, 2017)
- La Pasión de Jerónimo (Dir. José Armando Salomo Rosas, 2016)
- La Rabia de Clara (Dir. Michelle Garza, 2016)
- Modelado (Christian Hernandez, 2017)
- Necropolís (Dir. Mateo Granillo, 2016)
- Oneirofobia (Dir. Juan Carlos Manrique, 2017)
- Sommer Dreams (Dir. Sergei Ramirez, 2016)
STREET TRASH: 30 ANIVERSARIO
Este 2017 se cumplen 30 años de una de las joyas trash de los 80s: Street Trash (Jim Muro, EUA, 2017). STUFF MX tendrá una función especial para conmemorar tan especial aniversario. La cita es el 19 de noviembre a las 18 horas en el Centro de Cultura Digital.Street Trash será precedida por Sleazy Pete (Frank Appache, Canadá, 2017), un cortometraje que sigue el espíritu de la obra festejada.
EXTREMO MARATÓN NOCTURNO
El Extremo Maratón Nocturno es el banquete propicio para que los cinéfilos puedan deleitarse con los platillos más suculentos del cine bizarro independiente. Una velada llena de momentos hilarantes e imposibles de principio a fin. El viernes 24 de noviembre estará la mesa puesta en Camping Cinema. La entrada será a partir de las 19:30 hrs. La información sobre la dirección y películas que se proyectarán se puede ver en el siguiente enlace.
Para estar al tanto de fechas y horarios de cada proyección, recomendamos revisar las redes de Stuff MX:
Si en los últimos años un grupo español ha logrado tener un crecimiento exponencial y destacar a nivel mundial, se trata de Guadalupe Plata, el trío de blues-punk hipnótico que inclusive en un par de ocasiones ya ha visitado nuestro país. ¿Pero qué realizan sus integrantes en sus pocos tiempos libres?
Como nos lo comentaron en la entrevista que les realizamos la primera vez que se presentaron en México (la cual se puede leer aquí), Pedro de Dios, guitarrista y cantante, también forma parte de Pelo Mono y Los Creyentes, además de haber sido el productor del álbum más reciente del dueto chileno La BIG Rabia (recomendamos leer nuestra reseña del material); por otra parte, Carlos Jimena, quien es el baterista del conjunto, acaba de presentar el primer lanzamiento de Los Ataúdes, su proyecto alterno.
En esta nueva aventura musical, el baterista que aquí utiliza el apodo de Jimena LadelCid se hace hace acompañar de Javi ChotaCabra, quien ejecuta la guitarra y canta. Así, con los elementos más básicos y simples, el dueto se sumerge en las profundidades del rock & roll panteonero, el blues rudimentario y los sonidos tenebrosos.
En un momento en el que muchos le apuestan a la tecnología y los sonidos perfectos, la virtud de Los Ataúdes consiste en hurgar en las raíces del rock, que datan de al menos un siglo de antigüedad, y presentar una primera carta de presentación polvorienta, sucia y grasosa que busca invocar todo tipo de espíritus y seres sobrenaturales.
De acuerdo con los propios músicos, su trabajo suena a óxido y humedad, algo que es imposible negar cuando se escuchan las cuatro composiciones que conforman el vinilo. En primera instancia, "Mujer Equivocada" es una alabanza al desamor que vuelve disfrutable el sentimiento, mientras que "Coche Que Se Estrella" es un denso e hipnótico relato de ultratumba que derrite cerebros.
En este caso, el 7" viene firmado por el joven sello Amok Records y consiste en un pequeño y limitado tiraje de 275 copias, mismas que apuntan a convertirse en preciados objetos de colección y marcan el inicio tanto de un enigmático y oscuro conjunto como de una valiente disquera que no tuvo miedo en apostarle al rock & roll grasoso.
Por tercera ocasión, el trío noruego de drone/noise rock MoE realizará una gira por nuestro país, del 12 al 20 de noviembre.
Con una actividad intensa que incluye giras por todo el mundo y la publicación constante de material, se confirmó que el trío noruego de drone/noise rock MoE se presentará por tercera ocasión en nuestro país gracias a un tour que incluye un par de fechas en la capital mexicana como parte de la alianza entre el Festival Aural y Elnicho, además de ofrecer conciertos en Guanajuato y Querétaro.
Como parte de su gira, tienen contempladas las siguientes fechas en nuestro país, todas con una selección musical diferente e inclusive visitarán los Estudios Testa, ubicados en León, Guanajuato, para grabar su nuevo material.
- 12 de Noviembre: Guanajuato, @ Teatro Principal, Musicalización de la película de cine mudo El Puño de Hierro.
- 13-15 de Noviembre: Grabación de nuevo material discográfico.
- 16 de Noviembre: León, Guanajuato.
- 17 Noviembre: Ciudad de México @ Mooi Collective.
- 18 de noviembre: Ciudad de México, show de improvisación como parte de las actividades del Festival Aural.
- 20 de Noviembre: Querétaro @ Museo de la Ciudad: Musicalización de la pieza “Cenizas” de la compañía francesa de teatro de vanguardia Plexus Polaire.
El trío noruego conformado por Guro Skumsnes Moe (bajo, contrabajo, octobajo y electrónicos), Havard Skaset (guitarra y electrónicos) yJoakim Heibo Johanssen (batería) ha reiterado en diversas ocasiones su gusto por México, lo que se ha observado durante sus dos giras previas por nuestro país, ocurridas en 2013 y 2015, e inclusive con una dedicatoria en su álbum 3, publicado en el 2014.
Acerca del sonido de este trinomio europeo, la mejor forma de describirlo es si se hace una comparación con una estampida de mamuts en los oídos, la cual resultó de una ecléctica sumatoria en la que se dan cita estilos como el metal, noise rock, drone, avant garde, música clásica y mucha improvisación, por lo que algunos han llegado a compararlos con proyectos como DNA, Neurosis, Shellac, Jesus Lizard y Boris.
Por otra parte, parte del sonido distintivo de los noruegos radica en su instrumentación que varía constantemente y de la misma forma en que se pueden presentar con una formación tradicional de banda de rock, también se pueden hacer acompañar de instrumentos electrónicos y laptops e inclusive han ofrecido presentaciones junto a ensambles de cuerdas y alientos.
Sumado a lo anterior, en los álbumes más recientes del grupo, Guro Sklumsnes Moe, ha implementado el uso del octobajo, un instrumento rescatado, reinventado y actualizado por ella misma y el cual tiene la peculiaridad de simular visualmente a un contrabajo y medir cerca de 4 metros de altura, además de que emite sonidos subsónicos con algunas frecuencias inaudibles.
Del total de las fechas en territorio mexicano, los boletos para la presentación del 17 de noviembre en Mooi Collective de la Ciudad de México ya se encuentran a la venta vía internet en el siguiente enlace y además también se contará con los proyectos nacionales Sunset Images, Soledad y Nada. Para mayor información se puede consultar el evento oficial del concierto.
La vida es una carrera de resistencia y no de velocidad, lo cual aplica de igual forma para el campo musical. Mientras muchos esperan obtener resultados de manera inmediata y al no ver materializados sus sueños se frustran y se dan por vencidos, otros simplemente se dedican a trabajar sin esperar demasiado y aunque de forma mínima pero logran avanzar hasta que después de mucho tiempo y perseverancia se dan cuenta del largo trayecto que han recorrido.
Exactamente un lustro después de la publicación de su primer EP (recomendamos leer nuestra reseña), el cuarteto mexiquense Vinnum Sabbathi lanzó su LP debut, aunque para llegar al punto actual tuvieron que enfrentarse a una serie de dificultades e inconvenientes que, en lugar de debilitarlos, sólo los motivaron todavía más para continuar con su camino.
En un inicio, Vinnum Sabbathi nació como un proyecto personal de Juan Tamayo, quien se encargó de ejecutar la guitarra, bajo y batería para, de manera precaria y primitiva, ensamblar todos los sonidos y conformar sus primeras composiciones caseras. Poco después llegarían Samuel (bajo), Gerardo (batería) y Román (sampleos) para conformar el cuarteto de poder que tomó su nombre de una canción de la banda inglesa de doom metal Electric Wizard.
Al respecto del sonido del cuarteto, es complicado de definir debido a que no se encuentra estacionado en un género en específico y en su lugar abreva de muchas fuentes y se mantiene en constante movimiento. Su trabajo está caracterizado por un rock instrumental fuerte y duro pero a la vez lento y oscuro, además de estar fuertemente influenciado por la ciencia y el trabajo de la NASA. Presenta elementos de stoner rock, doom metal y sludge, pero sin pertenecer propiamente a cualquiera de ellos.
Con varios EP's y splits de respaldo, el primer álbum del grupo se podría considerar como una obra conceptual en el sentido de que los cinco temas que los conforman giran en torno a un mismo objetivo, el cual es complementado de forma idónea con el oscuro arte espacial creado por el afamado ilustrador Mike Sandoval.
Mediante composiciones que no siguen los parámetros de las canciones promedio, lo que el grupo mexicano presenta son extensos pasajes instrumentales que son aderezados por una avalancha de riffs de guitarra, una batería demoníaca y sampleos tomados de documentales y conferencias espaciales, con lo cual se logra colocar al escucha en un punto cercano a la levitación.
Para el lanzamiento de su material, el cuarteto logró concretar una gira veraniega de tres meses por diversos países de Europa. Pese a lo que se podría imaginar, su viaje estuvo ausente de lujos y sí de carencias y contratiempos, pero al final la experiencia fue positiva y lograron darse a conocer ante un nuevo público y compartir escenario con agrupaciones que jamás hubieran imaginado.
De esta forma, gracias a su trabajo constante y perseverancia, el conjunto nacional logró llamar la atención de sellos extranjeros para la publicación de su primer LP y gracias a eso es posible conseguirlo en diversos formatos: en doble vinilo de color (Aim Down Sight Records), cassette (Southcave Records) y en CD y digital (LSDR Records).
Con un sonido que parece haber sido creado por entes de otra galaxia, el cuarteto mexicano se aleja por completo de lo que actualmente realizan sus compatriotas y su primer álbum ha colocado el nivel de exigencia en lo más alto, casi tan alto como el astronauta de la portada.
Si dentro del garage contemporáneo existe una persona que ha logrado posicionarse como un emblema del movimiento e inclusive cuenta con una infinita cantidad de burdos imitadores alrededor del mundo, seguro se trata del cantante austriaco Wild Evel, quien ha hecho de sus gritos esquizofrénicos, sus maniáticas gesticulaciones y los pantalones apretados sus principales características.
Con la llegada del Siglo XXI, Wild Evel hizo su arribo al panorama mundial siendo el frontman de The Staggers, un sexteto de garage-punk que publicó un par de LP's, numerosos 7" y realizó extensas giras por todo el mundo, incluido México. Pero tal vez fue el agitado estilo de vida el que provocó la triste separación del conjunto, el cual sólo ofreció un insólito concierto el año pasado dentro del festival anual del sello alemán Soundflat Records (como en su momento lo documentamos), aunque no existen más planes a futuro.
En ese sentido, desde antes de la separación de The Staggers, el espigado cantante optó por armar un nuevo proyecto al que bautizó como Wild Evel & The Trashbones y el que, a grandes rasgos, mantiene exactamente el mismo sonido y espíritu que su anterior proyecto, tan sólo se trata de otros integrantes.
En esta ocasión, el cuarteto está conformado por Paul Howl (guitarra), Murphy Morphine (bajo), Berni T. Bone (batería) y el propio Wild Evel que ahora no sólo canta y gruñe sino que también ejecuta el teclado farfisa.
Exactamente un lustro después del lanzamiento de su primer LP, Tales From The Cave, ahora el combo presenta su segundo álbum a través del sello inglés Dirty Water Records, en el que, por fortuna, se mantiene el mismo estilo y sonido con el que se dieron a conocer y el que les ha valido encabezar importantes festivales europeos como el Cosmic Trip (Francia), Gutterball Festival (Noruega), Le Beat Bespoke (Inglaterra) y Sauzipf Rocks (Austria).
El material arranca con "Der Bucklige", un frenético tema instrumental de poco más de un minuto de duración que sirve de anticipo a la carnicería musical que se escuchará durante la siguiente media hora. A su vez, el resto del álbum se caracteriza por la guitarra fulminante con fuzz y un sudoroso sonido que retoma lo patentado por agrupaciones de los sesenta que cimentaron el punk como The Sonics, The Wailers y MC5.
Como es de suponerse, la diversión es una parte esencial del material y es por eso que destaca el tema "Coyote", el cual se puede considerar como un cover del clásico "Comanche" de Link Wray. Por otra parte, también se debe destacar "Why Can't We Be Like The Satelliters?", que en realidad se trata de una versión actualizada de la misma canción con la que Wild Evel & The Trashbones participaron en un split lanzado junto al conjunto alemán The Satelliters (recomendamos leer nuestra reseña de su álbum más reciente) en el 2011.
Por último, vale la pena destacar la portada, creada por el propio Wild Evel, quien aparte de ser músico también se dedica al dibujo y ha realizado el arte de lanzamientos de diversos grupos, siempre con un estilo personal caracterizado por los personajes terroríficos de filosos dientes y el color rojo, lo cual complementa de forma idónea su vertiente musical.
Se anunció que el cuarteto brasileño de garage psicodélico Os Haxixins se presentará por primera vez en la Ciudad de México.
Para incrementar la oferta musical que inundará la capital mexicana durante la recta final de este 2017, el colectivo PsychOut será el encargado de traer por primera vez a tierras mexicanas al cuarteto brasileño de garage Os Haxixins, conocido por su sonido ácido y lisérgico.
El concierto que se anuncia como la única fecha de los sudamericanos en la Ciudad de México se realizará el próximo 30 de noviembre en el Foro Bizarro (Av. Yucatán #10, Col. Roma Norte) y como aperitivo se contará con las presentaciones de los proyectos nacionales The Broccolis, Ramona, Los Reverse y The Silver Stones, además de los DJ Sets de Uli Nogueira (baterista y cantante de Os Haxixins),Alix In Furs y Chess Boom.
Los boletos ya se encuentran a la venta a través de internet en Boletia o de manera física en las instalaciones del Foro Bizarro y en La Bestia Salas De Ensayo y tienen un precio de $320 (hasta antes del 25 de noviembre) o directamente el día del concierto en$350.
Brasil, el mismo país que le dio al mundo la tropicalia y algunos de los mejores futbolistas de la historia, también fue el punto geográfico en el que surgió uno de los grupos musicales más delirantes de los últimos años. Fue en el 2003 cuando cuatro jóvenes de Sao Paulo, aficionados a la cultura psicodélica que tuvo su punto máximo en la década de los sesenta, decidieron crear su propia banda en la que concatenaron todas sus influencias aunque siempre se negándose a cantar en un idioma que no sea el portugués.
De esta forma, el grupo tomó su nombre de la novela O Clube dos Haxixins (originalmente titulada Le Club des hachichins), del poeta francés Théophile Gautier, publicada en 1846 y en la que se relata las aventuras de una sociedad secreta conformada por artistas de la época, como Charles Baudelaire, Victor Hugo y Alejandro Dumas para explorar las profundidades de la mente a través del consumo de alucinógenos, en especial hachís. Con estos antecedentes, Os Haxixins retomaron elementos del sonido de Iron Butterfly, The Doors, The Electric Prunes y Os Mutantes e inclusive su obsesión los llevó a sólo emplear instrumentos antiguos y amplificadores de bulbos para poder alcanzar un estilo marcado por un hipnótico teclado y una guitarra saturada de fuzz.
Respecto a su trabajo, quedó constatado en sus dos únicos LP's: Os Haxixins (Groovie Records, 2007; Get Hip Recordings, 2008) y Under the Stones (Groovie Records, 2010), además de un par de 7" y apariciones en diversas compilaciones internacionales. Después de una actividad incesante que incluso les permitió realizar varias giras por Europa, el cuarteto conformado por Fabio Fiuza (guitarra), Sir Uly (voz y batería), Edu Osmédio (bajo) y Douglas Farias (voz, teclado y guitarra) se alejó por completo de los escenarios en años recientes y sólo realiza esporádicos conciertos en su país natal, pero el próximo 30 de noviembre se hará una excepción con su presentación en la Ciudad de México.
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