jueves, 31 de mayo de 2018

Reseña: Ukelele Zombies - El Mito (Sweet Grooves Records / Hurrah! Música / Devil Records, 2018)




El mundo del rock & roll se encuentra en constante renovación y a diario nacen y desaparecen agrupaciones en la mayoría de las ciudades del mundo, aunque si existe un punto geográfico que históricamente ha sido un semillero para los sonidos ruidosos y salitrosos es Valencia.

Fue precisamente en esta ciudad española que en el 2011 nació Ukelele Zombies, trío que en el 2014 dejó la primera constancia de su trabajo con el 7" Guou Lleah!!!, gracias al cual lograron notoriedad a nivel nacional y del cual se desprendió el sencillo "El Feo", que contó con un video que incluyó el cameo de integrantes de Wau Y Los Arrrghs!!!

Ahora, en este 2018, ha sido publicado el primer LP de Ukelele Zombies y lo primero que se debe mencionar es que por fortuna no existen cambios radicales con respecto a sus primeras composiciones. No hay evoluciones musicales, los integrantes no maduraron, no hay buenos modales y no hay intentos por ser los nuevos King Crimson, pero lo que sí hay es rock & roll ruidoso, gritón y que sólo requiere de un par de riffs de guitarra y una frase que se repita a lo largo de cada canción.

En primera instancia, se debe mencionar que el trabajo del trío conformado por Luis Armand Villalba (guitarra), Andrés Palmero (batería y voz) y Daniel Peinado (bajo) muestra fuertes reminiscencias a los primeros años de los Hollywood Sinners, hace recordar a Los Explosivos cuando eran unos adolescentes y contiene el espíritu de los mencionados Wau Y Los Arrrghs!!!, así que cualquiera que se encuentre emparentado con cualquiera de las tres referencias mencionadas encontrará en Ukelele Zombies a su nueva banda favorita.

En este caso, el material presenta una decena de composiciones propias que salpican sudor en todo momento, además de ejemplificar que para que un mensaje sea realmente escuchado no se requiere de susurrarlo sino de gritarlo y dejas los pulmones embarrados en el micrófono.

En cada una de las piezas se puede escuchar garage-punk creado con el mínimo de elementos pero que tiene como único objetivo el estremecer oídos, como lo muestra "Everything Is So Fine" que es el único tema cantado en inglés, aunque sólo contiene un par de frases que son muy fáciles de memorizar. Por su parte, en "Veneno Vudú" presentan una acelerada batería que podría revivir a un muerto como se creía en la antigua tradición haitiana. Por último, en "El Fugitivo" se adentran en los terrenos de la música instrumental con ligeros guiños a las antiguas películas de bajo presupuesto de ciencia ficción.

Por su parte, el trabajo publicado de manera conjunta por los sellos Sweet Grooves Records, Hurrah! Música y Devil Records en un tiraje limitado de 300 copias en vinilo cuenta con una ilustración de portada a cargo de Mik Baro, la cual termina por complementar de forma idónea el LP debut del trío valenciano que tiene como único objetivo el predicar la palabra del rock & roll.


miércoles, 30 de mayo de 2018

Rumbo a la Semana Indie Rocks! 2018: Deerhoof



En su regreso a la Ciudad de México, los integrantes de Deerhoof materializarán los sueños de los asistentes a su concierto

Dentro del panorama musical en nuestro país, un ejemplo claro de los frutos que deja el trabajo constante y la perseverancia por lo que crees es lo alcanzado por la revista Indie Rocks!, la cual inició hace 12 años como un medio impreso y con el transcurrir de los años se transformó en una plataforma digital, la creación de su propio inmueble y la realización de conciertos.

Como parte de las iniciativas de la revista surgió la Semana Indie Rocks!, la cual se realizará por tercera ocasión del 4 al 10 de junio de este año y consiste en un concierto diario protagonizado por una agrupación internacional y un grupo nacional emergente.

Dentro del cartel de este año destaca la presencia de Deerhoof, cuarteto estadounidense que se presentará el miércoles 6 de junio en el Foro Indie Rocks! (Zacatecas #39, Col. Roma Norte) a las 9 PM y además se contará con Entre Desiertos como banda abridora.

Los boletos para el concierto se pueden conseguir en preventa a través de Boletia por $450 o directamente el día del evento en $500.

Para mayor información, revisa el evento oficial en Facebook.


Con un espíritu inquieto por la experimentación y partidarios de hacer las cosas a su manera y sin la necesidad seguir convencionalismos establecidos, los integrantes de Deerhoof se han encargado de convertir a su proyecto en uno de los principales referentes del rock independiente de las últimas décadas.

Todo nació en 1994, año en que muchos auguraban la muerte del rock por el suicidio de Kurt Cobain, máximo emblema de la generación X, lo cual no ocurrió sino que permitió que distintas agrupaciones fuera de los límites de Seattle se dieran a conocer de forma paulatina.

En el caso de Deerhoof, las calles de San Francisco fueron las primeras en presenciar las improvisaciones creadas por la dupla conformada por Rob Fisk y Greg Saunier, quienes entonces eran unos jóvenes universitarios sin experiencia musical pero llenos de energía y con ánimos de exponer su trabajo.


Al poco tiempo, el trabajo del binomio llegó a los oídos de Kill Rock Stars, sello que siempre se ha caracterizado por brindarle oportunidades a las pequeñas agrupaciones emergentes que no tienen lugar en otros espacios y en este caso no se equivocaron porque la pareja comenzó a crecer y obtener el reconocimiento tanto de público como de la crítica especializada.

De igual forma, uno de los cambios de mayor importancia en la historia de Deerhoof fue la incorporación de Satomi Matsuzaki, una japonesa recién llegada a Estados Unidos, como su nueva cantante. La buena relación con sus compañeros fue inmediata y gracias a su estilo tanto vocal como visual, terminó por redondear el trabajo del conjunto que terminaría por convertirse en cuarteto unos años después.


Por otra parte, intentar definir el sonido de Deerhoof resulta una de las tareas más complicadas porque son una agrupación que se encuentra en constante movimiento y se alimenta de diversas fuentes de inspiración, por lo que pueden pasar de las ruidosas guitarras que recuerdan a Sonic Youth a las dulces melodías que suenan a una hada encantada, todo en cuestión de segundos. A todo lo anterior se debe sumar la presencia escénica de Satomi, quien al igual que la mayoría de las japonesas, cuenta con una dulce aura angelical.

Mientras muchas agrupaciones se suelen estancar por la falta de creatividad, en el caso del cuarteto estadounidense eso no ocurre y se puede apreciar en su extensa discografía que incluye la publicación de álbumes de forma constante, siendo su LP más reciente Mountain Moves, editado a finales del año pasado por Joyful Noise Recordings y dentro del cual destacan dos exuberantes covers: "Small Axe" de Bob Marley y "Gracias a la Vida" de Violeta Parra.


El sonido del combo americano es como un misterioso sueño porque nunca sabes qué esperar y en cualquier momento se puede transformar en algo completamente diferente a lo que inició, por lo que su regreso a la Ciudad de México resulta una oportunidad única para dejarse enamorar por su trabajo.

lunes, 28 de mayo de 2018

Reseña: Los Javelin - Cocktail Caracas (Green Cookie Records, 2018)




No es ningún secreto el actual momento por el que atraviesa Venezuela y tan sólo basta con realizar un par de búsquedas en internet para darse cuenta de la complicada situación que viven todos sus habitantes, pero sin importar todo el caos imperante, la música siempre fluye.

Surgido en la capital, Los Javelin es el conjunto más representativo de música surf del país sudamericano y además uno de los más persistentes del continente porque desde el 2001 se mantiene en activo, además de que ha participado en compilaciones mexicanas como Exotic Erotic Reverb (2003) y Melodías Intoxicadas Vol. 3 (2008), pero ahora el conjunto tiene listo su segundo material que inclusive logró llamar la atención del sello griego Green Cookie Records, especializado en los sonidos instrumentales.

El trío conformado por Barracuda (bajo), Veneno (batería) y Dr. Staccato (guitarra) realizó una interesante combinación en los 8 temas que conformar su nuevo álbum porque pese a que la materia prima es la música surf, dentro de los elementos secundarios destacan los sonidos exóticos, el spaghetti western, el spy sound y una diversa gama de texturas que le brindan una mayor riqueza a su trabajo.

El disco inicia con "La Maraquita", un fino y corto tema que muestra una alegre trompeta que sirve para dar paso a "Punkabilly Surfer", canción que recuerda a las guitarras con twang de Los Straitjackets y que gracias a un elegante teclado invitado podría formar parte de la banda sonora de cualquier película protagonizada por James Bond.

Por su parte, en "El Toro" regresa la trompeta invitada y ahora se sienten ligeras referencias al quinteto español Los Coronas junto con algunos guiños a los sonidos árabes, mientras que "Luna de Margarita" es un homenaje a las viejas películas de ciencia ficción.

Más adelante aparece "Camino A Tijuana", la cual se convierte en la composición más relajada del material al intentar recrear las atmósferas áridas que concibió Ennio Morricone para los filmes de Sergio Leone, mientras que para finalizar resalta la reinvención realizada a "Caramelo E Chocolate", una pieza de salsa original del Sexteto Juventud y que se trata de una de las composiciones venezolanas más importantes de la década de los sesenta, pero ahora con un sonido completamente diferente.

De esta manera, pese a las adversidades políticas y sociales que enfrentan en su país natal, el trabajo de Los Javelin es un importante aliciente que demuestra que aunque la música no puede solucionar todos los problemas del mundo, sí es una importante medicina que alegra la vida y de la que todos necesitamos.


domingo, 27 de mayo de 2018

Reseña: La BIG Rabia - Boda Negra (Happy Place Records, 2018)




La música, al igual que cualquier profesión, requiere de sacrificios de todo tipo que son pequeñas pruebas que pone la vida, pero al final, cuando se logran superar, las satisfacciones son mayores y es cuando se disfrutan más los éxitos.

De esta manera, si existe un conjunto que ha tenido que enfrentarse a todo tipo de sacrificios es La BIG Rabia, el dueto chileno que a lo largo de poco más de un lustro se ha dedico en tiempo completo a refinar su estilo en el que amalgaman el rock & roll con el bolero y le inyectan dosis de blues hasta obtener un estilo que cada vez se siente más personal.

Con el objetivo de lograr llegar a una mayor audiencia, Sebastián Orellana (voz y guitarra) e Iván Molina (batería) tomaron la difícil decisión de separarse de sus familias, amigos y seres queridos para trasladarse a España, país en el que residen desde hace cerca de un año.

A partir de lo anterior y de tener que hacer fuertes sacrificios para poder luchar pos sus sueños, la dupla chilena tomó inspiración para la creación de su quinto LP, titulado Boda Negra, por lo que no es de extrañar que se trate de su material más nostálgico y reflexivo dentro de su discografía.

Con el pasar de los años el binomio se ha preocupado por alcanzar un estilo que los identifique y les brinde una personalidad propia, lo cual desde su anterior trabajo que fue producido por Pedro de Dios de Guadalupe Plata y Pelo Mono (recomendamos leer nuestra reseña) fue bastante notorio, pero ahora logran un avance más y eso fue posible, en parte, porque su nuevo material contó con la producción de Paco Lamato (Pájaro) y del propio Sebastián Orellana.

A través de nueve piezas, el dueto confeccionó pequeñas historias de vida que presentan sonoridades serenas y calmadas pero con letras llenas de furia porque cada una representa un pedazo de vida. Mientras que en "Capitán" parecen relatar los verdaderos motivos que los orillaron a abandonar su patria, en "Mujer Sin Alma" le cantan a un dulce amor del pasado y "Olvídate de Mí" es una gozosa carta al desamor y a no confundir el pasado con el presente.

Si bien, en el álbum se aprecian algunas reminiscencias al trabajo de músicos como Tom Waits y Nick Cave & The Bad Seeds, las experiencias del binomio chileno les han ayudado a encontrar un sonido propio que los identifica del resto y ahora, con todos los sacrificios que han tenido que emprender, parecen haber alcanzado una nueva cúspide dentro de su carrera.



lunes, 21 de mayo de 2018

THEE OH SEES Y SU HECHIZO MUSICAL



El festival Hipnosis trajo de regreso a México a Thee Oh Sees y además mostró a los locales Psiónicos, Sgt. Papers y Nelson y los Filisteos

Todas las fotografías son de Indie Rocks/Jaime Fernández

El año pasado, el festival Hipnosis se convirtió en una de las propuestas más arriesgadas del panorama porque a diferencia de la mayoría de carteles que se pueden ver en la actualidad, no busca reunir a conjuntos musicales de diversos estilos ni crear batidillos para atraer la mayor cantidad posible de asistentes sino que tiene claro su objetivo que consiste en enfocarse sólo en el rock & roll, el garage y la psicodelia.

Debido a que la segunda edición del festival Hipnosis se realizará hasta octubre, de forma preliminar se organizaron tres conciertos que sirvieron para hacer la espera más corta y de paso conocer un poco más sobre el movimiento psicodélico contemporáneo a nivel nacional e internacional.

La tercera noche de estas fiestas previas fue protagonizada por Thee Oh Sees en su regreso a nuestro país, pero antes se pudo observar a tres conjuntos mexicanos que, con carreras cortas pero ascendentes, mantienen vivo el espíritu del rock.

La noche lluviosa provocó que los horarios estipulados se recorrieran, por lo que al momento en que Psiónicos se subieron al escenario, ya estaba una nutrida cantidad de público en el Foro Indie Rocks!

Psiónicos en su concierto debut

Pese a que oficialmente era la primera presentación de Psiónicos, en realidad detrás del trío se encuentran participantes de otros proyectos ligados al garage como Los Chicos Problema y Las Vinylators. Con una vestimenta totalmente negra como acostumbraban los integrantes de The Music Machine y Johnny Cash, lo que más llama la atención para un grupo de su naturaleza es la ausencia de una guitarra, lo cual hace recordar a conjuntos antiguos como Los Monjes o recientes como The Skywalkers.

Detrás del trinomio se encuentran Ana (batería), Rita (teclado) y Geo (bajo), quienes con una actitud seria y sin interactuar con el público se dedicaron a ejecutar sus composiciones, las cuales muestran un sonido que por momentos luce frenético y en otras ocasiones recuerda al estilo ye-yé de los sesenta, pero siempre con la máxima sencillez posible porque son músicos y no malabaristas.

Dentro de su todavía corto repertorio el tema que mejor describe al conjunto es "Rompecabezas" en el que presentan un teclado hipnótico que se combina con un bajo con fuzz y una batería que se encarga de fusionar los elementos. Al finalizar, una ovación del público fue la mejor calificación para el debut del trío que pronto estará dando más noticias.



Mientras en el exterior continuaba una lluvia ligera pero incesante, dentro del inmueble la cantidad de público cada vez era mayor y ahora fue momento se escuchar a Sgt. Papers, un joven dueto de Sonora del que se conoce poco y pese a que su nombre podría hacer pensar que tendrían cierta relación con las dulces melodías de The Beatles, la realidad no fue así.

La primera impresión es que se trata de dos integrantes de figuras regordetas con el clásico acento del norte del país, pero en cuanto encendieron el amplificador y comenzó el primer aporreo de tambores, convirtieron al lugar en un pequeño manicomio.

Desde Sonora, Sgt. Papers

Su presentación de media hora sirvió para que mostraran un sonido acelerado y violento como el punk rock pero a la vez con un aura psicodélica que es lo que busca proyectar el festival Hipnosis. Tocaron una canción tras otra sin descanso y pese a que sonaban como una manada de lobos hambrientos en búsqueda de su siguiente presa, era necesario abrir bien los ojos para cerciorarse que sólo había dos integrantes sobre el escenario.



Después de la acelerada presentación de los sonorenses llegó el turno de Nelson y los Filisteos, el conjunto mexicano más experimentado de la noche, pero pese a que su trayectoria es de poco más de un lustro, sus conciertos son tan esporádicos como los avistamientos de OVNI's en el cielo.

El cuarteto surgido en Guadalajara pero que radica en la capital es conocido por sus canciones cortas y rabiosas en las que resumen su sonido que ellos mismos describen como pop hiper-violento de tendencia postfuturista y corte canino.

Nelson y los Filisteos

Con algunas fallas en el sonido y chistes innecesarios, la presentación del conjunto sirvió de antesala para tener de regreso en México a Thee Oh Sees, grupo que terminó por redondear una noche pletórica protagonizada por la psicodelia.

En primera instancia, el combo estadounidense llamó la atención por el uso de dos baterías de forma simultánea, justo como acostumbran otros conjuntos actuales como The Melvins y The Monsters, gracias a lo cual su sonido en vivo es más monstruoso y demoníaco que escuchar cualquiera de sus álbumes.

Thee Oh Sees con sus dos bateristas

Detrás de los tambores se encontraban Dan Rincon y Paul Quattrone, quienes por momentos se complementaban y en otras ocasiones reforzaban su furia, aunque la estrella de la banda es su fundador y único miembro estable, John Dwyer, quien desde horas antes había mostrado una actitud afable al convivir con el público y tomarse algunas fotografías.

Para estos momentos de la noche el lugar ya se había convertido en una tierra sin ley en la que todas las personas se sacudían al frenético ritmo marcado por las cuatro personas sobre la tarima. Pese a que se intentó ofrecer un equilibrio entre la extensa discografía del combo, principalmente se escucharon temas del álbum Orc, publicado el año pasado y en el que se aprecia un sonido más crudo y cercano al salvajismo del punk rock.

Mientras que existen músicos que intentan recrear su trabajo de estudio sobre el escenario, en el caso de Thee Oh Sees no es así porque en su concierto aprovecharon el recurso de contar con una dupla de bateristas para extender cada una de sus potentes canciones y por momentos parecían ser una versión del nuevo milenio de Iron Butterfly, la cual dejó mareados los oídos de todos los asistentes.

Es gracias a este tipo de eventos que el festival Hipnosis ha logrado posicionarse como una interesante iniciativa que antepone el rock & roll a otros factores, por lo que ahora sólo resta esperar hasta el 6 de octubre para presenciar la segunda edición de este culto a la psicodelia.

miércoles, 16 de mayo de 2018

EL THEREMINISTA JAVIER DÍEZ ENA SE PRESENTARÁ EN MÉXICO



Con casi un siglo de existencia, el theremin es el único instrumento musical que funciona sin la necesidad del contacto físico

La Ciudad de México es considerada como una de las más grandes y pobladas del mundo, por lo cual es normal que a diario se realicen diversas actividades enfocadas en distintos públicos, pero lo que no es cotidiano es la visita de ejecutantes del theremin a la capital mexicana.

De esta forma, se anunció la visita del thereminista español Javier Díez Ena a la Ciudad de México para realizar dos actividades, ambas de entrada libre.

22 de mayo - Master Class - Centro Cultural de España - 6 PM
24 de mayo - Concierto - Centro Cultural de España - 9 PM

En primera instancia, para asistir a la master class que ofrecerá no es necesario realizar ningún registro ni se requiere contar con un theremin, tan sólo se debe llegar con puntualidad al CCE porque el cupo está limitado a 50 lugares. Para conocer el temario y los puntos que se analizarán se puede consultar el siguiente enlace.

Respecto al concierto que ofrecerá, forma parte del ciclo Terrazas Magnéticas, un concepto de La Casa Encendida que busca reunir a lo mejor del ecosistema cultural mundial y en esta ocasión, aparte del Javier también se presentarán Mr. Bleat (Colombia), Kinética (Chile) y Mylko (México).


Respecto a Javier Díez Ena, se trata de un thereminista, contrabajista, locutor y periodista que cuenta con más de dos décadas de trayectoria que incluyen la participación en agrupaciones cercanas al rock, el jazz y los sonidos experimentales como Dead Capo, Ginferno, Forastero, Insecto y Phono. Dentro del campo del periodismo, ha colaborado en las revistas Rockdelux, Vanidad, Rocksound y Rolling Stone.

En el campo específico del theremin, Javier publicó el año pasado el álbum Theremonial, editado por los sellos Alehop! y Beat Generation el cual es considerado como el primer material ejecutado sólo con un theremin hecho en España.



Acerca del material mencionado, el theremin es el único instrumento empleado y el que asume todos los roles musicales (percusión, bajo, armonía, melodía, ruido, texturas). Como ejemplo de la versatilidad que sonora que puede alcanzar este instrumento de origen ruso, el material incluye el tema "Waikiki Spleen", que además de estar influenciado por la cultura tiki y Hawaii, también sorprende porque el theremin se encarga de replicar tanto los agudos sonidos que simulan ser el canto de unos pájaros hasta imitar a un contrabajo.



Por su parte, además de las fechas en la Ciudad de México, el español también ofrecerá pláticas y presentaciones en Nicaragua y El Salvador.



miércoles, 9 de mayo de 2018

Reseña: Antonio Cafre & Los Traumáticos - No Sin Mi Chupa (Sweet Grooves Records, 2018)




Mientras actualmente es posible ver a grupos de rock conformados por veinteañeros que presentan sonidos endebles y aburridos, también existe la contraparte, es decir, agrupaciones con integrantes mayores pero que muestran que la edad es mental porque suenan más potentes que la mayoría de los jóvenes.

Con lo anterior como sustento es que Antonio Cafre & Los Traumáticos hacen su debut este año a través del sello español Sweet Grooves Records, pero a pesar de ser la primera muestra del trabajo de este cuarteto, en realidad se trata de músicos con varias décadas de experiencia dentro del mundo del rock & roll en agrupaciones como Los Cafres, Thee Tumbitas, Pedrito Diablo y los Cadáveras, Phantom Club y Cool Funeral.

De esta manera, el combo proveniente de Vigo está conformado por Antonio Cafre (voz), Indy Tumbita (guitarra), Juanma Ons (bajo) y Emilio Iniesta (batería), quienes en conjunto compusieron una decena de temas para su álbum debut, las cuales simplemente buscan retomar el viejo rock & roll de la manera más fiel posible, lo que significa que aquí no hay lugar para las experimentaciones o las combinaciones con otros géneros. Es tan sólo rock & roll.

Así, con varias décadas de trabajo como respaldo, el grupo muestra en su primer LP, No Sin Mi Chupa, un sonido caracterizado por una guitarra punzante que no busca ser perfecta sino efectiva, un cantante que entrega la vida en cada frase pronunciada y una batería llena de poder que no sólo marca el ritmo sino que comanda la dirección a tomar.

Por su parte, el material abre con "De Vigo a Bangkok", una canción directa y sin complicaciones que tiene el espíritu del punk callejero de los setenta que en buena parte asemeja a Radio Birdman y The Nomads y sólo requiere un par de líneas en su letra para hacerla más fácil de cantar en los conciertos.

Otro ejemplo del material incluido es "Abajo en el muelle", la cual contiene un pegajoso riff de guitarra inicial que sirve para introducir a Antonio, quien en esta ocasión le canta a la clase trabajadora que todos los días sale en búsqueda de sustento para sus familias, por lo que podría ser una composición emparentada con el clásico "Street Fighting Man" de The Rolling Stones, banda que obviamente representa una de las principales influencias para esta joven agrupación conformada por experimentados músicos pero que demuestra que la edad sólo es mental.